Mujeres en el Salón de la Fama del Blues – II
En esta segunda parte de: Mujeres en el Salón de la Fama del Blues, tenemos a once más que complementan la lista de veintitrés, y que ocupan, como decíamos, un lugar muy especial entre las personalidades de la historia del blues.
- 13. Bonnie Raitt (2010)
Si bien la mayoría de las canciones de Bonnie Raitt pueden caer fuera del ámbito del blues, no hay duda de su compromiso y amor por la música y los propios músicos de blues. Fuertemente influenciada, y algunas veces guiada por veteranos del blues cuando comenzó, Raitt no solo cantó con alma, sino que tocó la guitarra slide al estilo de Mississippi Fred McDowell. McDowell fue uno de los muchos artistas cuya causa defendió a lo largo de los años; otros incluyeron a Sippie Wallace, Charles Brown y Ruth Brown. Después de que comenzó a hacer giras por la fuerza de sus primeros álbumes en la década de 1970, a menudo insistió en que los artistas de blues fueran seleccionados como sus abridores, y su manager, miembro del Blues Hall of Fame, Dick Waterman, también representó a muchos de los mejores artistas tradicionales del blues de Chicago de la época. El mayor nivel de éxito comercial de Raitt se produjo en 1989 con el álbum, Nick of Time, y en la década de 1990 con, Luck of the Draw y Longing in They Hearts. Entre sus premios Grammy se encuentra uno por Mejor grabación de blues tradicional compartido con John Lee Hooker en 1989 por su colaboración en ‘I’m in the Mood’. Raitt también tocó o cantó en álbumes de blues de B.B. King, A.C. Reed, Sippie Wallace, Buddy Guy, Junior Wells, Ruth Brown, Charles Brown, Keb ‘Mo’ y Joe Louis Walker. Sus contribuciones al blues también incluyen ayudar a artistas en la recuperación de regalías como cofundadora de la Fundación Rhythm & Blues, ayuda a financiar lápidas y monumentos conmemorativos, y en silencio, a veces de forma anónima, donando dinero a cantantes de blues necesitados. El ejemplo de Bonnie Raitt es uno que debería inspirar a muchos otros artistas influenciados por el blues del mundo del rock y la música pop.
Bonnie Raitt – Need You Tonight
- 14. Big Maybelle (2011)
Big Maybelle, una de las vocalistas de blues más poderosas y expresivas de la década de 1950, llevó una vida que, como dice una etiqueta en uno de sus álbumes, “Una parte de triunfo, dos partes de tragedia”. En sus triunfos, su estrella brilló intensamente como una exitosa artista discográfica y protagonista en el circuito de R&B. En sus tragedias, la adicción a la heroína, los problemas de salud y los problemas personales oscurecieron su horizonte. Nacida con el nombre de Mabel Louise Smith en Jackson, Tennessee, el 1 de mayo de 1924, ganó un concurso de canto en el Cotton Carnival de Memphis y comenzó a actuar en la década de 1930 con una banda dirigida por Dave Clark, que luego ganaría fama como promotora discográfica. Hizo su primer disco como vocalista con Christine Chatman y su orquesta en 1944 y tuvo éxitos en el Top Ten de R&B con el sello OKeh en 1953 (“Gabbin ‘Blues”, “My Country Man” y “Way Back Home”), además para grabar la primera versión de “Whole Lot of Shakin ‘Goin’ On”. “Candy”, “Don’t Pass Me By” y su versión de “96 Tears” llegaron a las listas de éxitos en los años posteriores mientras grababa para una sucesión de diferentes sellos. Apareció en el Teatro Apollo y en muchos otros lugares importantes, así como en una película del Festival de Jazz de Newport de 1958, pero su reputación y salud se vieron afectadas por su hábito a las drogas, que a menudo la dejó sin dinero y convirtió sus compromisos en nada. Aún así, en su apogeo, los informes indican que podría hacer llorar al público con su tristeza real o dejarlos reír con sus rutinas cómicas.
Big Maybelle – I Ain’t Mad at You
- 15. Denise LaSalle (2011)
Denise LaSalle, fue considerada como la Reina del Blues en el circuito del Soul del Sur durante años, famosa por sus éxitos, así como por su acto teatral atrevido y obsceno. LaSalle, nacida como Ora Denise Allen en una plantación de Sidón, Mississippi, el 16 de julio de 1939, pasó parte de su infancia en Belzoni, una ciudad que estuvo llevándola a casa para festivales y tributos. Ella mostró su talento para escribir cuando era adolescente. Al principio como cantante de góspel, Allen eligió a LaSalle como su nombre artístico cuando comenzó a cantar rhythm & blues en Chicago. El cantante de blues Billy “The Kid” Emerson grabó su disco debut para su sello Tarpon en 1967, y LaSalle tuvo un sencillo de R&B número 1 con “Trapped By A Thing Called Love” en Westbound en 1971. Más éxitos siguieron, al igual que el desarrollo de su lenguaje picante en el escenario. LaSalle se mudó a Jackson, Tennessee, en 1977, y en la década de 1980 comenzó una larga relación con Malaco Records de Jackson, Mississippi, al principio escribiendo canciones como Z.Z. El favorito de Hill “Someone Else is Steppin ‘In”. Con sus propias grabaciones de Malaco, llegó a ser comercializada como cantante de blues por primera vez, y rápidamente se estableció como una figura importante en el circuito. En 1986 fundó la Asociación Nacional para la Preservación del Blues para reconocer a los artistas que actúan en el estilo sureño de soul / blues, un género a menudo ignorado por los medios tradicionales de blues. En sus últimos años, LaSalle grabó góspel y blues – soul.
Denise Lasalle – Don’t Mess With My Man
- 16. Alberta Hunter (2011)
Alberta Hunter fue una diva líder durante la primera ola de grabación de blues clásico a principios de la década de 1920 y sorprendió al mundo con un notable regreso en 1977, cuando tenía 82 años. Nacida en Memphis el 1 de abril de 1895, Hunter viajó a Chicago con su maestra cuando tenía once años y decidió no volver a casa. Pronto encontró trabajo cantando en una casa a la que llamaba Dago Frank’s y finalmente se convirtió en una atracción habitual en el Dreamland Café antes de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1923. Comenzó una extensa carrera discográfica en 1921, y en 1922 hizo un cover que se convirtió en una de sus más destacadas canciones, “Down Hearted Blues”, más tarde esta pieza fue un éxito para Bessie Smith. Hunter pasó la mayor parte de su carrera en Nueva York e hizo el primero de varios viajes transatlánticos en 1927 para actuar en Europa, donde se convirtió en una popular cantante de cabaret. Llegó a casa para trabajar con espectáculos de la USO en las décadas de 1940 y 1950, pero en 1957 su curso profesional cambió cuando su madre se enfermó y Hunter se convirtió en su enfermera de cabecera. Aunque hizo dos sesiones de grabación en 1961, puso su carrera de cantante en espera hasta que se retiró de la enfermería. Su regreso a la actuación, en el Café Society y luego en el Cookery en Nueva York, trajo una gloria renovada a una de las grandes damas del blues, y grabó cuatro álbumes para Columbia, así como un álbum en vivo en el Cookery durante sus últimos años.
Alberta Hunter – Georgia On My Mind
- 17. Ella Johnson (2012)
Ella y Buddy Johnson formaron uno de los equipos de hermanos y hermanas más exitosos en la historia del R&B y la música de big band. Aunque su música no es familiar para muchos fanáticos del blues y el R&B en la actualidad, fueron una de las principales atracciones nacionales durante las décadas de 1940 y 1950, cuando la orquesta de Buddy Johnson era una de las bandas de gira más incansable en el circuito. Los Johnsons, mejor recordados por la balada “Since I Fell For You”, obtuvieron varios éxitos en los sellos Decca y Mercury, incluidos algunos que reaparecieron en las grabaciones de bluesmen de Chicago, como “I’m Just Your Fool” (versionada por Little Walter) y “That the the Stuff You Gotta Watch” (grabada por Muddy Waters). El pianista Woodrow Wilson “Buddy” Johnson también compuso la mayoría de sus canciones, y fue uno de los pocos líderes de banda que mantuvo a una gran banda trabajando en la década de 1950, cuando la mayoría de esas orquestas tuvieron que disolverse o reducir su tamaño. La banda de Johnson incluso prosperó como un acto de rock ‘n’ roll, apareciendo en muchos proyectos como con Bill Haley & the Comets, Chuck Berry, LaVern Baker y otros. La voz de Ella siempre fue una característica popular, y varios cantantes masculinos, especialmente Arthur Prysock, también trabajaron con el grupo. Los Johnson nacieron en Darlington, Carolina del Sur (Buddy el 10 de enero de 1915 y Ella el 22 de junio de 1917). Buddy se mudó a la ciudad de Nueva York en la década de 1930 y Ella se le unió en 1940. Buddy afirmó que prefería tocar los clásicos, pero cuando comenzó a viajar y grabar, se dio cuenta de que el material a base de blues era su pan de cada día, especialmente en el sur.
Ella y Buddy Johnson – I’m Just Your Fool
- 18. Mavis Staples (2017)
Mavis Staples, una de las principales cantantes de música gospel y soul de Estados Unidos, ha expandido su dominio musical con sus actuaciones en entornos más basados en el blues en los últimos años.
El blues no es nada nuevo para la familia Staples, ya que el padre de Mavis y fundador de los Staple Singers, Roebuck “Pop” Staples, era un devoto del maestro de blues del Delta, Charley Patton en Mississippi. Mavis, nacida en Chicago en 1939, sigue en su misión de toda la vida de inspirar y elevar a sus oyentes sin importar el género musical que emplee.
Mavis Staples – If All I Was Was Black
- 19. Mamie Smith (2018)
Mamie Smith, la primera verdadera reina del blues, creó una sensación con el fenomenal éxito de su grabación de 1920, “Crazy Blues” y sus extravagantes espectáculos escénicos. No solo ayudó a ser pionera en una nueva tendencia que condujo a la creación de lo que se llamó el mercado de “música racial” para los compradores afroamericanos, sino que también revaloró el blues, que no se consideraba una mercancía valiosa en ciertos círculos musicales. Su seguimiento cruzó las líneas raciales, y abrió nuevos caminos al llevar el blues a territorios desconocidos, un crítico en Anaconda, Montana, en 1923, por ejemplo, dijo: “Nunca se había visto ni oído nada por el estilo… Mamie Smith es un derroche de color vertiginoso, pies centelleantes y melodías de jazz”. La formación de Smith en el teatro y el vodevil la preparó para emerger en el circuito de blues con un número formidable para que otras divas desafiaran. Su blues tenía brillo, su vestuario era lujoso, y sus compañías de bailarines, cantantes y comediantes trajeron notas de prensa como “la atracción de color más limpia y saludable que ahora está de gira” y “baile de clase alta y comedia limpia”. Su extravagancia se trasladó a un lujoso estilo de vida que le permitía la repentina riqueza que acumulaba. Compró tres casas en Nueva York, completas con elegantes accesorios, sirvientes y, según un visitante, “alfombras en el piso tan gruesas como colchones”. Smith continuó grabando hasta 1931 para OKeh y otros sellos, logrando éxitos como “Dangerous Blues”, “Lonesome Mama”, una reedición de su primer lanzamiento, “You Cant Keep a Good Man Down” y otros. Su popularidad como artista discográfica pronto fue eclipsada por otras mujeres como Ma Rainey y Bessie Smith, pero siguió siendo una gran atracción en el circuito de la Asociación de Propietarios de Teatro (TOBA).
Mamie Smith – Harlem Blues
- 20. Ida Cox (2019)
Ida Cox fue promocionada como la “Reina del Blues sin corona” desde el comienzo de su carrera discográfica con el sello Paramount en 1923, y en poco tiempo la corona fue otorgada en sus anuncios y avisos de prensa. Aunque los historiadores a menudo han calificado a Ma Rainey y Bessie Smith como las principales estrellas del blues de la clásica era del blues del vodevil, la popular y prolífica Ida Cox fue su rival, y la influencia de sus canciones rara vez se ha dado a conocer. Sus discos estaban llenos de títulos y versos que resurgieron en el trabajo de legendarios músicos de blues, por ejemplo, “How Long, Daddy, How Long” (Leroy Carr), “Death Letter Blues” (Son House), “Mojo Hand” (Lightnin’ Hopkins) y “I Am So Glad” (Skip James). Considerada como una artista de clase alta, Cox era una profesional sólida e inteligente que cantaba el blues con claridad, convicción y equilibrio y vestía los mejores atuendos. Como compositora destacada, se ocupó de una variedad de temas, a menudo volviendo a temas favoritos como la muerte, cementerios, amantes rebeldes, desamor, traición y hacer valer sus derechos. Su “Wild Women Don’t Have the Blues” se ha convertido en un himno feminista, pero según todos los informes, el estilo de vida salaz de la canción en realidad no refleja su propia vida.
En la ciudad que citaba como su favorita, Chicago, fue vista por J. Mayo Williams de Paramount y grabada para el sello durante seis años, acompañada en muchos discos por una de las primeras mujeres en tocar piano en sesiones de blues, Lovie Austin. Jesse Crump también tocó el piano, escribió canciones y estuvo de gira con ella, y los dos se casaron en 1927. Bajo los auspicios de John Hammond, ella apareció en el histórico concierto Spirituals to Swing de 1939 en el Carnegie Hall y grabó para las filiales Columbia’s Vocalion y OKeh en 1939 y 1940 con alineaciones de artistas estelares, incluido el guitarrista Charlie Christian.
Ida Cox – Four Day Creep
- 21. Aretha Franklin (2019)
Aretha Franklin fue aclamada durante décadas como la Reina del Soul, pero en su época muchos también la vieron como la Reina del Blues. Para muchos más, su fervor por el góspel, su intimidad sorprendente, su rango vocal y su impecable sincronización y control, la convirtieron en la mejor cantante de todos los tiempos, independientemente del género. Franklin grabó en sus primeros discos como una cantante de góspel para el sello J-V-B en Detroit en 1956, siguiendo el camino de su padre, el famoso predicador reverendo C.L. Franklin. Comenzó su carrera secular cantando “Today I Sing the Blues” en su sesión de debut para Columbia Records, en 1960. Sonaba tan natural y magistral cantando el blues como el soul y el pop, y de hecho, algunos de sus éxitos eran en esencia blues, incluso si no se los percibía comúnmente. En 1998, Rhino Records tomó el ejemplo y compiló un álbum de sus primeras grabaciones titulado Aretha’s Blues: The Delta Meets Detroit. Aretha no era del Delta del Mississippi, pero su padre sí. Trasladó a la familia a Memphis, donde nació el 25 de marzo de 1942, luego a Buffalo y finalmente a Detroit, donde saltó a la fama con sermones en la Iglesia Bautista New Bethel que fueron grabados y lanzados en J-V-B y en Chess. La religión del reverendo Franklin no le impidió abrazar otros tipos de música, y Aretha y sus hermanas cantantes Carolyn y Erma conocieron a muchos artistas de R&B y jazz en su casa o en eventos con su padre. Fue el reverendo Franklin quien guió a Aretha para firmar con John Hammond en Columbia. Entre sus álbumes de Columbia estaba Unforgettable: A Tribute to Dinah Washington, grabado después de la muerte de la cantante que alguna vez tuvo el título de Reina del Blues.
Aretha Franklin – Jumpin’ Jack Flash
- 22. Bettye Lavette (2020)
El viaje musical de Bettye LaVette ha tenido muchos altibajos. Betty Jo Haskins, nacida en Michigan usó el nombre Betty LaVett (que luego evolucionó a Bettye LaVette), cuando grabó su primer sencillo “My Man – It’s a Lovin’ Man” cuando era adolescente para Atlantic Records en 1962. Mientras esa canción era un éxito, sus sencillos posteriores no alcanzaron esas alturas en las listas, aunque su canción de 1965 “Let Me Down Easy” es considerada como un clásico del soul. Trabajos en Atlantic/Atco, Epic y Motown no funcionaron, y su mayor éxito fue actuar en el musical de Broadway Bubbling Brown Sugar durante varios años. La popularidad europea de LaVette (donde finalmente se lanzó su álbum) atrajo la atención de los Estados Unidos. Su álbum de “regreso”, A Woman Like Me, le otorgó un Premio de la Blues Fundation en 2004, y posteriormente ganó el premio a la mejor artista femenina en las categorías de blues contemporáneo y soul blues. Sus álbumes únicos que combinan géneros para ANTI, Cherry Red y Verve obtuvieron nominaciones al Grammy en los campos de R&B, americana y blues.
El aumento de la importancia de LaVette la llevó a presentarse en el Kennedy Center, Radio City Music Hall y en la Celebración de la Inicio de Gestión del presidente Obama en 2009. Su autobiografía altamente elogiada, A Woman Like Me, relata desgarradamente sus años de luchas, catástrofes y esperanzas frustradas.
Bettye LaVette – Things Have Changed
- 23. Victoria Spivey (2020)
Victoria Spivey, creció en un ambiente musical rico, su padre y sus hermanos tenían una banda de cuerdas y dos de sus hermanas se convirtieron en artistas de grabación de blues. A los 20 años, dejó su hogar en Houston, Texas, para ir a St. Louis a seguir una carrera como cantante, como lo había hecho su amiga, la popular cantante (y miembro del Salón de la Fama del Blues), Sippie Wallace. El primer sencillo de Spivey, en 1926, el atrevido “Blues Is My Business”, fue un gran éxito, al igual que su grabación de 1927 de “T.B. Blues”, que personificaba su marcado estilo de blues. Su lema fue “Blues Is My Business”, y lo demostró durante toda su vida, desde demandar a su editor por regalías en 1928, hasta comenzar Spivey Records a principios de la década de 1960. Su variada carrera también encontró a “Queen Vee” como exitosa compositora, líder de banda, gerente, organista de la iglesia, vocalista de jazz y comediante, y protagonizó la histórica película totalmente negra de 1929, ¡Aleluya! También sirvió de inspiración para un joven Bob Dylan, que tocó en una sesión de grabación de Spivey, en 1962 y luego incluyó una foto de sí mismo con ella en la contraportada de su álbum, New Morning.
Victoria Spivey – Black Snake Blues
