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El blues ha llegado para quedarse

El blues ha llegado para quedarse. Entrevistas con Kevin Gullage, The Cash Box Kings y Paul Filipowicz



Kevin Gullage: Con ritmo en NOLA (Nuevo Orleans). Foto © por Zach Tullier

La estrella en ascenso, Kevin Gullage, lidera su banda de músicos veteranos, The Blues Groovers, con el aplomo de un intérprete experimentado. Su impresionante combinación de canto emocionante y deslumbrante piano de blues infundido con la experiencia de sus compañeros de banda, está dejando al público asombrado. The Blues Groovers está formado por el bajista Tony Gullage (Henry Butler, Dr. John), el tecladista de Hammond B3, Brandon Adams (Kenny Neal), el guitarrista Carlton Ross (Glenn David Andrews), el saxofonista Roderick Jackson (Kenny Neal) y el baterista Mac Carter (Jon Cleary).

Nació en una familia musical de Nueva Orleans, LA, mostró signos prodigiosos de talento musical y siguió los pasos de su padre, abrazando su pasión por la música como instrumentista, cantante y escritor. Creció interactuando con artistas como: Henry Butler, Gary Brown, Carol Fran y otros en la escena musical de Nueva Orleans, quienes influyeron en el desarrollo de la maestría musical y el estilo de Kevin desde una edad temprana. Kevin & The Blues Groovers miran hacia adelante a las diversas oportunidades en el futuro.

¿Cómo ha influido la música y la cultura de Nueva Orleans en tu visión del mundo?

Kevin: ¡Los músicos de Nueva Orleans son un grupo muy honesto! Te dicen lo que necesitas escuchar en lugar de lo que quieres escuchar. Creo que es una gran parte de nuestra cultura en Nueva Orleans. En mi experiencia, muchas personas me han dicho todas las cosas que quiero escuchar, pero no significan tanto como las cosas que necesitaba escuchar. Como cuando eres joven y corres con los zapatos desatados.

Lo que necesitas que te digan es: “¡Átate el zapato, ahora mismo!” Pero, quieres que te digan: “¡Sigue jugando!” Esa honestidad te convierte en una mejor versión de quién te convertirás. El mundo está lleno de personas que te dirán lo que quieres escuchar, pero debes revisar a las personas que te dicen lo que necesitas escuchar.

¿Cómo describes tu filosofía musical y repertorio? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica y el alma?

Kevin: Cuando se trata de filosofía musical, creo que tengo la ventaja de ser joven. Sé que hay cosas que no sé. Mi abuelo y mi padre tienen 92 y 57 años. Hasta el día de hoy, mi padre se sienta y aprende del ejemplo que da mi abuelo. El resultado es que mi padre aprende más de lo que hubiera sabido, si lo hubiera hecho sin mi abuelo.

Cuando subo al escenario, o aprendo canciones, o simplemente decido cuál es el próximo paso, sigo el ejemplo que la gente me ha dado. No siempre es el ejemplo de lo que funciona. A veces, es lo que no funciona, y se espera que aprenda mucho de eso, si no más. No solo sales con alma o técnica. Hay que afinar la técnica y hay que moldear el alma. Para eso están mis mentores.

¿Por qué crees que la música de Nuevo Orleans continúa generando seguidores?

Kevin: Nueva Orleans es diferente a cualquier otro lugar. Siempre está creciendo de alguna manera, forma o forma. Cuando la música está en una nueva era, Nueva Orleans resiste la prueba. Es un lugar donde la música vive en las calles, en los edificios, en los tejados y en cualquier lugar donde puedas encontrar gente. Ese siempre ha sido el caso. Ahora, la gente sabe que si el mundo entero se secara de su pozo musical, Nueva Orleans sería el único lugar garantizado para saciar esa sed. Siempre lo sabrán, me gustaría pensar.

¿Hay algún recuerdo de conciertos, jams, actuaciones o de sesiones de estudio que te gustaría compartir con nosotros?

Kevin: En mi primera vez en el New Orleans Jazz and Heritage Festival, recuerdo que pude ver a dos de mis artistas favoritos. Estaba lloviendo y tenía agua alrededor de mis pies, pero mi padre y yo nos dirigimos al escenario de Acura. El trino legendario de Fur Elise sonó a través de los parlantes, seguido de un riff de blues que solo podría clasificarse como Nueva Orleans. El piano atravesó como un cuchillo al público que esperaba en silencio. Jon Batiste y Stay Human cayeron en un canto fúnebre de la canción clásica que muchos conocían. Observé todo el set bajo la llovizna, hipnotizado por lo fácil que parecía.

Luego, mi padre y yo, zapatos en mano en este punto, nos dirigimos a la carpa de jazz. Los asientos estaban llenos. Recuerdo estar sentado justo en frente de Germaine Bazzle. Distinguiendo el escenario. Gregory Porter siempre había tenido tanta elegancia en él, pero era casi mágico en persona. Con “Sittin’ On Top Of The Roof” comenzó su set, llenando la carpa con tanta energía que incluso los otros profesionales quedaron asombrados. Dos canciones después, dijo en un tono triste: “Quieren que les diga que deben irse a casa”. Todos suspiramos con incredulidad y desaprobación. “No”, dijo, “necesito que se vayan a casa, porque preferiría saber que están en casa a salvo y que no pasa nada, a que estén atrapados aquí y en peligro. Nos vemos la próxima vez“, Sus palabras fueron tranquilizadoras, incluso reconfortantes. Él fue increíble. Me encantó ese día.

¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de la música?

Kevin: Creo que lo que más extraño de la música del pasado es cuánto se preocupaban los cantantes por la historia que contaban. Ya fuera Otis Redding, Sam Cooke o B.B. King, contaban su historia con tal convicción que nadie desconfiaba de la historia y entendían lo que querían decir. Hoy en día, la buena música y las grandes historias están adornadas por tanto estilo, que perdemos el punto y quedamos atrapados en la “vibra” de la canción. A menudo me preocupa que las cosas sigan así, pero cuando escucho a personas como: Kingfish y Marcus King, tengo la esperanza de que las cosas volverán a ser como antes. Incluso escuchando a B.B. King ahora, tengo la esperanza de que algún día recuperaré ese tipo de música.

¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a las personas?

Kevin: Cuando las personas escuchan una canción sobre el cambio, el amor y la paz, no pueden luchar contra ella. Bob Marley cantando, “Every little thing will be aright”, es una canción que hizo que el mundo se balanceara de un lado a otro con una sonrisa. Little Milton diciendo: “El blues está bien” hizo que el mundo se moviera y juntaran sus manos. Quiero que mi música haga esas cosas. Quiero que la música haga reír, sonreír y abrazar a la gente. Es casi nostálgico pensar en eso. Lo triste es que, dentro de 20 años, ¿qué encontrarán nostálgicos los niños?

¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en los caminos de la música?

Kevin: La lección más importante que he aprendido hasta ahora es que nunca sabes tanto como lo crees. Hoy aprendí más de lo que sabía ayer. Cada etapa por la que camino me mostrará una manera diferente de hacer lo que hago. Cada vez que conozco a un artista que lleva más tiempo en la música que yo, aprendo algo nuevo. Cada vez que tengo una conversación con mi padre, ya sea un cumplido o una crítica, aprendo algo nuevo. Creo que donde me contuve como músico fue cuando era joven, pensaba que sabía algo y era la única forma de saberlo. Ahora sé cuánto más podría haber aprendido, y realmente duele pensar en eso a veces. Pero en el futuro, trataré de no encasillarme de esa manera.

John Coltrane dijo: “Mi música es la expresión espiritual de lo que soy…”. ¿Cómo entiendes el espíritu, la música y el sentido de la vida?

Kevin: Mi espíritu aún no está hecho. Está fijado, es decir que tiene su ancla y fundamento, pero aún no está definido. La música es parte de mi espíritu, si no la forma más pura de expresar mi espíritu, pero no está sola. Tiene compañía en la que confío. Tiene aspectos de mi padre y abuelo, de mi madre y abuelas. Esas cosas me consuelan. El espíritu es como un río. Tiene su forma. Tiene una estructura fija, como la fe. Sin embargo, las cosas que residen dentro son sus habitantes. Hay plantas que alimentan a las otras cosas y controlan cómo progresan. Mi familia y otras influencias son como las plantas. La música, el amor, la confianza, la cautela, la valentía, la audacia. Esas son las cosas que se alimentan de esas plantas. Creo que mantener su río lo más puro y saludable posible es el significado completo de la vida.



The Cash Box Kings: La Celebración del Blues (Oscar Wilson & Joe Nosek / Foto © por Janet Mami Takayama)

Los Cash Box Kings son la realeza del blues. Co-dirigidos por el cantante y compositor de blues de Chicago, Oscar “Mr. 43rd Street” Wilson y por Joe Nosek, compositor, gigante de la armónica y cantante de Madison, Wisconsin. La banda toca magistralmente un blues crudo y sin adornos. La enorme y áspera voz de Wilson y la poderosa armónica de Nosek, alimentan sus canciones originales nítidas. Con su maestría musical de primer nivel y su característico buen humor, The Cash Box Kings son una banda de blues única en su tipo. Con su último lanzamiento en Alligator Records, Oscar’s Motel (2023) y fechas de gira programadas en los Estados Unidos, Canadá y Europa, The Cash Box Kings se han ganado su propio trono de blues y están listos para celebrarlo.

¿Cómo ha influido la música blues en tu visión del mundo?

Oscar: El blues me ha llevado a muchos lugares a los que nunca imaginé que iría. El blues ha influido en mi vida desde que era niño. Mi padre era un músico de blues que murió dos meses antes de que yo naciera. Mi madre tocaba blues en la casa desde que tengo memoria. Tuvimos fiestas de blues, con pescado frito, los viernes por la noche en mi casa. Gente como Elmore James, Junior Wells y Honey Boy Edwards venían y tocaban la guitarra. La primera vez que canté blues fue con Honey Boy Edwards en una de esas fiestas cuando solo tenía 8 años. El blues ha sido una forma de vida para mí.

¿Cómo describes la filosofía musical y el repertorio de la banda? ¿De dónde viene su impulso creativo?

Oscar: Mi impulso creativo viene de mi vida y mis experiencias como ser humano. He tenido el blues, porque me he ido a la cama con hambre por la noche sin comer cuando era niño. He tenido el blues, porque perdí a una mujer que es lo más importante en mi vida. Todo ser humano tiene el blues. Pero el blues de cada quién es diferente y único.

Joe: Estamos dedicados a continuar con la tradición musical de los años 40 y 50 del Chicago Blues. Hay muchas bandas de “blues” hoy en día que tocan música mucho más cercana al rock que al blues tradicional. Queremos celebrar el clásico Chicago Blues que fue popularizado por personas como: Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Little Walter y Jimmy Reed. Pero al mismo tiempo, queremos traer nuestra propia voz a la música y llamar la atención sobre los problemas sociales que son relevantes en la actualidad. Es por eso, por lo que la banda graba e interpreta mucho de nuestro propio material original. Oscar y yo creemos firmemente que los músicos deben usar su voz para concienciar a la gente sobre las cosas que deben cambiar en la sociedad. Hemos escrito canciones sobre la violencia armada, la pobreza, la vivienda accesible, la gentrificación y la brutalidad policial. La música blues es una música viva, y queremos hacer música con la que la gente pueda relacionarse hoy.

¿Hay algún recuerdo específico o punto destacado de su carrera que les gustaría contarnos?

Joe: Para mí, tocar en el Festival de Blues de Chicago por primera vez, fue un verdadero punto culminante. Fui al Festival de Blues todos los años desde que tenía 14 años. Luego, muchos años después, me encontré tocando en el mismo escenario en el que vi tocar a gente como a: Jimmy Rogers, Sunnyland Slim, Robert Lockwood y muchas otras leyendas. Fue un sueño hecho realidad. Otro momento destacado para mí, ha sido la oportunidad de tocar en el escenario con algunos de los músicos que idolatraba. Personas como Willie “Big Eyes” Smith, Billy Boy Arnold y Buddy Guy.

Oscar: El primer lugar al que viajé fuera de Estados Unidos fue Lucerna, Suiza, para tocar en el Festival de Blues de allí. Esa fue una experiencia muy importante para mí, y comenzó una larga serie de viajes que me han permitido llevar mi blues al mundo.

¿Qué es lo que más extrañan del blues del pasado? ¿Cuáles son sus esperanzas y temores para el futuro del blues?

Oscar: Extraño escuchar blues REAL en la radio. Mucho de lo que llaman blues hoy, no es BLUES, es ROCK. Ojalá los festivales prestaran más atención a bandas como la nuestra que tocan BLUES REAL.

Joe: Al igual que Oscar, realmente extraño la posibilidad de ir y escuchar blues tradicional real. Muchas de las leyendas del blues del apogeo del Chicago Blues han muerto. Extraño los días en que podías salir y ver a las leyendas originales del blues, tocando blues las 7 noches de la semana en Chicago.

¿Cuál es el impacto del blues en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a las personas?

Oscar: El blues es una parte muy importante de la experiencia afroestadounidense y viene de la época de la esclavitud. Ha sido una forma para que los negros expresen su tristeza y sus penas, así como su esperanza. Quiero que la gente sepa que la música blues no es música triste ni deprimente. Todo el mundo tiene tristeza en algún momento de su vida. El blues de todos es diferente. Pero la música blues puede ayudarte a lidiar con las luchas de la vida. También puede ser una forma de expresar felicidad y alegría. La música blues es una música de celebración. Cuando toco música blues, espero que llegue a la gente a un nivel emocional y les traiga alegría. Es muy importante para mí que la música blues se transmita a la próxima generación y que nunca muera.

¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que han aprendido de sus experiencias en los caminos de la música?

Joe: Ser músico me ha enseñado la lección de la perseverancia. Hemos tenido que trabajar duro y esforzarnos para llegar a donde estamos hoy como banda. Pero ese arduo trabajo ha valido la pena. Cuando era un adolescente que entraba a escondidas en los bares de blues de Chicago, nunca soñaba que algún día podría tocar en los lugares en los que he tocado y ser parte de sellos de blues como: Blind Pig y Alligator.

Justo anoche, los Cash Box Kings tocaron en el club Legends Blues de Buddy Guy en Chicago. Una hora después de que comenzamos a tocar, Buddy Guy subió al escenario y comenzó a cantar con nosotros. Me dijo que quería subir al escenario con nosotros porque la música que tocábamos, le recordaba la música blues que escuchó cuando llegó por primera vez a Chicago. Me dijo que mi armónica sonaba igual que Little Walter. Podría haber muerto e ir al cielo después de escuchar a Buddy decir eso. Ni en un millón de años pensé que me pasaría algo así. He trabajado duro durante 35 años estudiando y tocando esta música, y cuando pasa algo así, todo vale la pena.

Oscar: La música blues es parte de lo que soy. Mi padre era un hombre de blues y estoy orgulloso de continuar con la tradición del blues. Esta música me ha llevado a lugares a los que nunca pensé que iría. Nunca pensé que un chico pobre del lado sur de Chicago pudiera viajar por todo el mundo tocando esta música. Voy a seguir tocando esta música todo el tiempo que pueda.



Paul Filipowicz: El blues está vivo y sano. Foto © por Sweet Music Chica

El cantante, guitarrista, compositor y armonicista, Paul Filipowicz, es un ídolo del blues de la escena mundial actual. Es uno de los últimos guitarristas de blues que literalmente creció con Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon y Hound Dog Taylor. Con fuertes raíces en Chicago, puedes escuchar a todos los grandes de Chicago en su forma de tocar. Su primer blues en vivo que presenció fue a principios de los años 60, mientras esperaba afuera de un club en el lado sur de Chicago, Otis Rush y su banda la estaban haciendo allí mismo a plena luz del día. ¡Era guitarra eléctrica!

Aprender de oído era la única forma de aprender blues en esos días. Algunos de sus mejores recuerdos son los espectáculos con: Hound Dog Taylor, Otis Taylor, Lefty Dizz, Jimmy Dawkins, Luther Allison y Mighty Joe Young, en los años 70. En 2015, Paul Filipowicz fue incluido en el “Salón de la Fama del Blues de Chicago”. Cincuenta años de transnochar y 10 discos. ¿Qué hace ahora un bluesman? ¿Qué tal “Old Time Superstition” con guitarra slide y batería vudú? ¿Qué tal un shuffle al estilo de Howlin’ Wolf llamado “Angel Face”? ¿Qué tal un poco viejo y un poco nuevo? “Pier 43” (2022) se titula el nuevo álbum, número 11, de Paul Filipowicz.

¿Cómo has crecido como artista desde que empezaste? ¿Qué ha permanecido igual en tu proceso de creación musical?

Paul: He invertido físicamente sesenta años en mi crecimiento musical. Destrocé relaciones, destrocé autos, me casé y crié a tres hijos y trabajé en la construcción pesada durante más de 50 años. Todo el tiempo ejerciendo mi pasión de ser un bluesman profesional, a veces hasta cinco o seis noches a la semana y hasta tres shows los sábados.

Es difícil ponerlo en perspectiva. En mi último lanzamiento, “Pier 43”, puedes juzgar por ti mismo cómo he cambiado. Hay dos temas adicionales en este álbum de 1979. Puedes compararlos tu mismo. La única diferencia es que comencé a usar reverb en mi guitarra a mediados de la década de 1990. Lo que permanece igual en el proceso es que sigo practicando tanto como sea posible. Tengo que mantener mis manos sueltas. Tengo artritis y puede ser doloroso. A la larga, me parece mejor trabajar en esto. Me suscribo a la filosofía de “muévelo o piérdelo”.

Todavía escribo canciones tomando un pensamiento o sentimiento cotidiano que estoy experimentando y trato de cantarlo. Si es una verdadera inspiración, no puedo dejar de cantarla. Luego lo escribo para recordar la mayor parte. A veces escribo otras ideas abstractas para guardarlas para experimentaciones posteriores. A veces puedo pasar días o incluso semanas sin inspiración. A veces no puedo escribir las cosas lo suficientemente rápido. Es una experiencia muy emotiva para mí. Lo que ha cambiado es el grupo de talentos. La mayoría de los músicos están aprendiendo de personas que nunca experimentaron de primera mano a los fundadores originales del blues. Ver a un grupo de profesionales del blues, bien acoplados, es una síncopa en sí misma. Ahora soy principalmente el maestro, en lugar del estudiante. Trabajo mucho más duro para mí.

¿Por qué el blues nunca ha sido parte del pop o de la música popular? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica y el alma?

Paul: Podría estar malinterpretando la primera parte de esta pregunta. Creo que el blues se encuentra en casi todas las formas de la música estadounidense original. Por ejemplo, “Moon River” de Henry Mancini, para mí solo es una débil imitación de “Summertime”.

Recibí un regalo único. La primera vez que escuché blues en la radio tenía seis o siete años y pensé que estaban tocando esta música solo para mí. Así de poderosa es la música blues para mí. Lo supe de inmediato. Aunque me tomó mucho tiempo descubrir cómo escuchar más blues o qué hacer al respecto. Así que lo que he hecho a lo largo de mi carrera de interpretación y grabación es tratar de compartir mi sentimiento por esta música, interpretando lo que llega a través de los mensajes confusos que todos recibimos a diario y clarificándolo en un impulso musical. Esas son muchas palabras para la palabra alma.

¿Es más fácil tocar blues a medida que envejeces? ¿Qué crees que es clave para una vida musical bien vivida?

Paul: Para mí, la “acción de tocar blues” es más o menos lo mismo ahora que hace años. Mis manos no son tan ágiles como antes, pero una vez que empiezo eso, no importa. A veces tengo un concierto por venir y digo: “Oh, diablos, va otra vez“. ¿Tengo que conducir tres horas hasta dónde? Pero luego sigo mi rutina de afeitarme, ducharme y cargar mis guitarras en la camioneta y para entonces estoy listo… “Let’s Roll”. Y me pongo algo de Howlin’ Wolf y algo de Hound Dog Taylor, y empiezo a mentalizarme. Cuando llego no estoy pensando en la edad que tengo, estoy pensando en la suerte que tengo de tener un concierto y en representar la música que amo, y por supuesto, por estar vivo para hacerlo.

Entonces esto me lleva a la segunda parte de la pregunta. Mi gratitud por poder salir y mostrarle a la gente el impacto real que tiene mi amistad con verdaderos maestros del blues; Luther Alison, Jimmy Dawkins, Mighty Joe Young, Lefty Dizz, Hound Dog Taylor, Buddy Guy, solo por nombrar algunos. El impacto que tuvieron en mí al ver a un artista en vivo. Su aliento y guía. Es importante para mí comprender lo que implica la tradición de la guitarra en el lado oeste.

Los otros guitarristas que me influyeron personalmente en sus presentaciones en vivo fueron, por supuesto, Freddie King y Muddy Waters, ya que los vi al menos diez veces, pero nunca hubo tiempo suficiente para más que unas pocas palabras amables y un apretón de manos. Otis Rush lanzando un hechizo en una habitación una experiencia emocional increíble. Cuando fui incluido en el Salón de la Fama del Blues de Chicago en 2015, me di cuenta de que era un poco más de lo que esperaba cuando decidí ser un guitarrista de blues. Así que me propongo en cada actuación invocar los nombres de los grandes que compartieron el don de la música conmigo. Muchos más vi en vivo como a Howlin’ Wolf, Willie Dixon, Albert King, Albert Collins. La lista es interminable. Sin olvidar a Sam Lay. Un gran gato.

¿Cómo te preparas para una grabación y para las actuaciones a fin de mantener la resistencia tanto espiritual como musical?

Paul: Me preparo de la misma manera para ambos. Toco mi guitarra todos los días. Si mi artritis anda mal, le doy un descanso, pero toco todos los días. A veces tomo un paracetamol antes de tocar en vivo. tengo que admitir salimos de una carrera de tres días antes de grabar “Pier 43” y cada nota que tocaba dolía, así que no pensé que estaba tocando bien. Pero escucho y es donde estaba en ese tiempo y espacio.

Me digo a mí mismo: “Tal vez lo intentemos de nuevo la próxima vez“. Tengo un montón de esos guardados. Por supuesto, antes de una sesión de grabación hemos ejecutado la mayor parte del material. En los últimos diez años, más o menos, trato de tener el material “nuevo” lo suficientemente bajo como para que podamos tocarlo en nuestros programas. Cuando tengo una nueva inspiración, la trabajo directamente en el programa. Luego puede evolucionar hacia lo que funciona y lo que no.

¿Cuál ha sido el obstáculo más difícil de superar como persona y artista, y que te ha ayudado a convertirte en un mejor músico?

Paul: La vida en general. Levantarme e ir a trabajar todos los días como techador durante cuarenta y siete años le daría a cualquiera una actitud. Creo que esa actitud sale en mi música. Creo que represento al verdadero trabajador en mis palabras y música.

John Coltrane dijo: “Mi música es la expresión espiritual de quién soy…” ¿Cómo entiendes el espíritu, la música y el significado de la vida?

Paul: Creo que que he comentado muchos de esos ángulos en las respuestas anteriores. John Coltrane es un genio del pensamiento profundo. Fuera de mi alcance. Pero estoy de acuerdo, Blues es una experiencia espiritual. El significado de la vida, la muerte, la risa está todo ahí en la música. A veces una nota a la vez.

Un punto de encuentro para personas de todas las edades que son desenfrenadas de corazón, Chicago se adelanta a su tiempo al adoptarlos. ¿Por qué esta ciudad era la meca del blues?

Paul: Chicago es una gran ciudad. ¿Por qué una meca del blues? Con el inicio de la segunda guerra mundial, había una cantidad increíble de puestos de trabajo para cubrir. Chicago era un gigante manufacturero y mucha gente de todas las creencias emigró allí en busca de trabajo. Al llegar, los negros descubrieron que el Jim Crowismo estaba menos arraigado y que muchas familias, blancas y negras, trajeron al resto de su gente de los estados del sur.

Cuando Muddy Waters conectó su guitarra a un amplificador, el blues evolucionó y comenzó la tradición del Blues Eléctrico de Chicago. La música de Muddy y Wolf le recordaba a la gente sus raíces sureñas y se hizo popular primero a nivel local, luego a nivel nacional, luego a nivel internacional cuando los muchachos del Rock and Roll hicieron copias. Me atrevería a adivinar que Willie Dixon ha escrito tantos éxitos de R&R como casi cualquiera. He tocado en conciertos en todo el sur, en todo Estados Unidos e hice un viaje rápido a Mongolia y, en mi opinión, el Buddy Guy’s Legends es el epicentro del Chicago Blues moderno. ¡Qué gran persona! ¡Larga vida a Buddy y a todos!