Colaboraciones Especiales

Dennis Larkins: Arte sorprendente… Soundtrack

Después de graduarse en el ‘Kansas City Art Institute’ y establecer una carrera de pintura en Santa Fe, Nuevo México, Dennis Larkins también obtuvo reconocimiento en el San Francisco de los años 70, diseñando y pintando fondos monumentales para la serie de conciertos “Day on the Green” del legendario promotor de rock Bill Graham.

Artistas desde Led Zeppelin hasta The Eagles y The Rolling Stones actuaron frente a los diseños monolíticos de Dennis, productos de una época experimental. Desde entonces, Dennis ha creado una gran y ecléctica obra, desde diseño gráfico e ilustración para Grateful Dead hasta diseños temáticos para Walt Disney Imagineering, Warner Bros., MCA/Universal y Sega GameWorks, por nombrar solo algunos.

Además, a través de la visión personal de su carrera artística, Dennis explora el inconsciente colectivo con imágenes surrealistas retro-pop, combinando técnicas de pintura tradicionales con relieves esculpidos y tridimensionales para crear microcosmos inquietantemente inmersivos construidos en capas de metáfora.

La entrevista con fotos © por Jamie Soja & Richard McCaffrey y Artworks © por Dennis Larkins

​¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia?

Dennis: Creo que probablemente la lección de vida más importante sería, en cierto modo, basada en una cita muy conocida de John Lennon, es decir, la vida es lo que sucede mientras estás ocupado haciendo otros planes, lo cual creo que es algo genial que decir. Porque eso ha sido más cierto para mí que no importa lo que pienso que es lo que pretendo hacer o lo que quiero hacer o lo que quiero lograr, otras cosas tienden a suceder que cambian el curso de todo eso y más a menudo que no para mejor, las cosas han anticipado de antemano que una vez que dije que sí y lo seguí, resultó ser incluso mejor en algunos aspectos de lo que podría haber pensado hacer en primer lugar.

¿Cuál es el impacto de la música y el arte de tu generación en las implicaciones socioculturales?

Dennis: Basándose en haber vivido en una época muy especial y única del negocio de la música y en una especie de evolución cultural, los aspectos de la evolución de esa época todavía reverberan hoy. Pienso en algo más que en la nostalgia de las personas que estuvieron allí entonces y lo recuerdan, sino que el efecto que tuvo en el pensamiento cultural fue expandir el pensamiento desde cualquier lugar donde había estado antes de una manera, generalmente muy positiva. Y la música de la época no era sólo gran parte de su época. Y cuando piensas en los trastornos sociales de la época, ya sabes, a finales de los años 60, 70 y así sucesivamente.

Estuve muy en sintonía con lo que estaba sucediendo en ese momento y que entusiasmó y energizó a toda una generación de jóvenes para el cambio social. Creo que ese aspecto creativo de la época, su vivacidad y su impacto fueron inspiradores para las generaciones futuras. Y sé que, como artista que se muestra en los mundos creativos, tanto en el mundo de las bellas artes como también en el negocio del entretenimiento, en cierto sentido, el trabajo que se realizó durante ese tiempo continúa influyendo en los más jóvenes.

Quizás incluso si no es una influencia directa, la influencia de la energía de la época y el compromiso de toda una generación conscientemente para tratar de hacer avanzar el pensamiento y hacer avanzar su cultura de manera positiva sigue siendo una inspiración hoy en día. Por supuesto, no puedo hablar en nombre de los jóvenes de hoy, pero creo que todavía se puede considerar como una metodología para lograr cambios. Mi esperanza, por supuesto, es que los jóvenes, a través de su creación y de su música, etc., se centren de manera similar en lograr cambios en su momento para un futuro mejor.

¿Qué caracteriza tu filosofía artística? ¿De dónde viene tu impulso creativo?

Dennis: Creo que el impulso creativo para todos es una cualidad innata que todos compartimos porque es esencial simplemente estar aquí para crear nuestra realidad, creamos nuestros mundos, nuestra existencia, nuestra interactividad de manera colaborativa a medida que avanzamos desde adentro y luego lo expresamos. Y es un aspecto de toda creatividad artística enfocarla de una manera específica, ya seas pintor, músico, escritor, arquitecto, lo que sea, sea cual sea la forma que adopte. Pero creo que todo el mundo está hecho de esa chispa creativa y está buscando una manera de expresarla.

A tus 80 años, ya eres un superviviente del rock and roll. ¿Qué es la felicidad para Dennis? ¿Cuál crees que es la clave para una vida bien vivida?

Dennis: Creo que el ingrediente principal para vivir la vida al máximo es primero: aceptar lo que estás atrayendo hacia ti porque creo que atraemos el mundo que también estamos creando simultáneamente desde dentro. Entonces, se podría decir que es una especie de coincidencia, y reconocer ese tipo de responsabilidad creativa que surge de tu creación personal y cómo sale al mundo y se combina con el mundo que lo rodea y atrae energía similar o resonante de otros.

A veces eso se presenta en formas sorprendentes, pero reconocer que este es el elemento de nuestra existencia y abrazarlo. Creo que en ese abrazo, ese reconocimiento positivo es realmente, en mi experiencia, la forma más elevada de creatividad porque en ese punto se convierte en una cocreación consciente con los demás.

La desventaja de crear desde un lugar de separación, lo que significa que si no estás en relación con el mundo extendido con el que de otro modo tendrías la experiencia de co-crear, es probablemente el lugar más solitario para estar, un lugar de separación. Entonces, es en ese momento de co-creación con otros y el reconocimiento de que todos estamos juntos en esto, literalmente, hay una alegría en eso que creo que es el objetivo final.

Y para mí, tengo una larga carrera de co-creación con otros para crear cosas que no podrían haber sucedido de otra manera. Y especialmente como metáfora, particularmente en el negocio de la música, desde el momento en que estuve más activo en él, por ejemplo, trabajando para Bill Graham y creando las piezas gigantes para su gran concierto, “Day on the Green”, en el Estadio de Oakland durante los años 70.

Fue un acto singular para mí en el sentido de que hubo casi una década en la que literalmente fueron mi lienzo y se me dio una oportunidad única de crear en una escala que muchos otros, ya sabes, ni siquiera tuvieron la oportunidad y yo entendí. También lo hice en su momento y fue un fenómeno asombroso, pero también entendí que se necesitaron muchas, muchas otras personas para unirse en diferentes niveles para crear este evento en el que mi obra de arte podría ser un punto focal de co-creación consciente con una alegría aún mayor que el simple momento de la creación artística en sí.



¿Qué recuerdo del gran Bill Graham te hace sonreír?

Dennis: Creo que los momentos que pasamos juntos es la parte más dulce, porque dependiendo del resultado, es decir, el efecto de mi trabajo y el de otros y la respuesta al mismo, fue variable, pero solo el tiempo o dirá. Hay una historia que me gusta contar sobre Bill, quien era famoso por ser una especie de existencialista. Se podría decir que era una persona del momento y respondía de una manera muy impactante a cualquier cosa con la que interactuaba, a veces para bien y otras para mal, sobre todo para bien debido a todas las diferentes cosas con las que podía crear. Pero en mi caso con él, tuvimos una buena racha a lo largo de los años, por lo que mi experiencia de que él reaccionara a mi trabajo fue en gran medida extremadamente positiva.

Pero a Bill le encantaba ese momento de la revelación, se podría decir, en el que normalmente yo hacía un diseño y él lo aprobaba y luego yo seguía trabajando con mi productora para crear aquel momento increíble. No quería ver nada hasta que estuviera listo y entonces le avisarían y vendría, en este caso, hasta el estadio. El escenario solía estar frente a las gradas y una gran entrada donde podías entrar por detrás y debajo y salir al campo hasta el otro lado.

Entonces eso era algo que le gustaba hacer. Entraba sin mirar nada y llegaba hasta el otro lado del estadio. Y luego, en ese momento, ese momento existencial, él se daba vuelta para ver lo que había sido creado y amaba ese momento de revelación de lo que era y siempre exclamaba de una manera muy entusiasta y a mí me encantaba ese momento con él, porque había una pequeña anticipación de que con suerte le gustaría, se podría decir, siempre fue esta gran escena de júbilo por lo que se había creado. Y creo que ese es mi momento favorito con Bill Graham.

¿Cuál es la historia detrás de tus inicios en el movimiento artístico Lowbrow?

Dennis: Tuve una carrera muy larga en el negocio del entretenimiento y también una carrera aún más larga como pintor, pintor de bellas artes, que fue mi primer amor como artista. El negocio del entretenimiento casi sucedió por accidente. Se podría decir que es la cita de John Lennon, pero la seguí y construí una evolución muy larga trabajando en diferentes aspectos de la carrera del entretenimiento. Mucho después de la época del rock and roll en los años 70, en el negocio del entretenimiento en Los Ángeles, también había trabajado en mi carrera de pintura de ida y vuelta entre California y Santa Fe, Nuevo México, que es un lugar que amo y todavía vivo en el presente. Pero en ese tiempo, estaba de regreso en Los Ángeles buscando oportunidades y de alguna manera caí en el negocio de los parques temáticos. Se podría decir que tuve la oportunidad de diseñar para Walt Disney Imagineering, que es la empresa que hace todo el trabajo de diseño de los parques temáticos.

Y ese fue el comienzo de una carrera muy larga en el diseño de parques temáticos y tiendas minoristas temáticas. Y eso tuvo prioridad durante esa época, pero al mismo tiempo, todavía quería dedicarme a mis pinturas. Y entonces, a través de algunas conexiones personales, me invitaron, se podría decir, a la escena artística underground de Los Ángeles, que es un lugar salvaje y loco, probablemente todavía hoy, pero ciertamente entonces esto habría sido a finales de los 90 o mediados de los 90. Pero ciertamente, entonces esto habría sido a finales de los 90 o mediados de los 90 y en el futuro. Entonces, comencé a presentarme básicamente en este tipo de programas emergentes que se realizaban.

¿Cuál fue la parte más difícil al comenzar su libro, “Startling Art, Revealing the Art of Dennis Larkins” con su hijo, David Larkins?

Dennis: Bueno, David escribió el libro, fue su primer trabajo publicado y estuve encantado de cocrearlo con él. Entonces, mi parte de la escritura probablemente estuvo más en el lado de la edición porque David eligió una forma muy excéntrica de contar la historia, que es básicamente a través de una narración a través de los ojos de algunos personajes bastante misteriosos, probablemente extraterrestres o de otro mundo que de alguna manera habían estado siguiendo mi carrera desde el principio y ahora había acumulado suficiente información para publicarlo como un libro.

Así que ese es el tipo de presunción de la narrativa. Pensé que era una forma realmente creativa de contar la historia porque cuando estaba pensando en hacer el libro, no quería crear el tipo normal de libro sofocante de historia del arte. Quería algo mucho más entretenido y también de múltiples capas para que tuviera un factor visual sorprendente e incluso si nunca pasaras de mirar las imágenes, sería entretenido. Y luego los títulos de las imágenes, especialmente en la primera parte, son divertidos.

La forma en que lo hizo es como una correspondencia entre los misteriosos personajes y sus agentes de campo y las notas de ida y vuelta y demás. Así que es un libro temático y está temático desde un punto de vista muy oscuro y arcano y me gustó su enfoque porque tiene información, pero no debe tomarse tan literalmente y como una cita tan en serio que se estanque, ya sabes. Ya sabes, mi nuevo programa y luego está la narración en sí, que es divertida, la narrativa de ida y vuelta entre estos diferentes personajes. Entonces le doy todo el crédito a David por eso y es una persona muy creativa. Todavía es autor y editor en el negocio de los juegos de rol de mesa, lo que fue una transición perfecta para él y su creatividad.



Por supuesto, una gran parte de tu obra de arte es sinónimo de Grateful Dead. ¿Por qué crees que la música de Grateful Dead sigue generando seguidores?

Dennis: Por qué, creo que es una gran pregunta, y realmente no tengo idea, excepto que me he dado cuenta de que así es. Hace mucho tiempo, se podría, era solo parte de la escena. Se podría decir, bueno, no llegué a San Francisco a finales de los años 60, donde empezó todo eso. En realidad yo era artista en Santa Fe, pero las circunstancias personales evolucionaron de tal manera que aterricé en San Francisco básicamente buscando algo que hacer, ganar un poco de dinero para volver a casa. Una cosa y otra cayeron en mi regazo.

Mi trabajo y yo nos convertimos en parte del telón de fondo del rock and roll local a principios de los años setenta para los espectáculos de rock de la ciudad y básicamente para la mayoría de las bandas de renombre, las bandas de San Francisco de la época, incluidos los Grateful Dead. Y luego esa carrera evolucionó hasta convertirme en el diseñador de escenario de Bill y hacer los grandes espectáculos de Day on the Green y también grandes giras para actos importantes durante los años 70.

Entonces, para mí fue realmente una cuestión de ser parte de eso y, por supuesto, me hice amigo de muchos de los carteles legendarios e icónicos de la época. En 1979, mi socio creativo en Bill Graham Presents, un tipo llamado Peter Barsotti, él y yo estábamos bastante ocupados haciendo cosas conceptuales para los grandes espectáculos. Luego haría el diseño, pintura y ejecución de todo ello. Era uno de los gerentes de Bill. Vino a mí con la oportunidad de hacer un cartel, un cartel de evento para un concierto de Grateful Dead. Y eso fue en 1980 en el Warfield Theatre de San Francisco.

Y en ese programa, terminé haciendo no sólo el cartel y todos los gráficos para el programa, sino que también hice algunas piezas escénicas grandes y todas las decoraciones y fue algo muy importante y uh… de algún modo, tuvo mucho éxito y eso llevó al cartel complementario de su próximo evento y luego eso llevó a la portada del álbum. Así que fue una cosa tras otra… en ese momento mi experiencia realmente fue así, y decía, esto es divertido, esta es otra cosa genial que hacer.

Y era sólo una de las muchas cosas que había estado haciendo durante muchos años. Realmente nunca había hecho los carteles y la portada de un álbum, pero estaba muy relacionado con lo que había estado haciendo para The Grateful Dead y otros durante varios años en ese momento. Ya sabes, en la puesta en escena es a muy gran escala, pero están involucrados los mismos procesos artísticos y fue una oportunidad para mí de expresarme en mi propio estilo y a mi manera, por lo que encaja completamente con la evolución, la evolución creativa de lo que había estado haciendo de todos modos y no pensé en ese momento que fuera a hacer un cartel de rock and roll o lo que sea, y ahora tengo una nueva carrera.

No hubo nada de eso en absoluto. Era simplemente algo que hacer. Y después de terminar eso, volví a pintar decorados gigantes para Bill y demás. Y entonces, en su momento, fueron solo un par de proyectos. Lo que no sabía era que ese trabajo en ese mundo te hacía un lugar. Lo que sí sabía es que estaba muy agradecido por tener la oportunidad de trabajar con todos estos otros artistas legendarios e icónicos. Incluso entonces ya eran legendarios y algunos de ellos eran mis amigos, Rick Griffin y Stanley Mouse y otros, y en gran parte debido a los sets de rock and roll que hacía, a veces basados en las portadas de sus álbumes.

Y entonces, estaba muy inmerso en el lenguaje visual de ese mundo, y fue una expresión natural hacerlo en ese formato. Entonces, no fue hasta mucho después que me di cuenta de que estas cosas, este trabajo que había hecho en realidad tenía vida propia en un mundo completamente diferente. En aquel momento no me habría considerado un imbécil per se. Aprecié lo que estaban haciendo, pero noté lo entusiastas que estaban sus fans. Creo que ninguno de nosotros sabía en ese momento cuánto tiempo duraría. Ahora estamos, no sé qué generación de cabezas muertas es ahora, pero es una tercera, cuarta, o quinta generación.

Algunos jóvenes, a veces me invitan a estos shows para hacer un cartel o lo que sea para un evento, y todas estas bandas que tocan cosas de Grateful Dead y toda esta gente, algunos originales todavía están ahí, pero sobre todo toda una nueva generación de gente que de alguna manera está abrazando la música y abrazando la vibra y la estética de todo eso y demás, y no tengo una explicación para ello, sólo veo que ha sucedido y es algo bastante sorprendente.

San Francisco Oracle de Alan Cohen, Paul Krasner, la revista Zapp, Bijou, Freak Brothers y muchos artistas de Dog Family, también fueron dibujantes de cómics. Qué importancia tuvieron los cómics underground, el arte contracultural en tu vida. ¿Cómo ha influido en tu visión del mundo?

Dennis: Cambiaron completamente mi visión del mundo cuando salí y se podría decir que accidentalmente caí en ese mundo y me convertí en parte de él. Una vez que comencé, y como mencioné al principio, estaba haciendo fondos ampliados para portadas de álbumes, y así fue como aprendí el oficio del diseño gráfico y la ilustración. Quiero decir, es casi un viejo mundo, ya sabes, que los artistas solían ir a los museos y copiar y demás.

Estaba trabajando como artista escénico en la Ópera de San Francisco, lo cual es otra historia y una especie de formación artística importante en sí misma. Pero también me había convertido en el hombre al que acudía Bill Graham. Entonces, estaba actuando por las noches y los fines de semana, haciendo rock and roll y haciendo algunos de estos fondos. Parte del arte de ser un artista escénico es ser un buen copista, se podría decir, poder ver realmente cómo otro artista hizo lo que hizo y poder duplicar el proceso para terminar con el mismo resultado final.

Y eso significa poder mirar hacia abajo a través de una obra de arte y ver cómo está construida y luego construirla al revés, se podría decir. Entonces, excepto en este caso, lo estaba haciendo a unos 30 pies, en lugar de 12 pulgadas o algo así. Entonces, olvidé tu pregunta, pero la entendí. Entonces, de lo que me di cuenta cuando estaba trabajando con el arte de estos otros artistas, incluso entonces me di cuenta del enorme impacto que ese trabajo estaba teniendo en la cultura joven de la época. No sabía por qué ni las implicaciones de ello ni lo que fuera. Simplemente sabía que estaba tan en sintonía con su época y eso se aplica también a los cómics underground y todo lo relacionado con la música de la época y, por supuesto, la moda y todo eso, e incluso se podía ver durante esa época. Impactó en el mundo convencional a través de la publicidad, la moda y los programas de televisión de la época, fue el mayor impacto de la contracultura.

Pero en el contexto de ese momento y de ese tipo de grupo de artistas, yo pasé por la escuela de arte y me consideraba un artista plástico, pero me di cuenta de que el arte de esa época y de ese momento, que incluye todas esas formas que de las que hablamos, estaba teniendo un impacto mucho mayor en la cultura general que cualquier cosa del mundo de las bellas artes. Sí, sí. Tu obra de arte es una mezcla entre un pasado y un futuro.

Creo que me he dado cuenta de otra cosa, especialmente después de pasar, ya sabes, mi mayor etapa con el rock and roll y luego regresar, fui de un lado a otro entre el negocio del entretenimiento y mi carrera artística. Pero es como si no pudieras dejar de ver algo que has visto, no puedes desaprender algo, no puedes dejar de experimentar algo. Y lo que había experimentado artísticamente durante ese período de tiempo tuvo un impacto enorme en mi trabajo personal y también a través de cierta evolución personal lo que entendí que estaba sucediendo.