Al ritmo del Rhythm & Blues y el Rock
Entrevista con los bateristas de rock británicos: Simon Kirke, Roger Earl y Jim McCarty, que mantuvieron el ritmo de tres de los proyectos rockeros de blues más populares. (Traducción del artículo por Fonzeca)
Simon Kirke (Free, Bad Company)
Simon Kirke es un baterista de rock británico más conocido como miembro de Free y de Bad Company, el cual ha sido el único miembro continuo desde los inicios de esta última banda. Mezclando blues con hard rock, el grupo demostraría ser bastante influyente, especialmente por la fuerza del clásico de Free de 1970, ‘Fire and Water’.
En su álbum debut, de 1974, Bad Company se convertiría en uno de los clásicos del rock de todos los tiempos. Simon ha aparecido en una larga lista de grabaciones de otros artistas, incluidos álbumes de Wilson Pickett, Faces, Jim Capaldi y Ron Wood, entre muchos otros. Con frecuencia se le encontró tocando la batería en giras con artistas como: Chuck Berry, Ray Charles, Bo Diddley, Jerry Lee Lewis, Eric Clapton, Keith Richards y Ringo Starr y su All-Star Band.
Mike. ¿Cómo ha influido la contracultura del Rock & Roll en tu visión del mundo y en los viajes que has realizado?
Simon. El rock and roll (y la música en general), han sido una valiosa herramienta de comunicación en todo el mundo durante muchos años. Han unido razas y religiones… cuando John Lennon dijo que los Beatles “eran más populares que Jesús, ahora mismo“, supe lo que quería decir. ¡Sin embargo, fue una mala elección de palabras! La música ha sido una fuerza unificadora durante muchos años, es el único idioma internacional verdadero.
Mike. ¿Qué caracteriza tu filosofía musical? ¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste?
Simon. Toco desde el corazón… ni siquiera tengo que estar perfectamente afinado… mira a cantantes como Tom Waits o Bob Dylan. Sus voces no son muy buenas, pero comunican muy bien sus canciones… y son sinceros… “¡La verdad los hará libres!” ¡Incluso si a veces duele! Me escucho a mí mismo tocando la batería desde hace 50 años y he estado muy ocupado… todavía no he perfeccionado mi estilo… estuve probando demasiadas cosas a la vez… todas mis influencias todavía están al frente… mi verdadero yo aún tiene que emerger.
Mike. ¿Qué reuniones han sido las experiencias más importantes para ti? ¿Cuál fue el mejor consejo que te dieron?
Simon. Levon Helm, el gran baterista de The Band, una vez me dijo que lo mantuviera simple… mi batería está destinada a brindar apoyo y no ha destacar como un cantante o guitarrista. Y Alicia Keys dijo una gran cosa recientemente: “cuanto más agregas a una canción o pieza musical, más pequeña se vuelve…”
Mike. ¿Cuáles fueron las razones que hicieron que el Reino Unido en los años 60 fuera el centro de investigaciones y experimentos de Blues/Folk/Rock?
Simon. Allá por los años 60 hubo un extraño cruce musical entre el Reino Unido y Estados Unidos. Artistas de blues como B.B. King, Albert King, John Lee Hooker, Sonny Terry y Brownie McGhee, Howlin’ Wolf, etc., no tenían la popularidad que deberían haber tenido en su país de origen. Entonces, vinieron a Inglaterra y Europa donde fueron abrazados. Similar a cómo los músicos de jazz negros en los años 50 y 40 fueron acogidos y encontraron un hogar, particularmente en Francia. Y, por supuesto, hubo la invasión británica en los años 60.
Esto llevó a los inicios de The Rolling Stones, Led Zeppelin en el 67, Cream, y un poco más tarde mi banda, Free, Savoy Brown, Fleetwood Mac con Peter Green. Luego llegó la invasión británica a los Estados Unidos, liderada por los Beatles, Rolling Stones, Dave Clark Five, Gerry and the Pacemakers, etc. Durante años, los estadounidenses pensaron que algunas de estas bandas eran en realidad de su país, pero eran sólo estas influencias emergiendo. Cuando era pequeño, amaba todas las cosas estadounidenses y no solo era yo en este país.
Mike. ¿Qué es lo que más extrañas hoy de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Simon. De hecho, creo que el estado de la música actual es muy bueno, el internet ha proporcionado una plataforma donde la gente puede escribir y presentar canciones y ser escuchada o vista en todo el mundo. Pero es un arma de dos filos, ya que permite que cientos de miles de personas hagan lo mismo y puedes tener una sobrecarga de artistas. Creo que las computadoras han disminuido la calidad de la composición hasta cierto punto.
Es tan fácil ahora escribir un verso, el coro, algunas letras y grabarlas en cinco minutos y en 20 minutos presentarlas al mundo, creo que le quita la calidad a la composición. Cuando estaba empezando, solo tenía una grabadora de casete y un lápiz y papel, y no grababa nada hasta que estaba seguro de que había sido bien escrito y ensayado. Eso no parece ser el caso hoy en día, pero en general, creo que es una situación saludable en este momento.
Mike. ¿Por qué crees que la música de Free y de Bad Company, sigue generando seguidores tan devotos?
Simon. ¡Creo que Bad Company y Free siguen siendo populares hoy porque escribimos muy buenas canciones y éramos bastante buenos con nuestros instrumentos! Paul Rodgers sigue siendo uno de los mejores cantantes de todos los tiempos y nuestra instrumentación e instrumentistas eran realmente muy buenos, nos enfocamos en canciones sobre cosas cotidianas, particularmente sobre el amor; encontrarlo y perderlo… oh sí… ¡ensayamos mucho las canciones también!
Mike. ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tus experiencias en la vida y la música?
Simon. Ser honesto, no consumir drogas. Sé por mi propia experiencia que es un callejón sin salida. Practicar con diligencia. Ser músico, ser un buen ser humano requiere trabajo y dedicación. Estas son cosas que desearía haber sabido cuando era más joven, pero me tomó un largo camino finalmente llegar allí, ¡estoy muy contento ahora mismo!
Mike. ¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que afecte a la gente?
Simon. La música tiene que unificar. Tiene que unir a la gente. Puede ser un vehículo de comunicación. Para la celebración, la revolución, la conmiseración, la esperanza, para transmitir desesperación… tristeza, felicidad… Todas las emociones humanas que experimentamos a lo largo de nuestra vida. Siempre ha unido a la gente y creo que ese es el principal impacto que debería tener.
Roger Earl (Savoy Brown, Foghat, Humble Pie) [Fotos por Chuck Lanza]
Roger Earl comenzó a tocar la batería a la edad de 12 años, tomó lecciones durante dos años y tocó con bandas locales en Londres mientras trabajaba como artista comercial. Tuvo cierto éxito antes de hacer una audición y unirse a la banda británica de blues, Savoy Brown a los 20 años. Grabó 5 álbumes con ellos entre 1967 y 1970, y realizó extensas giras por los Estados Unidos durante ese período. En 1970, Roger y Lonesome Dave Peverett decidieron dejar Savoy Brown para formar: Foghat. Contrataron al ex bajista de Savoy, Tony Stevens y al guitarrista de Slide, Rod Price y el resto ha sido parte de la historia del rock & roll.
Mike. ¿Por qué crees que la música de Foghat sigue generando un público tan devoto?
Roger. No lo sé. He estado tocando la batería durante más de 60 años. Todos son grandes músicos en la banda y me encanta tocar con ellos. Voy a rodar hasta que sea viejo y rockear hasta que me caiga muerto. La gente me ha preguntado: “¿Cuándo te vas a jubilar?” y les he dicho: “Nunca”. Me encanta tocar. Por el momento, tenemos unas dos semanas libres, estoy trabajando en mi casa y en mi barco, limpiando cosas hasta que vuelva a la actividad de las giras.
Mike. ¿Hay algún recuerdo del álbum debut de Foghat con la producción de Dave Edmunds que te gustaría compartir con nosotros?
Roger. ¡Dave Edmunds es un pinche genio! Creo que nuestro primer álbum no habría sido tan bueno como lo fue, si no hubiéramos estado trabajando con Dave. Realmente reconozco a Dave Edmunds por su trabajo en nuestro primer álbum. Empezamos a grabarlo nosotros solos como productores. Ambos trabajábamos en el mismo estudio en Rockfield en Gales. Dave Edmunds estaba trabajando en su propio álbum. Él tenía el turno de noche desde la medianoche hasta el mediodía del día siguiente, y luego entrábamos nosotros al estudio. Estábamos batallando para conseguir que las canciones y el sonido estuvieran bien y le preguntamos a Dave si podía echarnos una mano. Dijo: “No hay problema“. Terminó su álbum en aproximadamente 3-4 semanas y luego comenzó a trabajar con nosotros. Sí, me encantó trabajar con Dave. Como dije antes, es un pinche genio.
Mike. ¿Qué te ha hecho reír y emocionar de los grandes: John Lee Hooker y Muddy Waters?
Roger. Crecí en Londres y todo el mundo escuchaba a John Lee Hooker y a Muddy Waters. De hecho, cuando grabamos ese concierto era el cumpleaños 60 de mi padre, él vino de Londres y se quedó conmigo. Entonces mi padre y mi madre me vieron con Muddy y John Lee Hooker. Porque cuando era joven, tocaba discos de Muddy Waters, Chuck Berry y John Lee Hooker. Entonces mi madre y mi padre pudieron ver a su hijo menor tocando esta música con sus ídolos. Sí, fue emocionante. Vi a Muddy varias veces y a John Lee Hooker varias veces. Creo que sin esas dos personas y sin Chuck Berry, no habría rock ‘n’ roll. Sí, fue fantástico tocar con mis héroes musicales. Fueron absolutamente fantásticos. Muddy era un hombre realmente bueno.
Mike. ¿Qué te emociona de tu vida en Estados Unidos?
Roger. Me encanta. Esta es mi casa. Esta es la casa de mi hija. Me siento mucho más estadounidense que inglés porque crecí en Londres escuchando música estadounidense. Esto es todo lo que quería hacer. Tuve la oportunidad de tocar con mis héroes musicales. Estados Unidos era el lugar para hacer esto. Es un lugar maravilloso y es una oportunidad increíble estar aquí con gente tan generosa. Puedo contarles varias historias cuando vine aquí por primera vez. Sí, este es mi hogar y amo esta tierra.
Mike. ¿Cuáles fueron las razones por las que fundaste ‘Foghat Cellars’?
Roger. El vino siempre ha sido mi bebida preferida. Todas las uvas (de Foghat Cellars) provienen de la Costa Central de California: Monterey, Santa Bárbara, alrededor de esa área. Salgo y ayudo a recoger las uvas. Nuestro enólogo, es de esa zona. Voy allí durante la cosecha, a finales de agosto. El año pasado no fui porque trabajaba. Intentaré ir este año. El nombre de nuestro enólogo es Steve Rasmussen. Ha estado en la industria del vino durante unos 30 años. También tiene su propia empresa embotelladora. Sí, estoy muy orgulloso de ellos y el vino es fantástico.
Mike. ¿Quién es tu mayor influencia en la batería?
Roger. Me gustan algunos bateristas que vienen de Nueva Orleans. Hay varios bateristas famosos. Hay otro baterista que me gustaría mencionar: Earl Palmer. Tocó en los primeros discos de Little Richard que hizo cuando estaba en Nueva Orleans. Probablemente sea uno de mis bateristas favoritos.
Mike. ¿Recuerdas tu audición para Jimi Hendrix, que te gustaría compartir con nosotros?
Roger. Era un día lluvioso en la ciudad de Londres. Estábamos justo al lado de Piccadilly Circus e íbamos a ensayar en un club llamado, Birdland. En ese momento tenía un trabajo diario como artista comercial y pedí prestado el auto de mi padre para traer mi batería. Estaba parado afuera porque el club no estaba abierto. Fue a la hora del almuerzo. Jimi salió y empezó a hablar de las canciones que escribió la noche anterior. No conseguí el puesto, obviamente, Mitch Mitchell sí. Fue algo especial tocar con él. De hecho, pude tocar con Jimi un par de veces aquí en Estados Unidos con Savoy Brown. Jimi era especial para mí. Era un hombre bueno y un guitarrista increíble. Reescribió el libro sobre cómo tocar la guitarra. Fue un día triste cuando lo perdimos.
Mike. Tu nuevo proyecto llamado: Earl & the Agitators, ¿cómo describes el sonido y filosofía de su música?
Roger. Tengo este proyecto paralelo llamado, Earl & the Agitators, que cuenta con Scott Holt (ex guitarrista de Buddy Guy) que cantó en tres canciones y tocó la guitarra en 4-5 canciones en “Under the Influence”. Él y yo formamos esta banda. Scott Holt es un fantástico guitarrista de blues y un cantante increíble. Estoy trabajando con Scott Holt y el guitarrista de Foghat, Bryan Bassett, que es nuestro productor y guitarrista.
Mike. ¿Hay algún buen recuerdo con el gran bluesman, Willie Dixon en Chicago que le gustaría compartir con nosotros?
Roger. Ese fue otro momento. Tocamos tres noches en el Anfiteatro de Chicago. La primera noche, la hija de Willie Dixon vino a vernos y la tratamos como a una princesa. La segunda noche que tocamos allí, Butch, que era el hijo de Willie Dixon y luego se convirtió en su road manager, vino a vernos.
Lo que Willie había hecho era enviar a sus hijos a vernos porque estaba recibiendo todas estas regalías de Foghat porque grabamos: “I Just Want to Make Love to You” en nuestro primer álbum, y él obtuvo un montón de regalías por eso. Acabábamos de lanzar el álbum “Live” (1977) y “I Just Want to Make Love to You” fue lanzado como sencillo. Entonces, recibió todos esos enormes cheques de esta banda llamada, Foghat y no tenía idea de quiénes eran.
Para la tercera noche Willie mismo llegó, tengo una foto grande de Willie Dixon conmigo, colgada en la pared de nuestro estudio en Florida. Era un tipo fantástico y nos invitó a su casa en el lado sur de Chicago. La próxima vez que estuvimos en Chicago, fuimos allí y nos quedamos hasta las 4 de la mañana tocando. Willie Dixon es responsable de algunas de las mejores canciones jamás hechas, en Chess Records de Chicago con Muddy Waters, Chuck Berry y muchos otros artistas. Él ha influido en muchos artistas.
Jim McCarty (The Yardbirds) [fotos por Robbie White y Arnie Goodman]
Jim McCarty es el reconocido baterista de The Yardbirds respetado en todo el mundo por su innovador estilo de batería que introdujo en la música en los años 60 con éxitos como, “For Your Love”, “Heart Full Of Soul”, “Evil Heated You”, “Shapes of Things” y “Over Under Sideways Down”, todos los cuales fueron éxitos del Top 10 del Reino Unido. Cuando The Yardbirds se separó a fines de la década de los 60, Jim formó varias bandas exitosas durante los siguientes 25 años, incluyendo, Renaissance, Shoot, Box of Frogs, Stairway e Illusion, antes de reformar: The Yardbirds en la década de los 90, con quienes todavía hace giras en la actualidad.
Mike. ¿Cómo ha influido la contracultura del rock y el blues en tu visión del mundo y en los viajes que has realizado?
Jim. Ha sido un gran viaje, andar por el mundo y tocar música en la que he estado involucrado en su creación. Nunca parece aburrido, de hecho es mejor ahora, cuando se abren nuevas puertas. Es increíble cómo la gente de todas partes es tan honorable y conoce bien la música.
Mike. ¿Cómo describes tu filosofía musical?
Jim. La filosofía musical es tratar de mantener la frescura y la flexibilidad, tocar como banda, tocar unos con otros, etc. Estoy seguro de que este es el gran problema del jazz.
Mike. ¿Cuál fue el mejor consejo que te han dado?
Jim. Hace bastante tiempo estaba pasando por un período depresivo, no tocaba ni grababa mucho y estaba tomando una clase de francés por la noche. Después de la clase me encontré con el profesor en el pub local. No lo conocía muy bien y le dije que iba a dejar la música. Su consejo fue: “¡No puedes hacer eso, tienes talento!”
Mike. ¿Hay algún recuerdo de tocadas, jams, conciertos y sesiones de estudio que te gustaría compartir con nosotros?
Jim. Dos recuerdos: tocando con los Beatles en París, 1965, compartimos el mismo backline. Los tambores no tenían micrófono, por lo que tuve que golpearlos muy fuerte. Al llegar a la última canción, me di cuenta de que había roto la tarola de Ringo. El otro estaba grabando “Over, Under Sideways Down”, que era una canción boogie bastante directa con un par de breaks. Cuando tuvimos la pista base, le pedimos a Jeff Beck que tocara un riff de introducción. Lo que se le ocurrió sonó completamente fuera de lugar al principio, pero luego nos acostumbramos y se convirtió en un riff de guitarra clásico.
Mike. ¿Qué es lo que más extrañas hoy de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Jim. Supongo que la música moderna está bastante fabricada en comparación con el material “antiguo” que se tocaba en vivo. No me gusta el auto-tune, se ha vuelto muy cursi. Cuando formamos, Renaissance, ensayamos y montamos material todos los días juntos hasta que tuvimos una hora para tocar en vivo sin parar. Me gustaría ver algunas buenas bandas en vivo en el futuro, y quizás en estos programas de talentos musicales.
Mike. ¿Por qué crees que la música de The Yardbirds sigue generando seguidores tan devotos?
Jim. ¡La música de Yardbirds parece seguir y seguir! Realmente no sé por qué, ya que muchas bandas antiguas no generan mucho interés ahora. Siempre intentamos ser originales y “futuristas”. Tocar el repertorio ahora siempre es divertido, siempre que no sea todas las noches del año.
Mike. ¿Cuáles fueron las razones que hicieron que el Reino Unido en los años 60 fuera el centro de investigaciones y experimentos de Blues/Folk/Rock?
Jim. Fue (el Reino Unido) un gran centro de innovación en todas las artes en los años 60. En cuanto a la música, estábamos tocando canciones que habíamos escuchado de músicos negros que probablemente no se escuchaban en los Estados Unidos, ya que había circuitos separados.
Mike. ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en los caminos de la música?
Jim. Algunas de las lecciones, son tener mucha paciencia y darte cuenta de que hay una gran cantidad de tiempo preparándote, viajando, etc. para tocar en un tiempo relativamente corto. La preparación es muy importante, ya que es imperativo hacer la mejor actuación posible. La última lección fue contratar nuestro propio ingeniero de sonido, para realmente poder asegurarnos de tener el mejor sonido posible cada noche.
Mike. ¿Cómo quieres que afecte a la gente?
Jim. Cuando tocamos, puedo sentir la energía del público elevándose durante el espectáculo. Al final de la noche, la atmósfera es palpablemente más ligera. Puedo apreciar que la música tiene el poder de aumentar la energía de una manera cooperativa, por lo que todos nos sentimos parte de algo bastante mágico juntos.
