Nuevos huéspedes en el Salón de la Fama

La ceremonia de inducción al Salón de la Fama del Blues, celebrada previa a la entrega de los Blues Music Awards, tendrá lugar el miércoles 6 de mayo de 2020 en el Halloran Center del Orpheum (225 S. Main St., Memphis). Una recepción de cóctel en honor a los miembros del afamado Salón y de los nominados a los codiciados Premios iniciará a las 5:30 p.m., y las inducciones comenzarán a las 6:30 p.m. en el teatro Halloran.

Coincidiendo con la ceremonia de inducción, el Museo del Salón de la Fama del Blues exhibirá una serie de artículos especiales que representan a cada uno de los nuevos miembros. Estos objetos estarán a la vista del público a partir de la semana de las inducciones y permanecerán ahí durante los próximos 12 meses.

Dicho museo, construido a través del vehemente apoyo y la generosidad de los fanáticos del blues, representa a los cuatro elementos de la misión de la Blues Foundation: preservar el patrimonio del blues, elogiar las grabaciones y el desempeño del blues, expandir la conciencia del género del blues y garantizar el futuro de la música.

Los visitantes del museo pueden admirar exhibiciones permanentes e itinerantes, así como galerías individualizadas que muestran una selección inigualable de portadas de álbumes, fotografías, premios históricos, arte único, instrumentos musicales, indumentaria y otros recuerdos únicos en su tipo. Las pantallas interactivas permiten a los invitados escuchar la música, ver videos y leer las historias sobre cada uno de los más de 400 miembros del Salón de la Fama del Blues.

Los 14 galardonados de la clase 41 del Salón de la Fama del Blues de The Blues Foundation, abarcan casi un siglo de música, que va desde las estrellas de los años 20, Victoria Spivey y Bertha “Chippie” Hill, hasta las luminarias contemporáneas, Bettye LaVette, Syl Johnson y Billy Branch. Los inducidos de este año en cinco categorías: Intérpretes, Personajes No Músicos, Literatura de Clásicos del Blues, Grabación Clásica del Blues (Canción) y Grabación Clásica del Blues (Álbum); también demuestran vívidamente cómo el blues se cruza con una gran variedad de estilos de música estadounidense como el soul, el funk, el country, el R&B y el rock ‘n’ roll. Los nuevos huéspedes del Salón de la Fama del Blues no son solo músicos excepcionales, sino que también son educadores, innovadores, empresarios y activistas decididos a dejar su huella en el mundo.

El pianista Eddie Boyd, obtuvo varios éxitos a principios de los años 50 (como “Five Long Years”) para Chess Records, pero el sincero bluesman de Chicago, nacido en Mississippi, consternado por la injusticia racial y el engaño de los negocios discográficos, abandonó Estados Unidos a mediados de los años 60 para ir a Europa, donde su carrera prosperó durante varias décadas. El as de la armónica Billy Branch, parte de la “Nueva Generación del Blues de Chicago”, es un asiduo ganador en los Blues Music Awards, pero también ha impartido cientos de clases de blues por todo el mundo y ha recibido dos veces el premio ‘Keeping the Blues Alive’ en Educación. La vigorosa cantante Bettye LaVette, finalmente logró su aprobación muy merecida en el nuevo milenio, después de varias décadas de luchas dentro de la industria, obteniendo muchos honores, incluidos varios Blues Music Awards, y actuando en la celebración del inicio de la gestión del presidente Obama en 2009.

Victoria Spivey puede ser mejor conocida por los fanáticos de la música en general por incluir a un joven Bob Dylan en una sesión de grabación de 1962; sin embargo, su incomparable carrera de 50 años comenzó con su melodía, “Black Snake Blues”, incluyendo sus papeles como compositora, manager, líder de banda y propietaria de un sello discográfico. El guitarrista Syl Johnson (hermano del miembro del Salón de la Fama del Blues, Jimmy Johnson), protagonizó la escena soul de Chicago durante los años 60 y 70. Sus canciones funky, a menudo políticamente cargadas de blues (como “Different Strokes” y “Is It Because I’m Black”), lo han convertido en un favorito para probar entre los artistas de hip-hop. El enigmático George “Harmonica” Smith, que tocó con leyendas como Muddy Waters, Big Mama Thornton y Big Joe Turner, ha sido ampliamente aclamado por los aficionados y músicos de blues como uno de los principales armonicistas del género, e influyó en una generación de ellos de la costa oeste.

El revolucionario productor Ralph Peer, galardonado en la categoría Individual (Negocios, Medios y Académico), es el más asociado por sus grabaciones formativas en el campo de la música country, pero primero fue pionero en el mundo del blues (incluida la coproducción de Mamie Smith, en su histórica sesión de 1920 “Crazy Blues”). El libro “Earl Hooker, Blues Master”, es la perspicaz biografía del gigante de la guitarra de blues (y miembro del Salón de la Fama 2013), escrito por Sebastian Danchin, autoridad de música de raíces estadounidense, ingresa como un clásico de la literatura de blues.

Howlin’ Wolf: The Chess Box, es el álbum clásico que ingresa en esa categoría. Hay cinco grabaciones clásicas que reciben el honor: la grabación original de Arthur “Big Boy” Crudup “That’s All Right (Mama)”, que luego se hizo famosa por Elvis Presley; la exitosa versión de 1926 de Bertha “Chippie” Hill “Trouble in Mind”; “Future Blues” de Willie Brown, y dos canciones de principios de los años 50: “3 O’Clock Blues”, la primera canción de B.B. King y el número uno de R&B en 1952, la notable interpretación de Ruth Brown a “Mama, He Treats Your Daughter Mean”, el disco de R&B más vendido de 1953.

Syl Johnson

Nació en una familia musical: su padre y varios hermanos fueron músicos. Aunque el apellido de su familia era Thompson, el nativo de Mississippi tomó el nombre de Johnson cuando comenzó a grabar en Chicago en 1959. Su hermano mayor Jimmy (quien fue inducido en el Salón de la Fama del Blues en 2016), también cambió su nombre a Johnson. Un guitarrista muy solicitado, Syl trabajó con Jimmy Reed, James Cotton, Billy Boy Arnold, Elmore James, Junior Wells y el compañero inductor del Salón de la Fama 2020, Eddie Boyd.

Su propia música, un robusto combo de soul, blues y funk, produjo éxitos a finales de los 60 como “Come on Sock It to Me”, “Different Strokes” y “Dresses Too Short”, junto con canciones más serias y socialmente conscientes como como “Is It Because I’m Black” y “Concrete Reservation “. Grabó su mayor éxito, “Take Me to the River “, para Hi Records de Willie Mitchell en 1975.

Muchas estrellas del hip-hop comenzaron a versionar el trabajo de Johnson en los años 60, especialmente “Different Strokes”, y los ingresos resultantes, algunos de ellos por litigios, le dieron a Johnson un estilo de vida cómodo. En 2001, Syl se asoció con su hermano Jimmy en el bien recibido álbum, Two Johnsons Are Better Than One, y el álbum de nominados al Grammy 2010, le atrajo más atención. Todavía activo en sus 80 años, Syl ha visto a su hija Syleena continuar con su legado musical, como cantante y compositora de R&B nominada al Grammy.

Bettye LaVette

El viaje musical de Bettye LaVette ha tenido muchos altibajos. Betty Jo Haskins, nacida en Michigan usó el nombre Betty LaVett (que luego evolucionó a Bettye LaVette), cuando grabó su primer sencillo “My Man – It’s a Lovin’ Man” cuando era adolescente para Atlantic Records en 1962. Mientras esa canción era un éxito, sus singles posteriores no alcanzaron esas alturas en las listas, aunque su canción de 1965 “Let Me Down Easy” es considerada como un clásico del soul. Trabajos en Atlantic/Atco, Epic y Motown no funcionaron, y su mayor éxito fue actuar en el musical de Broadway Bubbling Brown Sugar durante varios años.

La popularidad europea de LaVette (donde finalmente se lanzó su álbum) atrajo la atención de los Estados Unidos. Su álbum de “regreso”, A Woman Like Me, le otorgó un Premio de la Blues Fundation en 2004, y posteriormente ganó el premio a la mejor artista femenina en las categorías de blues contemporáneo y soul blues. Sus álbumes únicos que combinan géneros para ANTI, Cherry Red y Verve obtuvieron nominaciones al Grammy en los campos de R&B, americana y blues.

El aumento de la importancia de LaVette la llevó a presentarse en el Kennedy Center, Radio City Music Hall y en la Celebración de la Ininicio de Gestión del presidente Obama en 2009. Su autobiografía altamente elogiada, A Woman Like Me, relata desgarradamente sus años de luchas, catástrofes y esperanzas frustradas.

Billy Branch

Fue reconocido como uno de los líderes de “The New Generation of Chicago Blues” al surgir en la escena musical de la ciudad a mediados de los 70, cuando apenas tenía poco más de 20 años. El extraordinario armonicista se hizo conocido como miembro de la banda, Sons of Blues (donde irónicamente fue el único que no era hijo de un músico de blues), y durante sus muchos años tocando con Willie Dixon.

Siempre consciente de la importancia del pasado, presente y futuro del blues, el nativo de Chicago comenzó a enseñar en el programa Blues in the Schools del Illinois Arts Council en 1978, y desde entonces ha seguido impartiendo cientos de clases de blues en todo el mundo.

Billy ha sido honrado dos veces con el Premio Keeping the Blues Alive en Educación. Es el armonicista de sesión más buscado de Chicago, también ha grabado álbumes para sellos como Alligator, Blind Pig y Verve. Su creación musical también le ha valido elogios, ya que ha compartido créditos en tres álbumes ganadores del Blues Music Award, incluido “Harp Attack!”, una colaboración en 1990 con James Cotton, Junior Wells y Carey Bell. Actualmente, en la edición 2020 de estos premios, está nominado en varias categorías.

Victoria Spivey

Creció en un ambiente musical rico, su padre y sus hermanos tenían una banda de cuerdas y dos de sus hermanas se convirtieron en artistas de grabación de blues. A los 20 años, dejó su hogar en Houston, Texas, para ir a St. Louis a seguir una carrera como cantante, como lo había hecho su amiga, la popular cantante (y miembro del Salón de la Fama del Blues), Sippie Wallace.

El primer sencillo de Spivey, en 1926, el atrevido “Blues Is My Business”, fue un gran éxito, al igual que su grabación de 1927 de “T.B. Blues”, que personificaba su marcado estilo de blues. Su lema fue “Blues Is My Business”, y lo demostró durante toda su vida, desde demandar a su editor por regalías en 1928, hasta comenzar Spivey Records a principios de la década de 1960.

Su variada carrera también encontró a “Queen Vee” como exitosa compositora, líder de banda, gerente, organista de la iglesia, vocalista de jazz y comediante, y protagonizó la histórica película totalmente negra de 1929, ¡Aleluya! También sirvió de inspiración para un joven Bob Dylan, que tocó en una sesión de grabación de Spivey, en 1962 y luego incluyó una foto de sí mismo con ell en la contraportada de su álbum, New Morning.

George “Harmonica” Smith

Es un legendario armoniquero cuyas biografías publicadas ofrecen información contradictoria sobre su nombre y lugar de nacimiento. No solo actuó y grabó con varios nombres (Little Walter Jr., Harmonica King, George Allen, Little George Smith y Big Walter), sino que, con el paso de los años, dijo que su nombre era Allan George Washington o George Washington. Lo que se sabe sobre Smith es que tenía grandes habilidades para tocar la armónica.

Fue reconocido por su dominio, tanto de la armónica tradicional de blues diatónico de 10 orificios, como de la armónica cromática. Aunque nunca tuvo un disco exitoso, Smith fue muy apreciado por sus compañeros músicos. Su primera banda fue con Otis Rush, y su primera sesión de grabación fue con Otis Spann en 1954.

Smith también tocó sesiones con Lowell Fulson, Sunnyland Slim, Big Mama Thornton, Big Joe Turner y Jimmy Witherspoon, e hizo varias temporadas con la banda de Muddy Waters. El viejo residente de Los Ángeles también fue mentor de un equipo de jóvenes discípulos en California, incluidos William Clarke, Rod Piazza y Doug MacLeod. Músico en activo hasta el final de su vida, grabó su último álbum solo unos meses antes de su muerte ocurrida el 2 de octubre de 1983.

Eddie Boyd

Nació en una plantación de Mississippi y, después de trabajar en campos de algodón, tomó la ruta 61 hacia el norte, y finalmente se instaló en Chicago a principios de los años 40. Su primer éxito, “Five Long Years”, terminó en Chess Records, que también lanzó otros dos éxitos importantes de Boyd: “24 Hours” y “Third Degrees”. Boyd, quien también grabó para Bea & Baby, creó una música poderosa que refleja las injusticias y los malos tratos que experimentó y presenció.

Molesto por sus batallas con las prácticas comerciales de las grabadoras y el racismo estadounidense en general, el orgulloso y franco Boyd se mudó a Europa a mediados de los años 60 después de recibir una recepción de bienvenida en la influyente gira del Festival Folk Blues de 1965. Finalmente, instalándose en Helsinki, Finlandia, el talentoso pianista disfrutó de una exitosa carrera en el extranjero, incluso grabando con Peter Green y Fleetwood Mac, hasta su muerte el 13 de julio de 1994.

Ralph Peer

Es reconocido universalmente como el principal defensor de la música de raíz durante los primeros días de la industria discográfica estadounidense. Es también conocido por su papel en la música country (entonces llamada música hillbilly), y fue la primera persona en grabar a Jimmie Rodgers, la familia Carter y muchos más. Sin embargo, Peer estaba grabando blues antes (y durante) sus aventuras por su país. De hecho, participó en la sesión de “Crazy Blues” de Mamie Smith en 1920, que se reconoce como el catalizador para que las compañías discográficas lanzaran catálogos de “música racial” de blues, jazz y góspel afroestadunidenses.

De hecho, se encuentra entre los acreditados por haber acuñado el término “música racial”. Ahora retirado desde hace mucho tiempo, una frase que inicialmente simbolizaba el orgullo dentro de la comunidad afroestadunidense. Para OKeh Records, o más tarde, Victor Records, Peer grabó a la Memphis Jug Band, Tommy Johnson, Blind Willie McTell, Bukka White, Sleepy John Estes, Gus Cannon, Memphis Minnie, Alberta Hunter, Sippie Wallace, Victoria Spivey y al pionero de la guitarra de blues, Sylvester Weaver. Si bien fue decisivo en el diseño del concepto de blues, hillbilly y otros géneros, Peer, siempre empresario, cambió su atención a la música pop en los últimos años porque sabía que tenía un mayor potencial monetario.

Earl Hooker, Blues Master, por Sebastian Danchin (University Press of Mississippi, 2001)

El escritor, productor y traductor francés, Sebastian Danchin, tocó la guitarra con bandas de blues en Chicago durante la década de 1970, pero llegó unos años tarde para pasar tiempo con Earl Hooker, quien había muerto de tuberculosis en 1970. Danchin, sin embargo, vivió en hogares de músicos en el lado sur de Chicago y, a través de las amistades que hizo, fue capaz de obtener ideas invaluables sobre el colorido Hooker, ya sea por sus increíbles habilidades con la guitarra, su incesante viaje o su afición por robar equipos.

Utilizando este tesoro de material, Danchin, quien también ha escrito libros sobre B.B. King, Aretha Franklin y Elvis Presley, pudo escribir una historia fascinante sobre este virtuoso nacido en Mississippi que se convirtió en miembro del Salón de la Fama del Blues en 2013. Aunque no ampliamente conocido por el público, Hooker fue defendido por innumerables músicos, incluido B.B. King. Primo del famoso John Lee Hooker, Earl fue, en palabras de Danchin, el “ejemplo vivo del bluesman moderno itinerante”. Su biografía aclamada por la crítica es incisiva, de primer nivel y va al grano, al igual que el arte de Earl Hooker.

Howlin’ Wolf: The Chess Box (MCA/Chess box, 1991)

El sello MCA lanzó varias compilaciones destacadas de blues clásico y de R&B extraídos del catálogo de Chess Records en la serie The Chess Box. La edición Howlin’ Wolf (Chess CH5-9332) después de la de Muddy Waters, será la segunda caja de Chess en ganar la entrada al Salón de la Fama del Blues. La sexta grabación de Wolf honrada por el Salón de la Fama comienza con su grabación seminal de 1951, “Moanin’ at Midnight” y continúa cronológicamente hasta 1973. La colección está cargada de actuaciones que una y otra vez se erizan con el poder crudo y la fuerza primaria que solo Wolf (Chester Burnett) poseia. Fue lanzada en una caja de cinco LPs o como tres casetes o CD, las 71 pistas presentan algunas gemas inéditas, así como algunos fragmentos hablados perspicaces y entretenidos, incluido uno sobre lo enojado que estuvo una vez por no poder escapar del apodo: Howlin’ Wolf.

“That’s All Right (Mama)” – Arthur “Big Boy” Crudup (RCA Victor, 1946)

El pegajoso tema de Big Boy Crudup “That’s All Right” (a menudo llamado “That’s All Right Mama”), fue una grabación histórica no solo para Crudup sino también para Elvis Presley, quien lo versionó en su primera sesión de grabación para Sun Records en 1954. El original de Crudup, grabado el 6 de septiembre de 1946 en Chicago, fue lanzado como un sencillo de 78 rpm en 1947 (RCA Victor 20-2205). La pista más tarde se convirtió en uno de los primeros singles de blues de 7 pulgadas cuando RCA Victor introdujo el disco de 45 rpm en 1949. No es coincidencia que el ejecutivo que firmó a Elvis con RCA, Steve Sholes, también había producido la sesión de Crudup en Chicago.

“Mama, He Treats Your Daughter Mean” – Ruth Brown (Atlantic, 1952)

El disco de R&B más vendido de 1953, “Mama, He Treats Your Daughter Mean” (Atlantic 986), acumuló más de 400,000 ventas, según la revista Billboard. El tercero de los cinco éxitos de R&B número 1 de Ruth Brown, también fue el primero en cruzar a las listas de éxitos. Los escritores acreditados por la canción, Johnny Wallace y Herb Lance, informaron al productor de Brown, Herb Abramson, que la idea surgió de un cantante callejero de Atlanta (posiblemente Blind Willie McTell, quien había grabado una canción de Blind Lemon Jefferson, “One Dime Blues, que contiene la línea que da nombre al título. Brown inicialmente se opuso a hacer la canción y Abramson intentó varios ritmos diferentes para la melodía durante la sesión del 9 de diciembre de 1952, antes de finalmente llegar al enfoque correcto, uno que destacó el enérgico discurso vocal de Brown y el ritmo insistente del riff de guitarra de Mickey Baker y la batería de Connie Kay.

“Trouble in Mind” – Bertha “Chippie” Hill (OKeh, 1926)

La composición grabada a menudo de Richard M. Jones “Trouble in Mind” fue cantada por primera vez en 1924 por Thelma La Vizzo; sin embargo, fue la grabación clásica de Bertha “Chippie” Hill, realizada en Chicago el 23 de febrero de 1926 (OKeh 8312), la que abrió el camino para las muchas versiones que le siguieron. En esta sesión, Hill estuvo acompañado por Jones al piano y Louis Armstrong, de 25 años, que toca la estrofa introductoria con la corneta. Una de los mejores cantantes de blues durante los años 20, Hill canta tres versos de miseria y desesperación, pero el primer verso, repetido nuevamente al final, es uno de los himnos perdurables del blues como esperanza para el futuro incluso en los tiempos más oscuros: ” Trouble in mind, I’m blue, but I won’t be always, the sun gonna shine in my back door some day”.

“Future Blues” – Willie Brown (Paramount, 1930)

Willie Brown puede ser mejor conocido en la historia del blues como un compañero de los íconos de Delta blues Charley Patton, Son House y Robert Johnson. Considerado como un guitarrista de primer nivel, Brown podría haber alcanzado más fama si hubiera tenido más oportunidades de grabar por su cuenta. “Future Blues” es uno de los pocos temas que hizo como cantante. Una melodía ejemplar de Delta blues con algunos versos familiares. Así como Patton reelaboró ​​el blues de Ma Rainey y otros cantantes, también lo hizo Brown; comienza con versos del “Last Minute Blues” de Rainey, compuesto por Thomas A. Dorsey (miembro del Salón de la Fama del Blues de 2018). La canción fue grabada en el estudio de Paramount en Grafton, Wisconsin, en el verano de 1930. Brown viajó allí con Patton y House y los acompañó en algunas otras canciones.

“3 O’Clock Blues” – B.B. King (RPM, 1951)

Después de que ninguno de sus primeros siete discos llegáran a las listas nacionales, B.B. King lo hizo con “3 O’Clock Blues” (RPM 339), que se convirtió en el éxito número uno de R&B en 1952. Fue el primer disco de King en capturar ampliamente su emergente brillantez tanto en el canto como en la guitarra. Anteriormente, King había estado grabando para el sello RPM de los hermanos Bihari en el estudio de Sam Phillips en Memphis; sin embargo, después de que los Biharis se pelearon con Phillips, instalaron su equipo portátil en el YMCA negro en Memphis.

Ayudado por el valioso apoyo de Ike Turner en el piano, King produjo una potente reelaboración de esta triste canción de blues, que también había sido el primer disco exitoso de su compositor, Lowell Fulson, quien lo lanzó en 1948. “3 O’Clock Blues”, marca el tercer año consecutivo que una grabación de B.B. King ingresa al Salón de la Fama: su álbum, Blues Is King fue incluido en 2018 y su canción de 1954, “Everyday I Have the Blues”, fue incluida en 2019.

Fuente: https://blues.org/

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