Mujeres en el Salón de la Fama del Blues – I
Desde 1980, The Blues Foundation ha inducido a personas, grabaciones y literatura al Salón de la Fama del Blues, pero hasta hace poco no había un hogar físico para elogiar su música e historias. La construcción del Museo del Salón de la Fama del Blues ha cumplido uno de los objetivos clave de la Fundación, la creación de un espacio para honrar a los inducidos; escuchar y aprender sobre su música; y para disfrutar recuerdos históricos de esta forma de arte estadounidense. El Blues Hall of Fame abrió el 8 de mayo de 2015.
En este artículo, a manera de tributo, relaciono a las 23 mujeres que ocupan desde 1980, y ocuparán a partir de mayo de 2020, merecidamente un lugar en este espacio de homenaje a las estrellas en la historia del blues.
- 1. Bessie Smith (1980)
Bessie Smith, es considerada por muchos como la mejor vocalista femenina de blues de la historia. Nacida en Chattanooga, Tennessee, el 15 de abril de 1894. Era una protegida de Ma Rainey, se convirtió en el show de blues número 1 de la década de 1920. Su vida y muerte fueron leyendas, frecuentemente conmemoradas en libros y producciones teatrales. Su música ha sido revivida constantemente a lo largo de los años por los principales vocalistas de jazz y blues. Entre sus clásicos más reconocibles se encuentran: ‘Tain’t Nobody’s Business If I Do’, ‘The St. Louis Blues’, ‘Nobody Knows You When You’re Down and Out’, ‘Careless Love Blues’ y ‘Empty Bed Blues’. En total, grabó más de 200 temas desde 1923 hasta 1933, muchos de ellos con su poderoso y dramático canto respaldado solo por piano.
Bessie Smith – Nobody Knows You When You’re Down and Out
- 2. Memphis Minnie (1980)
En las décadas de 1930 y 1940, el canto, la composición de canciones, el comportamiento enérgico y la guitarra de Memphis Minnie la impulsaron a los escalones superiores de un campo de blues dominado por guitarristas y pianistas. Sola o con su primer esposo, Kansas Joe McCoy, o su último cónyuge, Little Son Joe, Minnie dejó un impresionante número de grabaciones que influirían en los artistas de blues y rock para las generaciones venideras. El verdadero nombre de Minnie era Lizzie Douglas. A menudo afirmó que nació el 3 de junio de 1897 en Argel, Luisiana, pero en los registros del censo y en su solicitud de Seguro Social su lugar de nacimiento figuraba en Mississippi. Ella creció en los condados de Tunica y DeSoto, donde comenzó a actuar con el guitarrista Willie Brown y otros. Conocida como “Kid” Douglas en su juventud, se convirtió en Memphis Minnie cuando hizo su primer disco en 1929 con Joe McCoy. “Bumble Bee” fue su gran éxito, y ha sido grabado por muchos otros cantantes de blues, aunque en años posteriores su canción más reconocida se convertiría en “When the Levee Breaks”, después famosa como una grabación de Led Zeppelin. Minnie grabó prolíficamente anotándose éxitos como: “Me and My Chauffeur Blues”, “Please Set a Date”, “In My Girlish Days” y “Nothing in Rambling”. Su talento para el espectáculo y su destreza instrumental le permitieron derrotar a los mejores músicos de blues de Chicago, incluidos Muddy Waters y Big Bill Broonzy, en concursos de blues. Minnie se ganó la reputación de ser una diva que podía manejarse sola y a sus hombres, tanto dentro, como fuera del escenario.
Memphis Minnie – I Got To Make A Change Blues
- 3. Ma Rainey (1983)
Gertrude ‘Ma’ Rainey no solo mereció el título que obtuvo como ‘Madre del Blues’, sino que también afirmó haber llamado a la música: blues. Recordó haberlo oído por primera vez cuando una joven en Missouri cantaba en una carpa en 1902. Las biografías generalmente citan su lugar de nacimiento como Columbus, Georgia (26 de abril de 1886), pero una cita en el censo de 1900 de Uchee, Alabama, le da su lugar de nacimiento como Alabama y la fecha de septiembre de 1882, lo que lleva a especular que su educación fue mucho más rural de lo que se pensaba. Sus grabaciones la presentaron como una cantante más dura y valiente, que la mayoría de las reinas del blues criadas en la ciudad que gobernaron el mundo de ese género en los primeros días, más cerca en cierto modo de los artistas de blues country. Los artículos de la prensa afroestadounidense en la era anterior al blues la anunciaban, de hecho, como una ‘coon shouter’, un término típico de la época. Pero en realidad estaba “pegándole duro” al blues con pasión cuando lanzó su carrera discográfica con Paramount Records en 1923, en grabaciones como el “See See Rider” original, “Bo-Weavil Blues”, “Moonshine Blues” y “Stack O’Lee Blues”. ‘Ma’ era famosa tanto por su espectáculo en el escenario como por su estilo de vida desinhibido. Hizo sus grabaciones finales en 1928, y su carrera se desvaneció en la década de 1930 junto con las de los ‘comediantes’ de blues de la era del teatro de vodevil. Finalmente se despidió de las giras y comenzó a operar sus propios teatros en Columbus.
Ma Rainey – South Bound Blues
- 4. Big Mama Thornton (1984)
Willie Mae ‘Big Mama’ Thornton es, en mi opinión, la mejor cantante femenina de blues de esta y de cualquier otra década”, proclamó el reconocido productor Chris Strachwitz en las notas del álbum de Arhoolie 1965, Big Mama Thornton en Europa. Thornton, una gran artista musculosa que a veces tocaba la batería o la armónica y cantaba con una voz ronca y masculina, era única entre las reinas del blues. Las historias la describieron como intimidante, pero no tenía poder sobre el negocio de la música al que consideraba injusto. Aunque su entusiasmo era conocido por sus amigos, otros solo la vieron convertirse en una mujer enojada y demacrada que bebió y murió de cirrosis hepática. Nacida en Montgomery, Alabama, el 11 de diciembre de 1926, Thornton salió de gira cuando era adolescente y terminó en Houston, donde hizo sus primeras grabaciones con el sello Peacock de Don Robey. Su sencillo de 1953 “Hound Dog” fue su único disco en alcanzar las listas de R&B, pero fue un número 1. Después de que Elvis Presley obtuvo un éxito aún mayor en 1956, Thornton obtuvo pocos beneficios: las regalías fueron para los compositores Jerry Leiber y Mike Stoller, pero no para ella. Su actuación la convirtió en una atracción popular en las revistas de R&B con Johnny Otis y otros, pero la mayor fama la evitó. Su asociación con Arhoolie le trajo una nueva oportunidad, y una de sus grabaciones de 1968, “Ball and Chain”, se convirtió en un clásico del rock para Janis Joplin. Continuó en conciertos y grabando a medida que su salud se deterioraba.
‘Big Mama’ Thornton – Hound Dog
- 5. Billie Holiday (1991)
Aunque Billie Holiday es ampliamente aclamada por su papel revolucionario en la historia del jazz, también está asociada indeleblemente con el blues, no tanto en la estructura musical de su material como en los estados de ánimo y las emociones que podría transmitir con las notables inflexiones de su voz. Y, a pesar de sus objeciones reportadas, su biografía de 1956 se tituló: Lady Sings the Blues (al igual que la película de 1972 basada en su vida). Si bien en general se informó que nació bajo el nombre de Eleanora Fagan en Baltimore el 7 de abril de 1915, su certificado de nacimiento la enumera como Elinore Harris, nacida en Filadelfia. Al final, una figura trágica, Holiday encarnaba las alegrías y las tristezas de sus canciones. “El blues para mí”, dijo Holiday a la revista Time en 1957, “es como estar muy triste, muy enfermo, y después, como ir a la iglesia y ser muy feliz”. Su voz elocuente podría ser dulce y entrañable, sensual y seductora, o desolada y triste. Sus improvisaciones, trabajando en torno a la melodía, introdujeron un enfoque nuevo e influyente al canto, y su relieve ayudó a elevar el papel de las vocalistas en el jazz. La mayoría de las canciones de Holiday eran canciones de amor; ‘Fine and Mellow’ fue quizás su blues más conocido, y dejó una huella duradera con el lado opuesto de ese lanzamiento de 1939, ‘Strange Fruit’, una imagen desgarradora de linchamientos sureños que un compositor de Nueva York le cedió.
Billy Holiday – Fine and Mellow
- 6. Koko Taylor (1997)
La gloriosa blueswoman que conocemos como Koko Taylor, nació con el nombre de Cora Walton, el 28 de septiembre de 1935, en una granja de algodón de aparceros a las afueras de Memphis, Tennessee. Ella cantó en el coro de la iglesia bautista local y, junto con sus tres hermanos y dos hermanas, tocaban música con instrumentos caseros. El instrumento de Koko era su voz.
La joven escuchaba a Rufus Thomas y B.B. King tocar blues en la radio de Memphis, y a las artistas que recuerda como sus influencias más fuertes: a Bessie Smith, Big Mama Thornton, Memphis Minnie, Ma Rainey y Big Maybelle, junto con Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Sonny Boy Williamson. En 1953, Koko llegó a Chicago con Robert ‘Pops’ Taylor. Ella recuerda que ‘cabalgaron a Chicago con 35 centavos y una caja de galletas Ritz’. En casa, en las noches, Pops tocaba la guitarra y cantaban juntos. La pareja fue a clubes para escuchar música casi todos los fines de semana. Finalmente, Koko comenzó a presentarse con los principales artistas de Chicago: Muddy, Wolf, Elmore James y Magic Sam. A través de un contacto, conoció al hombre que sería su primer mentor de negocios musicales, Willie Dixon. Después de un par de esfuerzos fallidos en otros sellos, Dixon comenzó a grabar a Koko en Chess Records. En 1965, encontraron oro con ‘Wang Dang Doodle’, que Dixon había grabado con Howlin’ Wolf cinco años antes. El éxito de grabación de Koko la llevó a tener un trabajo regular en Chicago, además de viajes a locales nocturnos en el sur. “Mi carrera no comenzó hasta que llegué con Alligator”, dijo a la revista Living Blues. “Solo hay una Reina del Blues”, decía Iglauer. Una vez que los álbumes comenzaron a fluir, los premios comenzaron a llegar.
Koko Taylor – Let The Good Times Roll
- 7. Etta James (2001)
A la edad de cinco años, Etta James estaba cantando góspel en el coro de su iglesia y, cuando era adolescente, se sintió atraída por los sonidos del R&B. Su primer éxito fue ‘The Wallflower’ para Modern Records en 1955. Una canción de respuesta a ‘Work With Me Annie’ de Hank Ballard, James escribió la canción con el líder de la banda y miembro del Salón de la Fama, Johnny Otis. Ella continuó grabando éxitos para los sellos Modern, Argo y Cadet a lo largo de la década de 1960. Desde ‘At Last’ y ‘All I Could Do Was Cry’ hasta ‘Something’s Got A Hold On Me’ y ‘I’d Rather Go Blind’, Etta transformó sus canciones en clásicos atemporales. Su batalla con las drogas se convirtió en un punto focal durante la adolescencia de su carrera, pero como testimonio del talento y la fortaleza personal de Etta, volvió a grabar y actuar en 1973. James es anunciada como una proveedora de buena música, ya que ha abrazado canciones de diferentes estilos y los moldeó al suyo. Un viaje a través de la música de s carrera, la declara, como una gran promotora de música y emoción.
Etta James – I Just Want To Make Love To You
- 8. Ruth Brown (2002)
El viejo Yankee Stadium en Nueva York se llamaba “La casa que construyó Ruth” en homenaje a los logros de Babe Ruth. Otra institución de Nueva York, Atlantic Records, más tarde compartió el apodo gracias a su propia gran bateadora, Ruth Brown. Criada en un hogar religioso donde el blues estaba prohibido, en Portsmouth, Virginia. Nació el 12 de enero (o 30, según algunos informes) de 1928, Brown era una cantante de baladas cuando comenzó a hacerlo profesionalmente. Atlantic reconoció su potencial como una atrevida artista de blues y R&B, y Brown se convirtió en la mujer afroestadounidense más popular de la era del rock ‘n’ roll en la década de 1950. Tuvo cinco éxitos número 1 en R&B para Atlantic, incluyendo “(Mama) He Treats Your Daughter”. Ruth dejó el negocio de la música para criar una familia y a veces tuvo que recurrir a trabajos de baja categoría para sobrevivir. A pesar de sus cifras de ventas, dijo que la contabilidad de los costos de producción de Atlantic la dejó endeudada con la compañía, y su lucha por las regalías finalmente la llevó a establecer la Fundación Rhythm & Blues en 1988 para ayudar a otras estrellas de R&B que estaban en la misma situación. Atlantic Records no solo le pagó a su constructor de viviendas, sino que también contribuyó con fondos para comenzar la fundación.
Brown, que había comenzado a trabajar como actriz, regresó como cantante y se convirtió en una reconocida intérprete y portavoz de la música afroestadunidense en sus últimos años.
Ruth Brown – Mama, He Treats Your Daughter
- 9. Dinah Washington (2003)
Dinah Washington disfrutó de gran renombre en sus últimos años, por su balada y su estilo de jazz, así como por sus pegadizos duetos de pop/R&B con Brook Benton, pero en sus buenos días, fue aclamada como la reina indiscutible del blues. Cuarenta y cinco de sus canciones (incluidos los dos lados de varios sencillos), para Mercury Records llegaron a las listas de Billboard entre 1948 y 1961. Nacida con el nombre de Ruth Lee Jones el 29 de agosto de 1924, se mudó de su natal Tuscaloosa, Alabama, a Chicago siendo niña, y creció cantando góspel y tocando el piano en la iglesia, pero en su adolescencia también cantó blues en teatros y clubes. El dueño de un club le dio el nombre de Dinah Washington en 1942, y al año siguiente su creciente reputación le consiguió un trabajo como vocalista en la banda de Lionel Hampton. Su primera grabación, “Evil Gal Blues”, realizada con la banda de Hampton, fue un éxito Top Ten en 1944. Durante su permanencia en Mercury, disfrutó de cinco éxitos número 1 de R&B. fue famosa tanto por su presencia en el escenario y su volátil vida amorosa como por su sofisticación vocal.
Dinah Washington – Send Me to the Electric Chair
- 10. Sippie Wallace (2003)
Sippie Wallace, una de las pocas reinas del blues de la era del vodevil de antes de la guerra que disfrutó de una nueva ronda de tributos en los años sesenta, setenta y ochenta, comenzó su carrera discográfica en 1923. Nacida como ‘Texas Nightingale’, Wallace con el nombre de Beulah Thomas en Plum Bayou, Arkansas, el 1 de noviembre de 1898. Se crió desde la infancia en Houston. Ella cantaba en espectáculos de carpas y actuaba con sus hermanos, los pianistas George y Hersal Thomas, antes de mudarse a Chicago y luego a Detroit en la década de 1920. Se convirtió en un acto popular para OKeh Records y realizó giras durante varios años, pero finalmente abandonó el escenario y comenzó a tocar órgano en su iglesia de Detroit. Después de grabar solo esporádicamente en las décadas intermedias, regresó en 1966 alentada por Victoria Spivey y grabó sus álbumes más aclamados por la crítica en Europa para el sello Storyville. Posteriormente, Bonnie Raitt impulsó su carrera, lo que le brindó oportunidades de interpretación y grabación más prestigiosas como sus canciones. ‘Women Be Wise’ y ‘I’m a Mighty Tight Woman’, entre otras que obtuvieron una renovada popularidad.
Sippie Wallace – Women Be Wise
- 11. Sister Rosetta Tharpe (2007)
Sister Rosetta Tharpe fue una de las celebridades afroestadounidenses más destacadas de la década de 1940 y principios de 1950, una intérprete estimulante con un impresionante estilo para tocar la guitarra. Ella cantó música góspel durante la mayor parte de su carrera, pero la fusionó con el jazz, blues y rhythm & blues. Su grabación de 1945 ‘Strange Things Happening Every Day’ incluso se le ha llamado, un ejemplo temprano de rock ‘n’ roll.
Realizó giras o grabó con Louis Jordan, Count Basie, Lucky Millinder y Sammy Price entre otros, y colaboró con Marie Knight para formar uno de los principales actos de góspel de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Algunos miembros de la comunidad religiosa le encontraron similitudes en la música secular con indignación. Tharpe nació en Cotton Plant, Arkansas, el 20 de marzo de 1915. Entre quienes la citaron como influencia estuvieron: Elvis Presley, Johnny Cash, Etta James, Little Richard e Isaac Hayes.
Sister Rosetta Tharpe – Didn’t It Rain
- 12. Irma Thomas (2009)
Irma Thomas ha reinado como ‘The Soul Queen of New Orleans’ desde la década de 1960 y sigue siendo no solo una de las favoritas de la ciudad, sino también una leyenda internacional en los anales del rhythm & blues. Nacida como Irma Lee en Ponchatoula, Louisiana, el 18 de febrero de 1941, siempre le encantó cantar en casa, en la iglesia, en la escuela, en espectáculos de talentos y finalmente en los clubes nocturnos y estudios de grabación de Nueva Orleans. Incluso perdió trabajos al cantar en clubes cuando le pagaban a la camarera, pero eso la llevó a uno de sus primeros descansos profesionales, cuando el líder de la banda en el Pimlico Club, Tommy Ridgley, la contrató y la llevó de gira. Era una joven madre de cuatro hijos cuando su primer disco, ‘Don’t Mess With My Man’, llegó a las listas de éxitos en 1960. Su mayor éxito fue el sencillo, ‘Wish Someone Would Care’ en 1964, pero la canción más conocida que grabó fue ‘Time Is On My Side’, que se convirtió más tarde en un clásico del rock ‘n’ roll para los Rolling Stones. Siguió con una serie de discos menos exitosos, junto con un período de semi-retiro de la música cuando se mudó a California después de que el huracán Camille devastara la costa del golfo en 1969. Irma ha estado presente en la escena de Nueva Orleans desde que regresó a casa en la década de 1970, y comenzó a ganar una gran reputación nuevamente después de grabar el primero de una larga serie de álbumes para Rounder en 1985. Ella y su esposo dirigieron un club, el Lions Den en Gravier Street, hasta que otro huracán Katrina inundó las instalaciones y la alejó de Crescent City nuevamente, pero esta vez solo hasta Gonzales, Louisiana. Thomas ha sido una nominada perenne y ganadora frecuente en los Blues Music Awards.
B.B. King e Irma Thomas – You Can Have My Husband
