Deja que los Tiempos del Blues rolen
Entrevistas con Bad Daddy – Wayne Baker Brooks – Mercedes Nicole
Bad Daddy: Blues rock mundial de Maine (Fotos por: Chris Monaghan)
La perspectiva musical de Bad Daddy es una mezcla de Chicago y la costa de Maine, donde es un célebre diseñador de yates. Su estilo es una compresión áspera y crujiente del blues clásico y del rock de raíces húmedas y pegajosas. Ese sonido ancla los temas de su nuevo disco, It’s a Mad, Mad Bad Dad World, en el que se incluye su sencillo de lanzamiento, Pork Pie Hat.
El álbum es un cóctel moderno de melodías llenas de alma que se sienten bien y que son movidas. Sentado en el estudio del guitarrista Pete Galanis en el sur de Chicago en un frío día de febrero de 2021, el cantante y guitarrista Paul Waring (alías Bad Daddy), sabía que era el momento adecuado para comprometer su nuevo trabajo en un segundo álbum.
Los dos amigos estaban bebiendo cerveza, hablando de música y trabajando en el amplificador descompuesto de Waring. El resultado, It’s a Mad Mad Bad Dad World, que se ha lanzado el 11 de marzo de 2022 en el sello, PieHole Records, destaca el sonido de Bad Daddy, arraigado en el blues clásico y en las raíces del rock.
Mike: ¿Cómo describes tu sonido, filosofía musical y repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Paul: Me encanta la idea de la originalidad. Me gusta trabajar con arreglos musicales y escribir melodías únicas y originales. Espero que esto te llegue cuando revises mi discografía. Las canciones tienden a tomar su propia voz y los cambios de acordes no son los estándar.
Me gusta pensar que puedo hacer melodías identificables, pero eso es de hecho lo más difícil de hacer. Se necesita mucho examen de conciencia y autocrítica para poder editar y crear algo que funcione bien para muchos oyentes. Creo que es un gran desafío, pero no es solo eso. A veces necesito escribir algo que me funcione.
Eso, y además que me encanta colaborar con otros músicos, aquí es realmente donde ocurre la magia y es lo que ayuda a que una canción se convierta en algo vivo. Entre los músicos con los que he trabajado a lo largo de los años, creo que muchos dirían que tengo una voz y un enfoque un poco diferentes, tal vez a veces extravagante, pero siempre estoy explorando para hacer que la música sea sabrosa y algo que pueda aprovecharse para mover tus pies.
Los sonidos que persigo con mi instrumento suelen ser tonos de guitarra cálidos e impulsados por los bulbos del amplificador. Me gusta la sencillez, la distorsión natural de un amplificador de bulbos con poco poder y no demasiados sonidos procesados en el canal de salida. Soy un músico simple, no pretendo ningún virtuosismo en particular, trato de tocar lo que escucho, siento que expreso lo correcto cuando mi oído escucha exactamente lo que mi corazón quiere. Hay una conexión orgánica ahí, y eso me convierte en un mejor músico cuando logro encontrar ese matiz.
Mike: ¿En qué encuentros has tenido las experiencias más importantes para ti? ¿Cuál fue el mejor consejo que alguien te dio?
Paul: He tenido la suerte de conocer a algunos grandes a lo largo de los años. Como muchos de nosotros, locos por el blues, yo también tengo ese amor obsesivo por el icónico Buddy Guy, y he pasado mucho tiempo siguiendo su música y conduciendo por locas distancias para ver sus espectáculos a lo largo de los años. Lo he conocido en solo un par de breves ocasiones. Una noche, fui a su club para tocar en un un jam en el “loop” del centro de Chicago, y lo vi sentado solo en el bar donde a menudo se le encuentra bebiendo un Crown Royal o un escocés.
Simplemente le dije: “¡Oye, amigo! ¿Qué está pasando esta noche? ¿Cuál es la palabra?” Me miró con sus ojos brillantes y me dio esa sonrisa de un millón de dólares cuando vio que tenía mi ES 335 para subir a tocar. Él me dijo: “Hombre, parece que estás listo para divertirte un poco. ¿Vienes aquí para hacer un poco de ruido esta noche?” Dije: “¡Sí, lo intentaré y veré qué puedo hecer! ¿Tienes algo que decirme? Me dio esa clásica risa de BG y simplemente dijo: “Hijo, hagas lo que hagas, donde sea que vayas, solo sé tú. Solo ofrece lo que tienes y sé tú mismo de la mejor manera”.
Creo que es un consejo que siempre guardaba en el fondo, pero nunca nadie me lo dijo tan claramente antes de eso. Me ha quedado grabado durante mucho tiempo, y me encantó la simplicidad inexpresiva con ese tipo de palabras.
Mike: ¿Hay algún recuerdo de conciertos, jams, tocadas o sesiones de estudio que te gustaría compartir con nosotros?
Paul: Justo después de que saliera mi primer álbum en 2008, tuve una buena racha de conciertos abriendo para varios artistas nacionales, como: Roomful of Blues, Shemekia Copeland y algunos otros. Fue una gran experiencia, y siendo yo un tipo de blues poco conocido de un pequeño pueblo de Maine, me sentí muy agradecido al tener las oportunidades de actuación que surgieron de la exposición de ese primer disco.
Hicimos ese show informal una noche como teloneros de Shemekia. La banda lo estaba haciendo bien absolutamente, y me sentí genial, la noche fue mágica. Shemekia y su banda realmente la hicieron también, simplemente atrapamos a la audiencia y nos dio a todos en esa sala, algo para recordar.
Su manager se me acercó esa noche y me felicitó por la presentación; me dijo que amaba mi música y nuestra actuación. “Y, caramba, tenemos una serie de fechas que nos llevarán por la costa este”, y “A Shemekia le encantaría que vinieran como teloneros del resto de la gira”. Estaba anonadado. Estaba extasiado. Eso fue una sorpresa.
No sabía muy bien qué hacer a continuación. También sabía que era poco probable que la gira de apoyo se llevara a cabo debido a que algunos de mis compañeros de banda no podrían separarse en un momento como ese, y la gira se iniciaba al día siguiente. Entonces, volví al escenario y encontré a Shemekia. Le di un abrazo, la felicité por el programa y le expresé mi agradecimiento y gratitud por toda la noche y por ofrecerme esa gira.
Entre todo tipo de palabras maravillosas que me dijo en ese momento, y el amor y el cuidado genuino por los músicos que brillaban, terminó agregando: “…Y, cariño, oh, no tienes idea de lo que te estoy diciendo… Yo ¡Solo quiero que te subas al autobús conmigo por el resto de esta gira y te mostraré lo que es el amor…!”, JAJAJA. ¡Creo que ahí me imaginé cómo sería esa gira!
Mike: ¿Qué es lo que más extrañas del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para su futuro?
Paul: Esa es una idea difícil de puntualizar. No me quedo mucho en el pasado, de verdad. Y, de hecho, no soy de los que se promocionan como alguien “que ha estudiado a los pies de fulano de tal, o que ha hecho tal o cual cosa con precisión histórica” y todo eso. No creo que eso sea algo para mí, y es una exageración hacer tal afirmación para alguien. Esa no es mi onda.
Sin embargo, tengo mucho amor por el sonido y el genio creativo de hace décadas, solo basta señalar los desafíos con los que se enfrentaba la gente para hacer su música con las herramientas y la tecnología disponibles en el pasado. Virtuosismo. Pero la evolución y las nuevas ideas también son emotivas e importantes. Me encanta algo de la nueva música que hay ahora mismo. Gente como: Eric Gales, Josh Smith, Kirk Fletcher, Samantha Fish, Joanna Conner y muchos otros, sabes que son la cara del Blues Rock en estos días, y todos tienen estilos diferentes. Hay mucho espacio en esta familia para todo tipo. Demonios, me sentiría honrado de compartir una pequeña parte de eso y hacer mi contribución a la conversación. Tengo grandes esperanzas para todos aquellos que trabajan para encontrar riffs y melodías nuevas y emocionantes para crear novedosas formas de hacer blues.
Creo que los mayores temores que tengo tienen algo que ver con todas las tendencias modernas para difundir nuestra música. El mundo digital, el mundo de la transmisión y, en general, todas estas diversas plataformas de distribución son guardianes y sugieren que las élites digitales están en el poder de alguna manera, y esto me hace preocuparme por la “cosecha de ganadores” en lugar de darles a todos una oportunidad justa. Realmente es una batalla para todos los músicos en este momento.
Mike: ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en los caminos de la música?
Paul: Se necesita un lugar. Los amigos, la creación de redes, la comunidad y el pago por adelantado son dinámicas que hacen que esto funcione. Actuar de forma competitiva con tu comunidad de músicos es una idea terrible y te lleva a lugares oscuros y callejones sin salida. La industria de la música también es un lugar muy difícil para ganarse la vida. Abordar las cosas de manera profesional es importante, mientras que trabajar junto con tus amigos y compatriotas es vital para hacer buena música y tener posibilidades de éxito.
Mike: ¿Cuál es el impacto del blues en las implicaciones raciales y socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a las personas?
Paul: Realmente creo que la música, en general, une a personas de todos los colores y orígenes. Eso es poder. Y eso es amor. El espíritu humano es algo increíble de presenciar. El género del blues no esta excluido, pero la comunidad de blues es pequeña; está representada por una pequeña comunidad de oyentes devotos, ávidos seguidores y genio creativo. En particular, hemos visto a artistas de todos los orígenes convertirse en grandes creadores de música de blues, y eso dice mucho porque es una forma de arte que cruza todas las fronteras y atrae a todo tipo de personas.
Cuando veo la palabra “raza” en tu pregunta es un tema que me despierta, así que aquí voy… Mis pensamientos y experiencias como un hombre blanco que creció viendo a mis hermanos negros y a mi padrastro lidiar con cosas que nunca experimentaría debido a mi color de piel, realmente me pesa. Y me da una idea de los problemas sociales profundamente infundidos, como las continuas desigualdades y las ideas equivocadas que afectan a los humanos debido al color de la piel.
En este país, las personas negras y morenas están constantemente bajo esta presión. Puedo entender lo que significa cuando hablamos de nuestros grupos en términos de “raza”, pero señalaré que esta es una forma incorrecta de hablar de la situación humana. La misma palabra “raza” es una idea, y es equivocada; la idea sugiere que todos somos diferentes unos de otros. Dime cómo es eso cierto. Una raza, u otra; ¿equipos separados? ¿Qué es eso? Creo que la forma en que usamos el lenguaje tiene un impacto sobre cómo pensamos y sentimos unos sobre otros, y si seguimos pensando en nuestras poblaciones humanas como divididas en razas, literalmente en biología es diferente, pero ¿no es eso un paso en falso?
Me encantaría saber por quién o cómo llegó a ser esto. Me siento mal. Propongo que las mismas palabras como “raza” y “racial”, etc., no representan a nuestra población humana con precisión y, de hecho, estas palabras pueden hacer más daño al tergiversar el problema como lo hacen; las palabras, de hecho, son pequeñas y pasan por alto el problema. Si no hay un argumento biológico que muestre cómo los grupos de humanos son realmente diferentes entre sí, no hay apoyo científico en la idea de que somos razas separadas, en absoluto.
Entonces, en la década de 2020, ¿por qué seguimos hablando de esto de esta manera? Si comenzamos hablando de los demás como una sola raza y eliminamos el lenguaje que apoya algún tipo de idea de que somos diferentes unos de otros, ¿no sería este el comienzo de un viaje productivo que abarca a todas las personas como una raza humana? ¿Y, por lo tanto, dando cabida a la simple noción de pensar el uno en el otro en términos más equitativos, en lugar de “relaciones raciales”?
Esta es una explicación detallada que me lleva al punto. Me encantaría que nuestra música ayudara a expresar esta noción, este amor por todos los humanos como una sola raza y comenzar a compartir todas las emociones para celebrar esta idea a través de cualquier expresión musical, pero especialmente en el blues y en el blues-rock.
Wayne Baker Brooks: Blues en sus venas. (Fotos por: Alain Boucly)
Wayne Baker Brooks es considerado uno de los mejores guitarristas de la actualidad, cuyo estilo característico combina una voz potente con una guitarra de fuego que honra su rico legado de blues, pero expande sin esfuerzo los límites del género. Sin dejar de lado el destino que lo tocó, ya que pronto se unió a la banda de su padre (Lonnie Brooks) como su guitarrista rítmico y luego se convirtió rápidamente en el director musical.
Luego, en 1997, formó la Wayne Baker Brooks Band, mientras continuaba trabajando con la banda de su padre. Apareció en la película Blues Brothers 2000. WBB ha tocado, apoyado/abierto y/o aparecido en televisión con personajes notables como: Buddy Guy, Koko Taylor, Bo Diddley, Corey Harris, The Black Crowes, Otis Rush, Jr. Wells, Shemekia Copeland, Johnny Lang, Susan Tedeschi, Keb Mo, Jimmy Vivino, Robert Randolph, Taj Mahal, Mick Fleetwood, Otis Clay, Bobby Rush, Elvin Bishop, Billy Branch y muchos más.
Wayne Baker Brooks y su banda continúan tocando en todo el mundo, con el sello de ser Wayne, considerado un guitarrista de primer nivel con un espectáculo en vivo que no debe perderse.
Mike: ¿Cómo ha influido la música y la gente del blues, en tu visión del mundo y en los viajes que has realizado?
Wayne: Mi punto de vista es que todos somos iguales. En el fondo todos somos iguales. Todos tenemos las mismas emociones o somos capaces de tener las mismas emociones o sentimientos desde el amor hasta el odio como todo lo demás.
A veces, al mismo tiempo, como en un concierto de tu artista favorito, que canta una canción muy convincente que todos sentimos en ese mismo momento. Que no importa el idioma que hables, muchas personas aún pueden entender o incluso sentir las mismas emociones o sentimientos en el sentido en que un artista canta o toca.
Mike: ¿Cómo describes tu sonido, filosofía musical y repertorio?
Wayne: Todo lo que he hecho siempre ha estado basado en el blues, porque es mi base, mi roca, mi salvador, mi todo. El Chicago Blues en particular. Al crecer en un hogar musical, todos los días escuchábamos la mejor música del blues de Chicago que podías escuchar en la tierra de artistas como: Muddy, Howlin Wolf, Little Walter, Bo Diddley, Chuck Berry, Etta James, Jimmy Reed (a quien mi papá tocaba la guitarra rítmica); por supuesto, a mi papá Lonnie, Magic Sam, Buddy & Junior, y fui criado alrededor de Luther & Bernard, y KoKo.
Pero luego, al crecer en un vecindario urbano, también estuvimos expuestos a la radio convencional que ponía de todo, desde James Brown, Rick James, George Clinton, Earth, Wind and Fire, Prince, Michael Jackson, Sugar Hill Gang, Grandmaster Flash y Furious Five. Las estaciones de rock tocaban a Rolling Stones, Jimi Hendrix, Fleetwood Mac, Led Zeppelin, y Elvis.
Mi filosofía siempre ha sido que tengo que ser yo mismo cuando escribo originales, y eso incluye incluso, si alguien escribe conmigo o para mí, tengo que sentir que soy yo antes de poder grabar una buena interpretación. Tengo que sentirlo, sentir la vibra de la canción y asegurarme de que sea identificable.
Mike: ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Wayne: Me inspiro en cosas reales, emociones reales por las que paso, o por las que pasan otros. A veces, la inspiración puede provenir de una simple conversación, o incluso de pasar por un vecindario y veo algo que sobresale y, sin esforzarme demasiado, simplemente comienzo a cantar sobre eso.
Mike: ¿Por qué crees que el legado musical de Lonnie Brooks continúa generando fieles seguidores?
Wayne: No solo porque tuvo éxitos en la década de 1950, sino también por su increíble talento. Era un gran cantante con poder y delicadeza, un gran guitarrista con un estilo característico. Su sonido era único y su composición era de primera categoría. Luego tiene 2 hijos con 2 bandas llevando su legado hacia el futuro… ¡¡¡Larga vida a Lonnie!!!
Mike: ¿Con quién has tenido las experiencias más importantes para ti?
Wayne. Sentado justo en medio de B.B. King y John Lee Hooker, mientras Buddy Guy actuaba en el pabellón Concord del área de San Francisco (en la gira del festival B.B. King con B.B. King, Buddy Guy, Eric Johnson, Koko Taylor, Lonnie Brooks y Jr. Wells).
Cuando Buddy se detuvo en medio de la canción para decir “señoras y señores, tenemos al mejor bluesman del mundo aquí con nosotros esta noche” y la multitud comenzó a vitorear muy fuerte de inmediato porque John Lee no escuchó a Buddy decir “que era por John Lee Hooker”.
Entonces B.B. se acerca a mí para que le digamos a John Lee que se pusiera de pie y de inmediato le dijo “levántate John…” y John Lee va hacia B.B. y le dice “No, no, levántate tú B.B.” y B.B. dice “no, tienes que ponerte de pie hombre” y John Lee dice no “Él dijo que el hombre de blues más grande del mundo, ese eres tú” y B.B. dice “no, eres el hombre de blues más grande del mundo hombre ahora levántate hombre” John Lee se puso de pie con su pose clásica de ‘el sanador’ y la multitud se volvió aún más loca.
Siento que estar entre dos de los mejores blusistas del mundo en ese momento fue una de las experiencias más importantes para mí, si no la más importante, porque fui testigo de dos de los mejores de todos los tiempos peleando sobre quién era el mejor, pero no estaban peleando por sí mismos. siendo los más grandes, se lo estaban dando el uno al otro con el mayor respeto. Esa fue la experiencia de aprendizaje más humilde que he sentido en mi vida. Siempre seré humilde por ese momento en 1993.
Mike: ¿Cuál fue el mejor consejo que alguien te ha dado?
Wayne. Pasé de la batería a la guitarra a los 19 años. El sueño de mi padre era que saliéramos de gira con él en la guitarra y la voz, Ronnie en el bajo y yo en la batería. Pero todos terminamos tocando la guitarra. Sabía que amaba a Albert King y salíamos de gira con él de vez en cuando. Entonces, a principios de la década de 1990 en el Festival de Blues de Detroit, le dijo a Albert mientras yo estaba montando el escenario: “Hombre, estoy tratando de que mi hijo Wayne vuelva a tocar la batería y realmente le gustas y quiere tocar la guitarra ahora“… ¿Puedes hacer que cambie de opinión por mí? Y conseguió que Albert hablara conmigo sobre volver a la batería.
Así que Albert me atrapó solo y me dijo “nos vemos en mi oficina” la oficina era su camerino. Nos sentamos, encendió su pipa y dijo: “Hijo, papá me dice que quieres tocar la guitarra, pero él quiere que vuelvas a tocar la batería, ¿te parece o te gusta tocar la guitarra?” Dije: “Me encanta tocar el guitarra Sr. King, quiero ser como mi papá y como tú”. Él dijo: “bueno, hijo, hay un guitarrista a diez centavos la docena, si vas a tocar la guitarra, tienes que tocar cochinadas con ese desgraciado“. Jajaja.
Después de nuestra charla, mi papá se acercó a Albert y le preguntó: “¿Dijo que iba a volver a la batería? Escuché a Albert decirle a mi papá “Parece que te conseguiste otro guitarrista Lonnie” con esa risa característica “jejejejeje“.
Mike: ¿Hay algún recuerdo de conciertos, jams, tocadas o sesiones de estudio que te gustaría compartirnos?
Wayne: La primera vez que toqué con Buddy Guy fue increíble. En su club alrededor de 1994. Permítanme decirles por qué. Recuerdo haber visto a Buddy por primera vez cuando tenía alrededor de 10 u 11 años en el antiguo ‘Limelight’ de Chicago mientras él, Junior Wells, y Koko Taylor estaban abriendo para mi padre, que estaba tocando en un evento para el gran alcalde Harold Washington.
Buddy y Junior tocaban y ví a este hombre en la guitarra que era salvaje, intrépido, fuerte y lleno de pasión. Estos sonidos provenientes de la guitarra me impactaron tan fuerte que no podía dejar de mirarlo. Así que cuando pasé de la batería a la guitarra, se convirtió en mi guitarrista favorito de Chicago junto con mi padre, Luther, B.B., Freddie y Albert King. Luego, una noche en 2002, mientras Buddy estaba tocando, llamó a mi papá y, por sorpresa, me llamó y, hombre, estaba flotando en las nubes, y lo que me gusta pensar es que toque con todo mi corazón cuando me dio un solo, la multitud se volvió loca. Me bajé del escenario abracé fuerte a mi papá y le dije gracias. ¡Inmediatamente supo porqué se lo dije!
Mike: ¿Qué es lo que más extrañas del blues del pasado?
Wayne: Extraño a los verdaderos exponentes del blues de ese entonces: B.B., Etta, John Lee, Bo, Junior, Albert King, Albert Collins, Denise Lasalle, Gatemouth, Luther, Koko. No había hipocresía en ellos cuando se trataba de su música y su carácter. Sabes que en realidad vivieron la verdadera vida cotidiana del blues que venía del sur. También echo de menos las largas giras. Casi todos los tipos auténticos de blues nacional podían hacer giras de 3 a 5 meses seguidos porque había muchos festivales de blues, clubes de blues y sociedades en los Estados Unidos y en Europa que apoyaban a los artistas nacionales.
Mike: ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro del blues?
Wayne: Temo que el verdadero significado del blues sea diluido e impulsado por alguien que nunca ha pasado por dificultades reales como los afroamericanos, y luego se convierta en la cara del blues, mientras que la autenticidad se pasa por alto por la desintegración y el concurso por la popularidad. Ahora, las sociedades locales de blues están comprensiblemente enfocadas en sus bandas locales de blues pensando que, con suerte, se convertirán en artistas a nivel nacional, y pasa por alto a las verdaderas bandas nacionales.
Entiendo que quieras apoyar a tu mejor banda, pero los concursos, la batalla de las bandas y las organizaciones de competencia, están buscando imprudentemente la gran esperanza blanca para salvar el blues como lo hizo SRV. La cosa es que SRV no hizo competencias. Tocó como loco y simplemente se abrió camino hacia la corriente principal y finalmente dio un gran impulso en el género del blues atrayendo a aquellos a los que idolatraba con él sin pensarlo. Amaba, apreciaba y respetaba a todos los hombres y mujeres del blues. Sabía lo importante que era presentar a estas personas en un género que amaba tanto.
Mike: ¿Cuál crees que es la clave para una vida musical bien vivida?
Wayne. Una de las claves son las canciones, sin buenas canciones no se puede hacer nada. Ser capaz de escribir canciones completas y significativas que te identifiquen puede llevar tu carrera a un nivel completamente nuevo. La otra clave es ser lo suficientemente talentoso y apasionado para llegar a los corazones, mentes y almas de las personas.
Mike: Si pudieras cambiar una cosa en el “mundo del blues”, ¿qué sería?
Wayne: Pondría los grandes discos de blues de ayer y de hoy en la radio convencional (y en streaming), y los impulsaría a los oídos de la gente como lo hacen con la música pop, jajaja, y nos verían crecer como un todo.
Mike: ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en los caminos de la música?
Wayne: Ser paciente. Quedarse con hambre. No tener sed. ¡Ser humilde!
Mike: ¿Cuál es el impacto del blues en las diferencias socioculturales?
Wayne. La mayoría de las diferencias provienen del cambio de puntos de vista en la comunidad negra sobre la música de blues. La mayoría de los afroamericanos en la década de 1950 y antes, escuchaban blues en la radio convencional. Ahora, en los barrios urbanos, la gente escucha música rap y hip-hop. La mayoría de los niños en los barrios urbanos no saben nada sobre la música de blues porque ya no está en la radio convencional como solía estar. El hip hop es la voz de la nación ahora y, en algunos casos, la voz del mundo.
De la forma en que lo veo, el rap y el hip hop son el blues presentado de manera diferente. Están rapeando sobre los mismos temas en cierto sentido, dinero, autos, mujeres/hombres, sexo, alcohol, etc. Los artistas de blues en el pasado (y aún hoy), cantaban principalmente sobre cómo desearían tenerlo todo. Los raperos están rapeando sobre cómo lo consiguieron todo y lo tienen todo.
El blues era la voz de la comunidad en ese entonces, el rap es la voz de la comunidad ahora. Todo mientras la música de blues sigue esperando su turno para ser respetada por las tendencias, mientras que los raperos no esperan y toman lo que se les debe ahora. Entonces, a los ojos de un joven negro impresionable, él o ella está admirando más a los raperos que al músico de blues.
Agregue a todo eso, el racismo sistémico profundamente arraigado y tendrá un cambio en el género, que está cambiando como el rock and roll cambió rápidamente en los viejos tiempos. Los verdaderos inventores son expulsados y otros intervienen y toman el control de forma lenta pero segura. A menos que aquellos otros que intervienen y que realmente respetan el género sean lo suficientemente apasionados y compasivos como para corregir los errores.
Mike: ¿Cómo quieres que la música afecte a las personas?
Wayne: Para mí, la música de blues es mi terapia. Me mantiene cuerdo en este mundo a veces loco. La palabra BLUES se asocia con estar triste, deprimido, triste o no feliz. La música de blues es todo lo contrario. La música de blues te da ganas de bailar, de fiesta, o a veces te hace querer acercarte a tu pareja, hacerte reír, hacerte llorar por las canciones emotivas, o llorar de pura alegría. Me encantaría que el blues afectara a todas las personas de esta manera.
Mercedes Nicole: Una joya de música genuina
Extraordinaria estilista de jazz vocal e intérprete de estándares de blues, composiciones originales y música New Góspel, Mercedes Nicole, aporta a sus actuaciones una personalidad y una calidad vocal únicas. Su voz rica y expresiva se profundiza con una vulnerabilidad y un ardor refrescantes. Ella revela una pasión interminable por probar los matices líricos, melódicos y rítmicos de su material.
La primera vez que escuchas a la cantante de Seattle, te preguntarás si estás escuchando una canción recién descubierta de una cantante legendaria de antaño, ¿quizás Sarah Vaugh?, ¿o Dinah Washington? Pero pronto queda claro que, si bien esta cantante de guantes largos y hombros descubiertos evoca visiones de un mundo de vestidos de cóctel y cabarets, su música y su visión son frescas, creativas y propias. Constellation (2020), su cuarto lanzamiento, lleva a la reconocida cantante de jazz en una nueva dirección. Este es el álbum de blues que siempre quiso hacer durante años, y no ha escatimado nada en su grabación.
Mike: ¿Cómo ha influido la música de blues y jazz en tu visión del mundo y de los viajes que has realizado?
Mercedes: La música es verdaderamente el lenguaje universal del corazón. Los temas atemporales de amor, y ser amado, representan a todas las canciones jamás escritas. El jazz marca el comienzo de un mundo de fantasía. ¡El blues es la agonía de la derrota, pero a la vez el deleite de la risa! Siento que la música me abrió los ojos para ver que todos somos iguales, sin importar el país, la nacionalidad o la edad. Estoy más consciente de ello como ser humano que nunca.
Mike: ¿Cómo describes tu sonido, filosofía musical y repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Mercedes: Todos los ingenieros que han trabajado conmigo en el estudio, en la parte inicial durante la grabación o al final durante la masterización, dicen que mi sonido es relajante, rico y llama su atención. Disfruto demorarme. A veces, creo que nosotros, como personas, tenemos tanta prisa por hacer las cosas que nos olvidamos de saborear el momento. Eso es lo que más disfruto… saborear el momento.
Mi impulso creativo proviene de muchos lugares, pero en particular de tres, de ver las actuaciones de los últimos grandes: Nat King Cole, Frank Sinatra, B.B. King, Bobby Blue Bland, Peggy Lee, Nancy Wilson y lo creas o no, de la naturaleza. El noroeste del Pacífico lo tiene todo, lagos, montañas, ríos, playas increíbles y un sinfín de árboles de hoja perenne. Me encanta caminar, viajar en ferry y contemplar el sonido en una meseta alta como Queen Anne Park. Puedes ver para siempre. Por último, me encantan las grandes biografías, siempre puedes encontrar historias íntimas de amor y triunfantes.
Mike: ¿Hay algún recuerdo específico o un punto destacado de tu carrera que te gustaría contarnos?
Mercedes: En el 2014, encabecé el Festival de Blues de Westport. ¡Nunca había hecho una fusión de jazz y blues y canté con todo mi corazón! Cuando terminó mi set, estaba empapada, incluso mi cabello estaba pegado a mi cabeza, ¡pero nunca me había sentido más viva! La hija de B.B. King, Claudette King, también estaba allí y me dijo: “¡Maldita sea, eso fue realmente bueno! La gente se me acercó y me dijo “¡realmente puedes cantar!”.
Desde entonces tuve la apertura emocional de que nunca somos ellos y nosotros, ¡todos somos uno! En 2018, fui una de las ganadoras de los Premios a la Compositora Femenina. En lugar de ocultar mis propias canciones, por miedo al rechazo, ingresé dos composiciones originales y me sentí profundamente abrumada cuando fui declarada una de las ganadoras. Ahora canto mis propias canciones cada vez que puedo.
Mike: ¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de esa música?
Mercedes: ¡Realmente creo que la música del pasado dejaba más a la imaginación! Echo de menos esa inocente maravilla. ¿Ella o él realmente me ama? Yo tampoco soy de sonido sintetizado. Me encantan los instrumentos acústicos. Aunque, me gusta cualquier tipo de guitarra. Dame una batería, cualquier tipo de bajo y algo de guitarra, y estoy lista para empezar. Dime por qué me amas… hazme reír o sonreír… prométeme el mundo… O dime por qué me rompiste el corazón… eso me encanta.
Mike: ¿Cuál es el impacto del blues y el jazz en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a las personas?
Mercedes: Conoces a los muchachos con los que toco, o cualquier cantante será testigo del hecho de que la gente tiene muchas cosas en mente, ¡esta pandemia nos ha sacudido a todos hasta la médula! Cuando estamos en el escenario, puedes ver un cambio frente a tus ojos. La gente comienza a sonreír, asintiendo con la cabeza. La pareja se acerca un poco más el uno al otro, la música nivela el campo de juego. Reúne a las personas de una manera que la lógica o las conferencias no pueden. Todos hemos estado enamorados, todos hemos tenido angustias, todos hemos tenido miedo de intentarlo y hemos estado llenos de dudas, quiero que mi música valide la vida y le asegure al oyente que, sin importar lo que haya pasado, no está solo, y tal vez el amor sea más dulce la próxima vez. Supongo que eso es darles esperanza.
Mike: ¿Qué significa ser una artista femenina en un mundo de hombres como decía James Brown? ¿Cuál es el estatus de la mujer en la música?
Mercedes: Las mujeres en este negocio deben trabajar con hombres y mujeres en los que no puedes confiar, que saben por qué están juntos en el escenario. Trabajo con hombres que en su mayoría tienen hogares amorosos, relaciones saludables y que se enorgullecen de sus talentos. Las mujeres siempre deben ser conscientes de que la confianza en la banda es igual o mayor que tratar de ahorrar unos cuantos dólares.
Que las relaciones que forman dentro y fuera del escenario los ayudarán o los dañarán. Valora siempre a tu banda y ellos te valorarán a ti. En este día y edad, creo que las mujeres son muy valoradas. Son vistos no solo como hermosas, sino también inteligentes. Puede haber viejas actitudes que devalúan el valor de una mujer, pero esa era está muriendo rápidamente.
Mike: ¿Por qué crees que las canciones de Nina Simone, Sarah Vaughan, Dinah Washington y Etta James continúan generando fieles seguidores?
Mercedes: Nina, Sarah, Dinah, cantaban con pasión. Les encantaron sus mensajes en la canción, ¡y fueron excelentes narradoras de historias! Sarah tenía la capacidad de alejarte de todas las preocupaciones del mundo. Dinah te hizo estallar en carcajadas, y mirar a un tramposo a los ojos, y confesar que “se equivocaron”. Nina puso lupa a la injusticia, y mucho antes de que James Brown subiera al escenario, te hizo sentir orgullosa de ser mujer y orgullosa de ser negra.
Mike: ¿Qué dirías que caracteriza la escena musical de Seattle en comparación con otras escenas y circuitos locales de Estados Unidos?
Mercedes: Somos una ciudad grande, pero también somos bastante pequeños. Todos conocen a todos aquí, y eso puede sentirse bien a veces. No tenemos muchas opciones, pero somos muy leales, los fanáticos son muy leales al artista que aman y, sinceramente, disfrutan descubriendo nuevos talentos. Somos una ciudad que duerme temprano y consciente de la atención plena, la alimentación saludable, la vida saludable y la buena música.
Las orquestas son maravillosas, los lugares que apoyan la música en vivo, realmente se preocupan por los artistas y hacen todo lo posible para mantener las cosas factibles, pero no es fácil. Esta es una ciudad de enseñanza, la mayoría de los hombres y mujeres que conozco en el negocio se preocupan por el “arte” en sí. Enseñan, dan talleres y arropan a todos los artistas, pero aún así, a veces se tiene que viajar para ganar dinero.
Mike: ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en los caminos de la música?
Mercedes. Pienso en eso a menudo. Siempre me lo pregunto después de un show. Trata a las personas con el máximo respeto, empezando por ti mismo. Cree que vale la pena ser valorado y valora a los demás, si no lo haces, tendrás una noche de insomnio y atraerás más negatividad que continuará perpetuando el problema.
Gran lección: ¡no estás compitiendo con nadie más que contigo misma! ¡Celebra cuando alguien consigue un trabajo de ensueño o gana un premio! Compararte con los demás solo te llevará a la infelicidad. Todos tenemos nuestro propio camino. Camina el tuyo y sé agradecido de estar en él. Marian Anderson lo dijo mejor: “Mientras mantengas a una persona en el suelo, una parte de ti tiene que estar allí para sujetarla, lo que significa que no puedes volar como lo harías de otra manera”. ¡Yo quiero volar… y amar a todos!
