Neal Smith, Fabrizio Poggi y Arti Funaro
Érase una vez en la música. Entrevistas con Neal Smith, Fabrizio Poggi y Arti Funaro
Neal Smith: Forajido de la Música Western. Fotos por Jayson Byrd
El más reciente álbum con 10 temas de Neal Smith, KillSmith Goes West (2023), es el cuarto de su serie como solista de KillSmith, se dirige en un estilo completamente nuevo. Las contribuciones percusivas, musicales y compositivas de Neal y su influencia en el mundo del rock son indiscutibles.
Desde el innovador estilo de shock rock de la legendaria banda multipremiada “Alice Cooper”, hasta el presente, Neal siempre ha asumido el desafío de explorar nuevas direcciones musicales. Sus primeras influencias musicales no fueron solo rock, big band swing, teatro y música de cine, sino también country western.
Con el espíritu narrativo y la tradición de leyendas de grandes cantautores como: Franke Lane, Johnny Horton, Jimmy Dean, Tennesee Ernie Ford, Johnny Cash y Hank Williams, Neal continúa con ese espíritu western en el disco y sus diez nuevos forajidos; son definitivamente, canciones de Country Rock.
¿Qué caracteriza tu nuevo álbum?
Neal: El álbum se llama Killsmith Goes West, y tiene un poco más de rock, western y country, que antes no había hecho. Hay algunas canciones nuevas y canciones con las que he estado rondando durante mucho tiempo, y decidí armar un álbum con ese tipo de sentimiento y también estoy muy entusiasmado con ello.
¿Cómo ha cambiado tu enfoque de la composición después de años?
Neal: Soy baterista, como sabes, pero siempre tengo una guitarra. Glen y Michael me enseñaron los acordes hace mucho tiempo. Entonces después de los años puedo tocar mejor la guitarra, y los teclados. Lo suficiente para escribir canciones en mi proyecto como solista de KillSmith que comencé a principios de la década de 2000. Toco la guitarra rítmica en esas canciones. Incluso con el álbum reciente, que acabamos de grabar. Hay una canción llamada “Social Debris”. Una anterior a esa hubo otra canción llamada “Genuine American Girl” que escribí para el álbum “Paranormal”.
Hicimos un sencillo que estaba apagado. En “Welcome 2 My Nightmare” que era, “I’ll Bite Your Face Off”, y que también escribí. Así que me mantengo creativo, pruebo diferentes estilos. En este nuevo álbum, que no es tan heavy metal ni tan punk como mis álbumes anteriores, todavía tiene este elemento compositivo. Siempre es un desafío escribir en nuevas direcciones e intentar enfrentar esas partes de ser músico y compositor. ¡Trabajo con grandes músicos! Tecladistas, guitarristas y bajistas con música para KillSmith. Y estamos poniendo toda la música en la pista tal como la escucho en mi cabeza. ¡Y todos le dan vida!
¿De dónde viene tu impulso creativo?
Neal: La forma en que escribo. Puede ser música primero. O las letras primero. No hay una fórmula. No soy yo diciendo: “¡Así es como le voy a hacer a esto!”. Porque, puedo estar en el teclado, a veces también puedo estar en la batería. A veces puedo estar en la guitarra. A veces solo canto la melodía. A veces escribo letras. Así que no hay fórmula. Para mí, puede ir en muchas direcciones. Cuando escribo canciones, generalmente me imagino a Alice cantando, esa es la banda con la que más me identifico. Además, mucha de mi música como solista, me imagino cantando también. Así que no hay una fórmula segura para hacer eso. A veces puede ser muy emocional. A veces se me ocurre el sentimiento de una canción. Y luego, hago la música y tengo las palabras para ella. No lo estoy pensando demasiado.
No soy un gran filósofo cuando se trata de escribir canciones. La primera letra que escribí fue para una canción llamada “Apple Bush” en el álbum “Pretties Of You”. Esa fue la primera vez en mi vida. Y el tiempo, era para hombres jóvenes. Estaba en mi adolescencia averiguando si quería seguir mi carrera musical o una carrera más tradicional en mi vida. Esa era la lucha por la que estaba pasando. Eso fue emotivo. Lo escribí, algunas letras metafóricas. Eso fue único. Escribí sobre mi hermana y mi madre, una madre soltera divorciada. Sobre mi hermana Cindy, nuestra madre y yo. Eso fue muy personal. Realmente no escribo mucho sobre eso.
A veces parece que estás escribiendo sobre relaciones, etc. Pero todo lo que tienes que hacer es mirar televisión durante una semana y encontrar miles de inspiraciones diferentes para escribir una canción. Hay muchas verdades. Pero para mí, el secreto principal sobre la composición de canciones es ¡COMENZARLO! Tienes que pensar en la idea en alguna parte. Entonces pensé, cuantas más formas puedo comenzar una canción, ya sea en la guitarra, en los teclados, en la batería, en la letra, sea lo que sea, eso es algo bueno. Porque tengo muchas maneras de inspirarme y escribir una canción.
¿Cuál es la historia detrás del nombre de la banda “Alice Cooper”?
Neal. En la primavera de 1968, nos llamábamos: The Nazz. Pronto descubrimos que había otra banda con Todd Rundgren en Filadelfia, Pensilvania que tenía el mismo nombre, The Nazz y acababan de firmar un contrato discográfico. Entonces, la ley no escrita del rock ‘n’ roll es que alguien que tiene el mismo nombre que el tuyo y consigue un contrato discográfico, debes cambiar tu nombre.
Tuvimos un período de tiempo para pensar en un nuevo nombre. Fue a fines de febrero y marzo de 1968. Estábamos en Arizona y Alice y yo estábamos jugando en un tablero Ouija con un amigo nuestro, Dick Christian, que era casi como nuestro gerente, gerente de giras. En ese momento, también era un amigo nuestro de la universidad y de la escuela. Estábamos con un tablero Ouija y hablábamos de vidas pasadas.
Preguntábamos, cuáles eran nuestros nombres. Lo jugué primero y sacó una historia sobre una vida pasada y luego Vincent, que se convirtió en Alice, estaba jugando con Dick Christian y preguntó un nombre sobre una vida pasada y deletreó “Alice Cooper” en el tablero Ouija.
Estuve allí, de ahí se originó el nombre y cualquier otra historia no es cierta. Entonces, era solo un nombre. Era solo un juego divertido que estábamos jugando y luego, un mes después, cuando tuvimos que pensar en un nombre para la banda, ese siguió apareciendo, así que finalmente todos decidimos por igual, todos nosotros -entre Glen, Dennis , Michael, yo y Vince en ese momento- que Alice Cooper sería el nuevo nombre de nuestra banda.
¿Te diste cuenta a principios de los 70 de que tu espectáculo con Alice Cooper se adelantó a su tiempo?
Neal. Creo que encontramos nuestro nicho. Cuando cambiamos nuestro nombre por primera vez a Alice Cooper, tuvimos que averiguar quién era Alice Cooper. Todos teníamos carreras universitarias y juntos éramos personas muy creativas. Las ideas venían de Dennis, de Glen, de Michael, de mí, de Alice, todo el día, todos los días. La silla eléctrica fue idea de Dennis Dunaway, la silla eléctrica en la canción “Black Juju” de “Love It to Death” y luego continuamos a la horca en el álbum “Killer” y “School’s Out” y luego a la guillotina en el Billion Tour.
Entonces, una vez que descubrimos lo que estábamos haciendo, eso era solo lo nuestro. Cada banda tiene que descubrir cuál es su nicho, en qué son buenos, qué nunca se ha hecho antes. Una vez, entramos en el aspecto teatral, agregamos violencia, pero violencia como en una película. Es por diversión, es por el espectáculo, es teatral. Una vez que tuvimos eso, eso fue lo nuestro. Ese era nuestro nicho.
Entonces, hoy en día es solo un estándar en el programa de Alice, pero en aquel entonces, cuando lo hicimos por primera vez, fue algo realmente innovador. Nos prohibieron muchas ciudades, nos odiaban y a los fanáticos les encantaba esto y eso se debe a lo locos que estábamos en el escenario y les estábamos dando algo que nunca habían visto. Creo que gran parte de nuestra música se escucha a lo largo de los años y todavía suena viable y superó la prueba del tiempo.
Tal vez se adelantó a la época, no lo sé, pero se estaba grabando mucha música progresiva a principios de los 70. Parte de ella, todavía se está reproduciendo. Parte de eso no lo es, pero mucho de eso, que no se está tocando ahora, sigue siendo buena música. Una vez más, no planeamos nada, solo estábamos tratando de escribir nuestro próximo álbum y, cuando tuviéramos suerte, sería un álbum exitoso y, por supuesto, “Billion Dollar Babies” llegó al número 1 en todas las listas de éxitos en Estados Unidos. Unidos y muchos de ellos en Reino Unido y Europa.
¿Qué significa para ti ser un miembro del Salón de la Fama del Rock & Roll?
Neal: Fue un gran honor, pero estaba muy triste por Glen Buxton, nuestro guitarrista principal que falleció en 1997, desafortunadamente. Estuve con él durante dos semanas, una semana antes de que falleciera, justo antes de que falleciera. Entonces, eso es lo triste del Salón de la Fama. Me entristeció que no lo logramos, cuando Glen todavía estaba vivo, pero estaba muy feliz por los fanáticos de todo el mundo que se habían quedado con nosotros y nos habían sido leales, todo el tiempo, desde los años 70 hasta 2011, más de 40 años. Entonces, estábamos muy felices, pero yo era el más feliz por los fanáticos.
En lo que a mí respecta, el premio que está en mi casa del Salón de la Fama del Rock and Roll, pertenece a los fans del mundo, los fans originales de Alice Cooper Group, por supuesto. Sin ellos, nunca hubiéramos estado en ese escenario para ser incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll. Todavía estoy honrado y muy agradecido hasta el día de hoy, que lo que hicimos, lo entendieron, lo disfrutaron, les entretuvo, significó mucho para sus vidas como personas, niños en la escuela, algunos de los militares en Vietnam, las historias que he escuchado a lo largo de los años.
Entonces, influenciamos a mucha gente en muchos lugares alrededor del mundo y creo que cuando lo miro, en esa perspectiva, el Salón de la Fama del Rock and Roll fue algo grandioso para nosotros y es casi divertido ahora: éramos aceptados en el mundo de la música en lugar de ser como los chicos malos del rock ‘n’ roll. Pero lo tomaré por lo que es y estoy muy orgulloso de lo que hicimos Glen Buxton, Dennis Dunaway, Michael Bruce, Vincent Furnier, también conocido como Alice Cooper, y yo, Neal Smith. Estoy muy orgulloso de todos nosotros por lo que hicimos, lo que logramos con la ayuda de Bob Ezrin, Shep Gordon y Joe Greenberg. Por lo tanto, me siento muy honrado por nuestra inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2011.
¿Hay algún recuerdo de Syd Barrett y Pink Floyd cuando se quedaron en tu casa que te gustaría compartir con nosotros?
Neal: Syd Barrett estaba en otro planeta. Cuando llegaron a la casa, él estaba realmente en otro planeta. Se acercó a la esquina de la habitación, puso su nariz en la esquina y se quedó allí durante horas y horas y horas. Nadie habló realmente con Syd Barrett. Estábamos ocupados con los otros chicos de la banda en ese entonces, pero él era realmente un don nadie.
Desafortunadamente, fue una víctima de todos los demonios del rock ‘n’ roll y creo que se excedió a una edad temprana. Gran, gran talento. “The Piper at the Gates of Dawn” (1967) es un álbum fenomenal, todavía en mi top 10 de álbumes favoritos en el rock ‘n’ roll. Me gustaría decir: “Tuve la oportunidad de hablar con él”, pero, lamentablemente, nunca nadie habló con él. Siempre estaba tan fuera de sí, pero tenía un talento increíble y no me sorprendió que eventualmente tuviera que ser reemplazado en la banda.
¿Qué echas de menos de la escena musical de finales de los 60 y principios de los 70?
Neal: Fue emocionante desde un par de niveles. Porque, antes que nada, conozco a Alice y Dennis y Michael y Glen de una universidad, aquí en Arizona Y éramos amigos. Estábamos en diferentes bandas. Pero supe que Glen Buxton era de Akron, Ohio, en el medio oeste de los Estados Unidos, de donde soy. Así que éramos casi hermanos de inmediato. Simplemente evolucionó cuando la banda en la que estaba se separó. Yo estaba en California, ellos estaban en California. Nos reunimos en Santa Mónica en 1967. Éramos buenos amigos. Su baterista – John, renuncia. John era un buen amigo mío. Así que me pidieron que me uniera a la banda. En ese momento ya habíamos tocado juntos. Cuatro músicos: yo, Michael, Dennis y Glen.
Así que teníamos instrucciones y esos jams nos llevaron a algunas canciones que quedaron en los dos primeros álbumes de Frank Zappa: “Pretties For You” y “Easy Action”. Creo que, principalmente, hubo dos cosas emocionantes: estaba trabajando con mis amigos. Yo estaba tocando en un grupo de mis mejores amigos. Y todos nosotros: Dennis, yo, Michael, Glen y Alice: NO HABÍA LÍMITES para nuestra creatividad.
Salimos con el nuevo nombre en marzo de 1968: Alice Cooper. ¡Pudimos hacerlo como quisimos hacerlo! Esa fue una parte emocionante: se acercaba una nueva década. Los años 60 casi se habían ido. Muchos grandes músicos de los años 60 estaban muriendo a causa de las drogas, las sobredosis, el abuso del alcohol y todos los males del rock and roll. Tuvimos una década completamente nueva. Y creo que era el momento adecuado para una banda como Alice Cooper. Nos volvimos muy teatrales. Había mucha violencia en nuestros shows. Asustábamos a la gente.
¡Pero encontramos el nicho! Había bandas que tenían un lado bastante oscuro. Pero nadie se metió en esa dirección. Fue difícil, como lo hizo la Alice Cooper original. Entonces, una vez que tuvimos eso, pudimos grabar himnos como “School’s Out” y “I’m Eighteen”. La falta de canciones que vincularan el valor impactante de Alice Cooper y el valor comercial de Alice Cooper: ahí es donde entraron. Esa fue una parte emocionante.
¿Cómo lo tomamos, lo creamos y lo hacemos comercial? Y luego dárselo a cientos y miles de miles de millones de fanáticos en toda Europa, América del Sur, Canadá, Australia, Japón. Esa fue una parte emocionante. Comenzamos algo completamente nuevo, sabíamos lo que estábamos haciendo. Y siempre ha sido directo a este camino. Todavía es sorprendente que prevalezca casi 60 años después… Cambiamos nuestro nombre el 16 de marzo de 1968: Alice Cooper.
Fabrizio Poggi: El César de la Armónica. Fotos por Mario Rota
El cantante y armonicista, Fabrizio Poggi, representante de Hohner, viajero, musicólogo, escritor, periodista y sorprendente intérprete, ha grabado quince álbumes, la mayoría en Estados Unidos. Las actuaciones de Fabrizio han sido descritas como espectaculares, totalmente cautivadoras, asombrosas, atractivas y conmovedoras con un sonido verdaderamente único.
Durante su larga carrera ha tocado en los clubs y festivales más prestigiosos de Europa y Estados actuando en escenarios o en sus propias grabaciones con artistas legendarios como: Garth Hudson, The Blind Boys of Alabama, Charlie Musselwhite, Flaco Jiménez, Little Feat, Otis Taylor, Eric Andersen, Blues Brothers Band, Bob Margolin, James Cotton, Robert Plant, Robben Ford, Tony McPhee, Doug MacLeod, Mitch Woods, Eddie Bo, Super Chickan y muchos otros.
Para su álbum #25 Basement Blues, Fabrizio Poggi decide abrir sus archivos o mejor dicho su sótano. El título y la portada están inspirados en la fabulosa Pink House donde Bob Dylan y The Band grabaron en Woodstock en 1967 las míticas Basement Tapes. Este álbum es una colección de tomas descartadas y rarezas que rinde un tributo obediente a los grandes del blues y a The Band, cuya película, The Last Waltz, contribuyó a dar a luz a la pasión de Fabrizio por el blues y por la música de la extraordinaria banda canadiense.
¿Qué has aprendido del blues y qué significa para ti?
Fabrizio: Hace algunos años vi estas palabras escritas en la pared de una antigua tienda de discos en Mississippi: “Si no te gusta el blues tienes un agujero en el alma”. Y es verdad. Para mí el blues es un milagro. El milagro del blues es que está tan lleno de poder y sabiduría que llega a todos los corazones del mundo. No importa dónde naciste, qué idioma hablas o de qué color es tu piel. El blues y lo espiritual, y la música en general, son regalos asombrosos, muchos de maravillosos cantantes desconocidos, para sanar el alma de las personas. Esta música clama por la paz y la justicia. Todo el tiempo en todo lugar…
¿Qué experiencias en tu vida te hacen un BUEN BLUESMAN y un BUEN COMPOSITOR? ¿Cómo describes tu música?
Fabrizio: La verdad es que no lo sé, pero gracias por tus palabras. No sé si soy realmente un buen bluesman y compositor. Lo único que sé es que siempre trato de tocar el corazón de las personas. Y cuando puedo hacerlo, es un momento increíble. Mi música es una mezcla de la música con la que crecí: folk, blues, góspel, canciones de cantautores. Mi palabra clave es honestidad. Si eres fiel a ti mismo, la gente lo sentirá. Nunca intentes ser otra persona. No intentes fingir ser otra persona y la gente lo apreciará mucho. A la gente le gusta ver tu alma cuando actúas.
Hace unos años, leí que para alguien, “el infierno es la experiencia de estar separado de Dios”. Después de salir de mi profunda depresión, mi propio “infierno en la tierra” personal, me di cuenta de que para mí cantar blues y góspel era una forma de mantenerme conectado con lo que yo llamo “cielo”. Tal como lo fue para los esclavos africanos en Estados Unidos, la música en general, y el blues y la música espiritual en particular, es mi clave para sobrevivir en este “viejo mundo”.
¿De quién has aprendido más secretos sobre el blues?
Fabrizio: Tal vez parezca un poco extraño, pero la mayoría de las cosas que aprendí en mi juventud provinieron de los discos. No había computadoras, Google, YouTube y los libros de instrucción musical eran muy difíciles de encontrar. Me tomó seis meses aprender algo que hoy un niño puede aprender en un día. También con el idioma inglés era lo mismo. Siempre lo bromeo, pero mis profesores de inglés realmente eran Muddy Waters y Howlin’ Wolf.
¿Qué extrañas hoy del viejo blues? ¿Cómo ha cambiado el blues a lo largo de los años?
Fabrizio: El blues actual, es hijo del blues de la vieja escuela cuando se toca con honestidad en el alma del músico. No hay que olvidar que la música de Robert Johnson o Muddy Waters era muy moderna en su época. Muy contemporánea. El blues es una música siempre cambiante por eso puede sobrevivir a través de años y años. Lo importante para tener en cuenta es que el blues no es solo entretenimiento “puro”. Es mucho más: es una poderosa medicina para curar la tristeza del mundo. Así que el blues necesita respeto.
¿Te gustaría contar tu mejor recuerdo sobre Blind Boys of Alabama y Charlie Musselwhite?
Fabrizio: Grabar y tocar en vivo con ellos fue otra especie de milagro. Realmente tener la oportunidad de cantar con los legendarios Blind Boys of Alabama es uno de los mayores privilegios musicales de mi vida. Cada vez que escucho mis grabaciones con ellos, todavía me siento humildemente incrédulo. Cuando escucho mi voz cantando con la de ellos. ¿Y qué puedo decir de mi ídolo Charlie Musselwhite? Él es una leyenda viva, también. Entonces, estoy en el camino. No estoy solo, ellos están conmigo. Para siempre. Y Jimmy Carter, el mayor de los Blind Boys, me llama hermano, y cada vez que lo hace me emociono hasta las lágrimas.
¿Sabes por qué la armónica está conectada con el blues y cuáles son sus secretos?
Fabrizio: No hay secretos. En los primeros días del blues, la armónica era barata y fácil de transportar. Y además este pequeño instrumento puede tocar como una voz humana haciéndote llorar o reír, imitar trenes y animales. Los afroestadounidenses fueron realmente geniales: entendieron muy pronto que podían tener una orquesta completa en el bolsillo y que era perfecta para el blues.
Algunos estilos musicales pueden ser modas, pero el blues siempre está con nosotros. ¿Por qué crees que es eso?
Fabrizio: Porque el blues es la madre, la raíz. Si algún día el blues se desvanece, toda la música moderna cambiará para siempre.
Cuando hablamos de blues solemos referirnos a momentos del pasado. Aparte de los viejos gatos del blues, ¿crees en la existencia del verdadero blues hoy en día?
Fabrizio: Oh sí, absolutamente. El mundo del blues a veces está un poco ocupado y, a veces, hay un pequeño malentendido sobre qué es el blues y qué no es el blues, por lo que no es fácil para los artistas jóvenes encontrar un lugar en él. Pero mis amigos: Eric Bibb, Otis Taylor y Guy Davis, traen blues de verdad a todas partes. Con Guy lancé un álbum llamado “Juba Dance”. Siempre estuve seguro de que un nuevo John lee Hooker o B.B. King estaba a la vuelta de la esquina.
¿Cree que hay un “mal uso”, que hay una tendencia a apropiarse indebidamente del nombre de blues?
Fabrizio: Oh, sí, hay mucho “mal uso”. Como suele decir mi amigo Charlie Musselwhite: “Muchas personas piensan que están tocando blues pero honestamente (y lamento decir eso) no… En absoluto…”. Tiene razón: el blues no son solo esos acordes I/IV/V, el blues no son solos largos de guitarra y armónicas, el Blues es Cultura, una forma de vivir la vida y mucho más…
¿Qué cosas prefieres hacer en tu tiempo libre? Felicidad es…
Fabrizio: Me encanta mucho leer libros y tocar solo para entretenerme como lo hacía en mis inicios. Cumplí la mayoría de mis sueños musicales, así que, ¿qué pedir más? La felicidad es tener buena salud con las personas que amas viviendo el día a día… Nada más que eso. Y no siempre es fácil lograrlo.
Ofrece un deseo al Blues
Fabrizio: Qué el Blues siga sanando nuestras penas y elevando nuestros espíritus hasta el fin de este mundo.
Arthur ‘Arti’ Funaro: El Arte del Blues. Fotos por Mario Rota & Jayson Byrd
El veterano guitarrista estadounidense Arthur ‘Arti’ Funaro, nació en Connecticut el 18 de julio de 1950 y estudió en Berklee College of Music en Boston, MA. También es conocido como Devlin 7, o Johnny Dime. Grabó y compartió escenario con Alice Cooper, Lloyd Perna, Bobby Bland, Otis Spann, Muddy Waters, Chuck Berry, Kat McCord, Happy Traum, Garland Jeffreys, Janis Ian, The Rhinestones, Eric Andersen, Kane Roberts y muchos otros.
¿Qué has aprendido de la cultura y los circuitos del Rock n’ Roll?
Arti: Fui empujado al circuito profesional del Rock & Roll cuando tenía 14 años. Sin embargo, me inspiró más allá de lo creíble desde los 4 años. No quería ser Elvis Presley. Quería ser su guitarrista. Elvis, Little Richard y Jerry Lee Lewis fueron mis íconos del rock. Incorporaron Rockabilly, Blues y mi favorito, Boogie Woogie en los arreglos de sus canciones. Solía pararme afuera de la ventana de la iglesia bautista negra calle arriba en el invierno solo para escuchar los ritmos y armonías inusuales y adictivos.
Me congelé hasta que el pastor me atrapó una noche y me invitó a entrar. ¡Los pianistas y los organistas me dejaban inconsciente! El precio de la entrada era tener que escuchar un sermón apasionado ya veces violento del Predicador. Cantó muuuuy bien. No me gustan mucho los coros de iglesia. Las armonías son demasiado simples y su vibrato podría derretir el papel tapiz. Hice mi propia guitarra con una caja de cigarros y dos varas de medir pegadas, y tocaba junto con la radio. Luego, cuando tuve la edad suficiente, mi papá me dejó tocar con la suya y finalmente me compró una propia. El resto es historia.
¿Qué significa el blues para ti?
Arti: El blues lo es todo para mí. Es como la sangre para un vampiro. Viví una vida solitaria muy desafortunada cuando era niño, siendo intimidado y golpeado a diario. Siempre fui enfermizo y débil. Mi papá era un músico sin trabajo que trabajaba como guardia de seguridad para vestirnos y alimentarnos. Se volvió alcohólico antes de que yo naciera, así que desafortunadamente ese fue mi punto de referencia. Mi mamá trabajó en una fábrica la mayor parte de su vida.
Yo era un niño “llave en mano” que estaba solo la mayor parte del tiempo. No tenía protección para ir y venir de la escuela. Siempre tenía moretones o cortes de algún tipo u otro. Yo era un niño sucio, maloliente y sin bañar, así que a las chicas tampoco les caía bien. Nunca salí en una cita hasta los 20 años. Conocí el “Verdadero Blues” cuando iba a la escuela de música. Mi papá murió cuando yo tenía 13 años, así que mi mamá tuvo que trabajar en 2 trabajos para ponerme ahí. Mi compañero de cuarto tenía un álbum de Albert King, “Born Under a Bad Sign” de Chess Records.
Cambio mi vida. Por primera vez, escuché música que expresaba cómo me sentía, hasta el fondo de mi alma. Después de eso, no pude tener suficiente. Aprendí, practiqué, aprendí un poco más. Tomé conciertos que no pagaban solo para tocar blues. Hasta el día de hoy, mis conciertos favoritos son cuando mi cuenta en el bar es mayor que mi paga por la noche y cuando salgo tengo una multa de estacionamiento en mi auto. No escucharía nada más durante años.
Tocaba en otros conciertos por dinero y luego, tan cansado como estaba, iba a clubes nocturnos para sentarme y “hacer presencia” y “pagar mis cuotas”. Me aceptaron en el mundo del blues, pero no sin luchar. Yo soy blanco. A veces no podía entrar a los clubes. A veces me amenazaban con robarme la guitarra si no me iba. Pero finalmente, después de que me dieron la oportunidad y saqué mi hacha, todo cambió.
Algunos blues cats decían que tocaba como un viejo y que tocaba muy “blanco”. Esto se debió a todas las bandas de Soul con las que toqué en mi adolescencia. James Brown, Wilson Pickett, Isley Brothers, y así sucesivamente. El blues me hizo amigos donde no tenía ninguno. Me consiguió mujeres y gané experiencia con ellas. Dicen que el blues se trata de un buen hombre que se siente mal. Nada podría estar más cerca de la verdad. He vivido la vida del hombre de blues, toda mi vida.
¿Cuáles fueron las razones por las que comenzaste las experiencias con el blues?
Arti: Empecé a investigar sobre el blues por dinero. Un cantante de folk de Woodstock (imagínense) consiguió un contrato para un libro y los libros iban a tratar sobre guitarristas, blues, rock, etc. Sabían muy poco sobre este género y estaban buscando un experto que escribiera. Realmente no quería hacer esto, porque era como escribir un libro sobre respirar o comer. Innecesario e insultante.
¿Quién iba a leer estas cosas, niños malcriados y aburridos? ¿Quién podría aprender sobre el blues de un maldito libro? Luego me dijo que tendría la mitad de la autoría y la mitad de las regalías y mi actitud cambió. Tenía que comer, hombre. ¡Mi trabajo resultó ser transcribir solos de guitarra (blues y rock) en notación musical y en una malditaTABLATURA! La tablatura representa pereza para mí. No la apruebo. Ahora vi a dónde iba esto. Los niños que tenían guitarras acústicas, que no podían leer música, iban a tener pequeños diagramas sobre dónde poner los dedos.
Sentí que me había vendido. Entonces… elegí los solos más duros y difíciles que hayas escuchado para los libros. Cosa que NADIE podía tocar. Era mi propia broma privada. De hecho, escribí el solo de guitarra de introducción de “Be Careful With a Fool” de Johnny Winter. No conozco a nadie más que a mí, que pueda tocarlo nota por nota, pero me sonreí pensando en cómo lo intentarían. Tal vez UNO “lo entendería”. Ese es el estudiante que estaba buscando. Obtuve más trabajos de escritura de ese libro, incluido uno de “Chicago Blues”.
No tenía voz creativa, excepto lo que podía hacerles creer que era bueno para vender más libros. Hice todo lo posible para mantener la calidad alta, pero libros como este son una porquería Todos ellos. No puedes aprender blues de un libro. Aprendes el blues de la vida.
¿Con qué personas has tenido las experiencias más importantes?
Arti: Una vez conocí a Albert King en un banquillo de un campo de béisbol. Fue como encontrarme con Dios para mí. Era el debut de los Young Rascals y el concierto se suspendió por lluvia. Fue en un campo de béisbol y la única protección estaba en el banquillo. El era un buen hombre. Jaco Pastorious era un conocido mío que me recordaba que me tomara las cosas con calma con las drogas y el alcohol.
No tuve muchos conocidos para mí en el mundo del blues. No me llevo demasiado bien con la gente y nunca cultivé relaciones laborales o personales con otros músicos de blues. Simplemente nos presentamos a nuestros conciertos y tocamos. Sin embargo, vi a los grandes del blues por todas partes: Johnny Winter, Jimi Hendrix, Albert King, Eric Clapton. Estos fueron mis maestros.
¿Cuál fue el mejor consejo que alguien te dio?
Arti: El mejor consejo que he recibido fue de B.B. King. Los Rhinestones fueron teloneros en Atlanta para él y lo conocí en el backstage cuando llegó para el show de la noche. Estaba practicando en el camerino con mi Gibson 355, igual que la suya, y se detuvo a escuchar un poco. Él dijo: “Te lo diré, hijo. Prefiero escuchar una nota que quieras decir que mil notas que no quieras” Reduje la velocidad. También me contó una historia muy sucia sobre su juventud en la granja, pero no entraremos en eso.
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de la música?
Arti: Ahora tocas un tema delicado para mí. Vengo de los años 50. Las canciones tenían melodías que podías recordar y silbar de camino a casa. Había letras que te llegaban al corazón, como si hubieran sido escritas solo para ti. La música de hoy es (en su mayoría) desechable. Está dominado por mujeres cantando y suenan todas igual. Todas me suenan como chicas cabreadas. Sus hombres deben apestar, dado que nuestra sociedad ha intentado repetidamente cortarnos las bolas. Las canciones tienen los mismos acordes, simplemente mezclados y no puedo notar la diferencia.
Los cantantes masculinos suenan como niñas ahora y eso es una pena. Este mundo funcionaba mejor cuando los hombres y las mujeres eran muy diferentes entre sí. Solo una vergüenza. Mis temores para el futuro son que con tantas redes sociales y tantos dispositivos móviles, los jóvenes no tienen tiempo para nada significativo relacionado con la música. No se distraen fácilmente de sus teléfonos. Las cosas que hay ahora son simplemente basura, como tostadas sin mantequilla, y están empeorando, no mejorando. Sin sabor Sin emoción. Tostadas sencillas, hombre. Está bien. Yo todavía tengo mis guitarras.
¿Qué te hacía reír y qué te emocionaba de los Fabulous Rhinestones?
Arti: Los Fabulous Rhinestones. Mi primer gran compromiso. Todo fue emocionante. Me contrataron como músico a sueldo y, antes de darme cuenta, entregué mi alma a una deuda de 0.5 millones de dólares con la compañía discográfica. Tuve que tocar las mismas canciones durante años ya que los líderes se negaban a cambiar con los tiempos.
Deberíamos haber tocado simplemente blues, que es lo que mejor sabe hacer Kal David. Toqué la guitarra rítmica y me mató. Tenía notas para tocar y no pude sacarlas haciendo unos 16 compases pequeños de solos cerca del final de la noche. Los últimos años de la banda fueron una tortura para todos nosotros. Agregamos tambores de conga y terminamos sonando como una banda Disco. Me estaba estancando aburrido y frustrado. Me sentí aliviado cuando todo terminó, incluso sin conciertos a la vista. Amo a Kal, y él toca muy bien. Nos llevamos bien. Pero nunca debería haber tomado ese trabajo. Viviendo el blues, hombre.
Había sido fan de Harvey Brooks (bajo) desde finales de los 60 cuando tocaba con The Electric Flag. Mi sueño se hizo realidad cuando me uní a los Rhinestones. Él fue la razón por la que acepté el trabajo. Pasé más de 5 años tocando con uno de los mejores bajistas de blues del planeta. Ahora vive en Israel.
¿Cuál es el impacto de la cultura y la música del blues y el rock en las implicaciones raciales, políticas y socioculturales?
Arti: Excelentes preguntas, Mike. Uno de los únicos aspectos positivos de la industria de la música (que desprecio), es que parece ser daltónica. Nunca pensé en qué raza, color o credo era alguien con quien trabajé. Vamos a tocar, ¿de acuerdo? Conocía a tipos blancos que realmente podían salir adelante. Conocí a tipos negros que no podían mantener una melodía si estaba en una bolsa con asas.
Creo que la música en general rompe todas las barreras. Nos recuerda, o mejor dicho, nos DISTRAE de toda la mierda racial y política en la que tenemos que pensar en la vida cotidiana. Estoy ahí… No hay Corrección Política yendo a su alrededor y Negro, Blanco, Verde, Morado o cualquier tipo de gente que cantamos y tocamos blues, creemos que es solo un dolor en el trasero. ¡Cállate y toca!
