Chris O’Leary & Mingo Balaguer
Entrevistas con Chris O’Leary & Mingo Balaguer: Maestros de la Armónica de Blues.
Chris O’Leary: La dura línea del blues – Fotos © de Paul Natkin
La experiencia musical de Chris O’Leary incluye compromisos como cantante principal y líder de la banda The Barnburners, del miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll y ganador del premio Grammy: Levon Helm.
Durante los seis años que Chris y Levon tocaron juntos, realizaron giras por Estados Unidos y Canadá incendiando escenarios dondequiera que fueran. Chris ha compartido el escenario con el legendario acompañante de los Rolling Stones, Bobby Keys, con los Fabulous Thunderbirds, Jimmy Vivino, Jeff Healy, Dan Akroyd, Albert Lee, Dave Edmunds, Dave Maxwell y el gran James Cotton, por nombrar solo algunos. Chris también llegó a grabar con Bill Perry y Hubert Sumlin, entre otros.
Este buen vocalista, maestro dinámico de la armónica y talentoso compositor, ha publicado recientemente su álbum debut en Alligator Records, titulado “The Hard Line“.
La entrevista
¿Cómo ha influido el blues en tu visión del mundo? ¿Qué te emocionó del sonido de la armónica?
Chris: Si bien el blues (la música en sí) ha influido en mi visión del mundo, mi vida como músico de blues definitivamente ha tenido un impacto en cómo veo diferentes personas, lugares, culturas, etc. Pasar de ver el mundo como un oficial de policía o un soldado estadounidense a hacer giras como músico de blues son, en muchos aspectos, absolutamente opuestos.
Como infante de marina, especialmente como veterano de combate, experimentas lugares en crisis, a veces personas y culturas en sus peores momentos. Como músico experimento exactamente lo contrario. La alegría común de la música es algo poderoso. La interacción entre mi banda y yo y el público para el que tocamos blues en todo el mundo me ha devuelto un poco de optimismo. Se trata de perspectiva: esta música, cuando es buena, es un verdadero puente que cruza barreras lingüísticas, culturales, raciales y religiosas. Uno de los aspectos más identificables de la música blues es su simple similitud. Todo el mundo lo siente en un momento u otro sin importar quién seas.
Lo que me llamó la atención y emocionó más de la armónica, se debió más al intérprete que al instrumento en sí. Cuando escuché por primera vez a James Cotton en el álbum Hard Again de Muddy Waters, nunca había escuchado a nadie tocar un instrumento con ese tipo de ferocidad brutal, ni siquiera cuando era niño. Me habló en un nivel profundo, como se supone que debe hacer la música y todavía lo hace. He escuchado las pistas de esos álbumes miles de veces y todavía vuelvo a ese disco y a James tocando como una fuente de inspiración.
¿Cómo describe su sonido y repertorio? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre técnica y alma?
Chris: Mi sonido y mi composición son muy eclécticos y al mismo tiempo intento ser respetuoso con la tradición de la música que amo. Hay mucho de Nueva Orleans, Memphis y Chicago, por supuesto. Intento escribir sobre lo que sé. He vivido una vida un poco loca, miro hacia atrás y a veces parece que he vivido veinte vidas distintas. Vivirlo ha sido desgarrador a veces, pero la belleza de esto es que creo que me brinda una gran paleta para aprovechar.
En mi opinión, la destreza técnica sin alma es solo eso, sin alma y, sinceramente, no lo encuentro muy interesante para escuchar. Por otro lado, la simplicidad puede ser muy atractiva, siempre y cuando sea honesta y esté interpretada con sentimiento y alma. Cuando hay una combinación de ambos como lo hacía B.B, Albert Collins o Little Walter ¡es pura magia! Little Walter redefinió lo que es técnicamente posible con la armónica cuando tocaba algunos de los temas de blues más profundos jamás grabados… ¡¡¡De eso se trata!!!
¿Por qué crees que Alligator Records sigue generando seguidores?
Chris: Alligator ha mantenido un público tan fiel porque siempre hay una audiencia para la música blues genuina y honesta. Antes de trabajar como músico de blues, era un fanático del blues y, ya fuera Hound Dog Taylor, Albert Collins o Delbert McClinton, conocía de las cosas que publicaba Alligator y sabía que eran auténticas.
Después de todo este tiempo, décadas de gran blues y todos los artistas legendarios que hicieron de Alligator su hogar, la gente sabe lo que obtendrá cuando compre un lanzamiento de Alligator. Adquirí el último lanzamiento de The Cash Box Kings con la misma emoción que tuve cuando recibí un disco de William Clarke o Carey Bell hace décadas. Sabía que iba a ser espectacular antes de escuchar una sola nota, Bruce y su personal simplemente obtienen un blues bueno y honesto.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los aspectos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
Chris: Además de escuchar Hard Again cuando era niño, el momento que cambió todo fue cuando Levon Helm me pidió que me cambiara a Nueva Orleans. Me mudé a una de las ciudades musicales más importantes del mundo y encabecé la banda del club Levons en Decatur (el tema de uno de los cortes de The Hard Line). Toqué música con una leyenda 5 noches a la semana y absorbí la música. La cultura de NOLA me cambió en todos los sentidos imaginables. Levon fue un gran hombre y le debo todo. Era amable y divertido, asesoraba sin ser duro y generoso hasta el extremo. Antes de vivir en Nueva Orleans, tenía muchas dudas sobre lo que era el blues.
Tocar con él y vivir en esa gran ciudad me abrió los ojos sobre lo que se podía tocar y seguir respetando la tradición. Los otros aspectos destacados incluyen grabar con el gran Hubert Sumlin, luego realizar giras y tocar con Levon durante 7 años. Además, a través de Levon, pude compartir escenario con mi ídolo musical: James Cotton… ¡Cotton, simple y llanamente, es la razón por la que toco esta música! Llegué a conocerlo y tuve el honor de llamarlo mi amigo.
Por último, firmar con Alligator Records es definitivamente el climax. Estar en el mismo sello que todos mis ídolos es el cumplimiento de un sueño de toda la vida… también es definitivamente, el reconocimiento de años de tocar en innumerables conciertos, de estar miles de millas en el camino… etc, etc.
¿Qué es lo que más extrañas del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro del blues?
Chris: Lo que más extraño del blues del pasado son a los propios artistas. Nunca habrá otro Cotton, Muddy, Sonny Boy, Walter o Wolf. Como dije, si quiero inspiración o música que realmente me emociona, mi opción es un disco hecho hace casi 50 años o, a veces, mucho más antiguo. No digo que no haya artistas hoy en día que se entregan en cada grabación… absolutamente lo hacen, es solo que me enamoré de la música de los gigantes de este género y esos son zapatos imposibles de llenar. Quizás la realidad sea la producción, las personalidades más grandes, la crudeza… no lo sé hay algo en esos discos.
Mi esperanza es que las generaciones más jóvenes se enamoren de esta música como lo hice yo. Mi temor es que no estén expuestos a la música americana, que es muy grande entre el público más joven; en mi opinión, el blues debería ser una parte más importante de eso. Cuando se habla de música estadounidense, el blues está entretejido y proporciona la base para todo lo relacionado con el rock, el country, el R&B, el jazz, etc., si se habla de música estadounidense. ¿Qué es más estadounidense que el blues?
¿Cuál ha sido el obstáculo más difícil de superar como persona y como artista? ¿Qué te ha ayudado a convertirte en un mejor músico de blues?
Chris: Para bien o para mal, mi servicio en la Marina ha jugado un papel importante en lo que soy como hombre y artista. Los obstáculos físicos que quedaron de viejas lesiones y múltiples cirugías han hecho que envejecer sea mucho más desafiante de una manera, y que esos desafíos físicos me llevaron de regreso a una vida como músico, en el sentido de que no podía realizar físicamente las tareas de mi anterior vida.
Si es verdad que ya no trabajo, como muchos otros veteranos, las cicatrices que dejó la vida que elegí cuando era niño me seguirán para siempre. Por otro lado, estoy orgulloso de mi servicio y de ser un infante de marina y agradecido por los amigos de toda la vida. Muchas de las experiencias que acompañan a esa vida, sin duda es un arma de doble filo. Como mencioné anteriormente, estas experiencias forman la base de quién ahora soy y me ofrece un enorme panorama de donde sacar provecho como compositor y músico de blues.
¿Cuál es el impacto del blues en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a la gente?
Chris: No estoy seguro de si esto responde a la pregunta: El blues es música visceral… obviamente es música para escuchar (como toda la música), pero lo más importante es música para sentir, es la tensión de una nota doblada sostenida durante un tiempo increíblemente largo. Mientras tu oído anhela la resolución pero al mismo tiempo se deleita con el suspenso, son historias de desesperación y alegría, dolor y victoria. Pueden ser historias cuyos escenarios y personajes sean completamente irreconocibles.
Totalmente alejado cultural y económicamente de la experiencia personal del oyente, pero en el mejor de los casos, los giros y las lecciones aprendidas llegan a casa y suenan verdaderos. Hay temas universales que trascienden, es un ritmo de fondo y una mezcla sucia y profunda que ruega al oyente que se mueva.
No todos se identificarán con cada canción que escribo, pero solo espero que algo los enganche para que la escuchen honestamente. Entonces, independientemente de quién seas y de dónde seas, creo que al menos tengo una oportunidad. Con algunas de las canciones del disco The Hard Line… I Cry at Night, por ejemplo, definitivamente estoy tratando de elevar mi nivel de conciencia. El trastorno de estrés postraumático y el suicidio entre nuestros veteranos tienen proporciones epidémicas y es un problema que absolutamente necesita más exposición.
Sin duda, es un tema importante y personal para mí. A mi modo de ver, tengo una plataforma, por lo que eso conlleva una obligación. Tengo que decir algo. Es un tema incómodo pero esa es la mitad del problema. Si más gente lo supiera, se podría hacer más para financiar, tratar y desestigmatizar y, entonces, tal vez se reducirían algunos suicidios.
¿Cuáles son algunas de las lecciones de vida más importantes que has aprendido de tu experiencia como marino y músico?
Chris: Para responder a esta última pregunta, me remito a la pregunta inicial. En la Marina se aprendieron algunas lecciones difíciles a una edad bastante temprana. Mi propia mortalidad es, en primer lugar, ese período de tiempo en el que un joven es a prueba de balas, para mí duró muy poco. Al provenir de raíces de clase media, estuve expuesto a la pobreza abyecta y a la condición humana en el extranjero que fue discordante y dejó una impresión duradera.
Para tener algún tipo de empatía real y apreciar plenamente las cosas que tenía, necesitaba ver el mundo, no digo que todos la tengan, pero yo definitivamente lo hice… Sé que es un cliché, pero es verdad. ¡Los mundos son un gran lugar!
Como músico, la mayor lección aprendida es que a pesar de esas grandes diferencias de raza, cultura, religión y condiciones económicas. Las personas son personas y la alegría de la música es algo que todos compartimos. Es realmente trascendental.
Mingo Balaguer: Un explosivo sevillano del blues – Fotos © de Joan F. Ribas
Más de 30 años sobre los escenarios y 17 discos editados, avalan su experiencia como armonicista y cantante de blues, no solo en España, sino también más allá de las fronteras.
El músico sevillano Mingo Balaguer ha tenido el privilegio de tocar con músicos internacionales como: Hubert Sumlin, Johnny Winter, Charlie Musselwhite, Magic Slim, Carey Bell, Gary Primich, Sugar Ray Norcia, Kenny Neal, R.J. Mischo, Bruce Ewan, Miguel Ríos, Raimundo Amador, Bobby Radcliff, Charlie Sayles, Paul Lamb, Jerry Portnoy, Sherman Robertson, Otis Grand y Lurrie Bell entre otros.
El nuevo proyecto de banda “Cat Squirrel” está compuesto por Mike Vernon a la voz, Kid Carlos a la guitarra, Oriol Fontanals al bajo, Pascual Monge a la batería y Mingo Balaguer en la armónica. El álbum debut de Cat Squirrel titulado “Blues What Am”, fue lanzado en octubre de 2023.
La entrevista
¿Cómo ha influido el blues en tu visión del mundo? ¿Qué significa el blues para ti?
Mingo: El blues ha tenido una influencia muy positiva en mí, y gracias a esta música he conocido a infinidad de personas alrededor del mundo, ya sean músicos o simplemente amantes de este tipo de música, con quienes sigo manteniendo una amistad inquebrantable, ha sido sin duda una vínculo común con grandes personas.
Sin duda, el blues es para mí algo especial, un tipo de música que me enganchó profundamente cuando tenía apenas 14 o 15 años y siempre ha estado presente en mi vida, siempre me ha gustado toda la música en general, o al menos casi toda, pero siempre con preferencia por el jazz y la música de raíz. El blues modifica mi estado de ánimo hacia sentimientos positivos y alegres y en ocasiones melancólicos y tristes. El blues te hace vivir algo especial y difícil de explicar, pero una vez que te atrapa, no puedes vivir sin ello.
¿Cómo describe su sonido y su filosofía musical? ¿Qué te emocionó del sonido de la armónica?
Mingo: Particularmente comencé a tocar la armónica cuando tenía 11 años, era una armónica trémolo, específicamente una armónica ‘Seductora’ (Hohner), y desde el primer momento que escuché el sonido de la armónica me atrajo de una manera muy especial y no sé por qué, pero sentí que era capaz de tocar ese instrumento.
En aquellos tiempos yo no conocía nada de blues, tocaba temas populares de esa época. Las primeras grabaciones de blues que cayeron en mis manos fueron de artistas británicos, así descubrí a John Mayall y fue el primer armonicista de blues al que comencé a tomar en serio y a coleccionar todos sus discos, luego cuando descubrí un poco más tarde a músicos como Sonny Boy Williamson y James Cotton, quedé totalmente impresionado, eso era otro mundo para mí.
Me impresionaron especialmente dos discos que cayeron en mis manos y que he seguido escuchando, “Live at the Craw-Daddy Club” de Sonny Boy Williamson & The Yardbirds y “Can’t Get No Grindin’” de Muddy Waters con James Cotton. En relación a la armónica, fue más tarde cuando descubrí a Little Walter. Estos tres armonicistas significaron mucho para mí y me marcaron profundamente.
Sonny Boy Williamson II, por su capacidad para transmitir sólo con su armónica y voz con ese ritmo enérgico y sencillez al mismo tiempo, James Cotton por su gran fuerza, dinamismo y expresividad y Little Walter por su estilo elegante y sutil al tocar la armónica y sus peculiares frases y sonidos, totalmente diferentes a los de cualquier armonicista de la época. Creo que mi estilo es más bien clásico, bastante influenciado por los tres armonicistas mencionados anteriormente, me encanta el blues eléctrico de Chicago, el jump-blues y el blues de la costa oeste.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre técnica y alma? ¿Cuál es el papel del Blues en la sociedad actual?
Mingo: Bueno, obviamente la música siempre debe estar bien hecha, y la técnica es muy importante, pero para mí en el blues, el alma y el conocimiento específico del lenguaje de esta música juega un papel mucho más importante que la técnica. Especialmente cuando estoy en el escenario, prefiero estar rodeado de compañeros músicos que conocen bien el lenguaje de esta música y que la tocan con alma, que de músicos profesionales que son técnicamente perfectos, pero que no saben o no están realmente interesados en el lenguaje de esta música.
¿Por qué crees que la música de Blues sigue generando muchos seguidores en España?
Mingo: Es difícil responder a esa pregunta, pero sí es cierto que el blues tiene muchos seguidores en España, y cada vez más. En nuestro país existen muchos festivales de blues y cada año nacen nuevas iniciativas. Lo único que se me ocurre es que puede deberse a la similitud que existe de alguna manera entre el Blues y el “flamenco”, que tiene su origen en Andalucía y data del siglo XVIII, era música de raíz, originalmente interpretada como una forma de lamento expresado por el pueblo moro y gitano, como etnias perseguidas, nómadas y marginales.
La similitud que existe entre ese “lamento” del flamenco, que es un aullido desgarrador expresado con el “Ay”, interpretado por aquel pueblo marginal perseguido, y el “blues”, que no es más que un canto de queja y lamento, o de esclavo. Los gritos del campo, producidos por un estado de ánimo deprimido, son innegables.
¿Qué conocidos han resultado las experiencias más importantes para ti? ¿Cuál fue el mejor consejo que alguien te haya dado?
Mingo: Una de las experiencias más importantes para mí, ha sido haber tenido la oportunidad de telonero y tocar con el gran Charlie Musselwhite, eso ocurrió en Sevilla en 1992, cuando la universidad de mi ciudad contrató a la banda en la que yo estaba en ese momento (Caledonia Blues Band) para abrirle en un festival, y también actuar como su banda de acompañamiento. Charlie Musselwhite estaba en mi casa ensayando con todos nosotros, nunca había visto a nadie con tanta humildad en toda mi vida. Definitivamente fue una experiencia que nunca olvidaré.
El mejor consejo que me han dado en mi vida me lo dio mi madre, ella apoyó mucho mi música desde muy joven, me dijo, si te gusta lo que haces, disfrútalo y siempre intenta hacer lo mejor posible.
¿Hay algún recuerdo de conciertos, improvisaciones, presentaciones y sesiones de estudio que te gustaría compartir con nosotros?
Mingo: Tengo demasiados buenos recuerdos y experiencias fantásticas de los últimos 36 años que llevo dedicado a la música, intentaré recordar algunas de las mejores. Abrir para Johnny Winter en Sevilla en 1993 fue fantástico, también fue muy divertido abrir para Magic Slim & The Teardrops en Granada ese mismo año, especialmente cuando terminamos saliendo de ‘parranda’ por toda Granada con John Primer y el resto de la banda, John, era muy divertido, nos lo pasamos genial.
Una experiencia única fue tocar en el club Buddy Guy’s Legend, con mi banda “Caledonia Blues Band” en 1994, un par de días antes de conocer al gran Jimmy Johnson que estaba tocando en un club de Chicago, y cuál fue mi sorpresa cuando después de conversar con él, le dije que nuestra banda tocaría dos días después en Buddy Guy’s Legend, y vino a ver nuestro show. Jimmy Johnson es otra de las personas más maravillosas y humildes que conocí en mi vida.
Otro gran recuerdo fue ser telonero del gran Otis Rush en 1995 durante dos días consecutivos, en el festival de blues de Cerdanyola Del Vallès (Barcelona) y en Palma de Mallorca en el festival Rebel’95. Al finalizar el concierto de Otis Rush en Palma de Mallorca, nos quedamos en el teatro haciendo un jam con sus músicos, recuerdo que en una conversación con el gran David Maxwell que estaba a los teclados, le dije que tenía una grabación de video pirata de él cuando era joven, tocando con Freddie King en Texas, que le compré a un fan en Inglaterra. Me rogó que le hiciera una copia y se la enviara porque nunca la había visto, y así lo hice. Fue sin duda uno de los mejores conciertos que he visto en mi vida.
Una de las experiencias más hermosas que recuerdo fue también tener la oportunidad de ver a mi admirado Carey Bell, durante un ciclo de música en mi ciudad, que duró unos días. No solo tuve la oportunidad de entrevistarlo para una revista de blues de mi país, sino que cuando se enteró que yo tocaba la armónica me invitó a tocar en dos de sus shows con él, una de las mejores experiencias de mi vida.
Respecto a las sesiones de estudio, hay dos en mi vida, que recuerdo con mucho cariño, la primera fue la grabación de mi trabajo “Blueshadow”, realizada los días 8, 9 y 13 de 2020 en los Estudios Sputnik de Sevilla, en este trabajo compuse todas las canciones (excepto un cover), durante el confinamiento de la pandemia.
Era algo que quería hacer desde hacía mucho tiempo y nunca pude, así que aproveché el confinamiento forzado para componer, y luego llamé a mis amigos músicos con los que tocaba habitualmente, nos reunimos un día antes de la grabación para ensayar las canciones, y cuando entramos al estudio todo fluyó perfecto, es uno de los trabajos del que estoy más orgulloso.
Los músicos de este trabajo fueron: Pablo Sanpa (Madrid) y Kid Carlos (Sevilla) en las guitarras, Oriol Fontanals (Cataluña) en el contrabajo, Paul San Martín (San Sebastián) al piano, Guillaume Destarac (París) en la batería, Alain Sancho (Bilbao) en el saxofón en un par de temas, y yo a la voz y armónica.
Otra de las sesiones de estudio de las que estoy muy orgulloso, es la grabación del disco “Blues What Am” de uno de los nuevos proyectos en los que estoy involucrado, llamado “Cat Squirrel”. Este proyecto está liderado por el gran productor británico Mike Vernon, que junto al guitarrista Kid Carlos han sido los autores de la gran mayoría de las canciones del disco, este trabajo también ha sido grabado en los estudios Sputnik de Sevilla, en mayo de 2022. La banda está compuesta por Mike Vernon en la voz, Kid Carlos (Sevilla) en la guitarra, Oriol Fontanals (Cataluña) en el bajo, Pascual Monge (Madrid) en la batería y yo en la armónica.
El resultado en mi humilde opinión ha sido fantástico, todo ha fluido y trabajado en el estudio con una naturalidad asombrosa, y nos hemos divertido muchísimo grabando este disco. Es por demás decir que la producción de esta obra del gran Mike Vernon, ha sido brillante.
¿Qué es lo que más extrañas del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Mingo: Bueno, sinceramente lo que más extraño es que muchos de los grandes del Blues ya no están con nosotros, pero han creado escuela. Creo que hay que ser optimistas, hay grandes intérpretes de blues hoy en día que afortunadamente todavía podemos disfrutar y creo que esto nunca terminará. Siempre habrá festivales, salas y discotecas donde escuchar buen blues.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el camino musical?Mingo: Las lecciones más importantes que he aprendido en mi vida son la humildad y la perseverancia. Me ha encantado el Blues toda mi vida, disfruto tocarlo y disfruto escucharlo. Me encanta ver blues en vivo y voy a tantos eventos y festivales cada vez que puedo. Para mí, la mayor fuente de aprendizaje es ver actuar a otros intérpretes, de ahí a menudo aprendes qué hacer y qué no hacer.
