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JJ Grey – JP Soars – Chris Barnes

Entrevistas con JJ Grey – JP Soars – Chris ‘BadNews’ Barnes: Blues, raíces y más allá…



JJ Grey: Mezcla sureña de música e historias – Fotos © de Steve Rapport.

JJ Grey, el cantante, compositor, multinstrumentista y creador de la banda Mofro, con sede en Florida, ha publicado su nuevo álbum, Olustee (2024), el primero desde 2015. La música de JJ tiene sus raíces en la tierra de su casa familiar en un lugar apartado de Florida. Sus canciones son casi imposibles de categorizar, pero incluyen elementos de soul, rock sureño pantanoso, funk, americana, blues e incluso clásica (este es el primer álbum de Alligator con la aparición especial de la Orquesta Sinfónica de Budapest).

JJ formó la banda Mofro mientras aún trabajaba en un almacén de madera. En Olustee, el primer álbum de producción propia de Grey, el artista que nació y creció en el norte de Florida cuenta sus historias personales con temas universales de redención, renacimiento, mala suerte y paz interior.

Muchas de las canciones están impregnadas de las míticas historias sureñas de su hogar ancestral en Florida y llenas de personas de la vida de JJ. Las canciones rebosan las vistas y los sonidos de la región contados a través de los ojos de un poeta y cantados con alma pura y sin adornos. Con su música, Gray también celebra los buenos momentos con amigos de toda la vida, mezclando a menudo lo sentimental con lo cerebral en la misma canción.

Agradecimiento especial: Marc Lipkin (Alligator Records).

¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿De dónde viene tu impulso creativo?

JJ: La música realmente no ha influido tanto en mi visión del mundo sino al revés. Mi visión del mundo ha influido en mi música y por visión del mundo me refiero a mi vida. No estoy exactamente seguro de dónde viene mi impulso creativo. Parece que brota cuando surge de la nada.

¿Cómo describes tu sonido y repertorio? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre las habilidades técnicas y el alma o las emociones?

JJ: Sinceramente no tengo idea de cómo suena mi música. Puedo darte una larga lista de mis influencias, pero honestamente, solo espero que suene así.

Tienes un lanzamiento más con Alligator Records. ¿Cómo surgió esa relación? ¿Tienes alguna historia interesante sobre la realización del nuevo álbum “Olustee“?

JJ: Conocí a Bruce, el propietario de Alligator, hace muchos años y nos llevamos bien. Estoy muy feliz de estar de regreso en Alligator. Una de las cosas interesantes que sucedió durante la realización del disco fue que la Orquesta Sinfónica de Budapest tocara en cuatro de las pistas del álbum. Fue una oportunidad alucinante para mí poder escuchar una sinfonía de clase mundial como esa, tocar en algunas de mis canciones.

¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los aspectos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?

JJ: No puedo pensar en un momento que haya cambiado tanto mi vida musical. En cambio, han sido un montón de pequeños momentos diferentes que tejieron la tela, por así decirlo, de esto, llamado mi vida musical, que es en cierto modo inseparable de mi vida “real”.

¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?

JJ: Esta es una buena pregunta, pero la verdad es que no escucho mucha música nueva ni mucha música en general. Cuando escucho, prácticamente escucho música más antigua y no tengo idea exactamente de por qué. Quizás me hable más.

¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a la gente?

JJ: No tengo idea de cuál es el impacto de la música en el nivel sociocultural o de cualquier otra cosa en ese nivel de abstracción. Realmente nunca quise que mi música fuera un mensaje o tratara de afectar a la gente de alguna manera general. Ahora sólo puedo reflexionar y siento que hacer música ha sido una terapia para mí y parece que todo este tiempo he estado cantando canciones como mantras, por así decirlo, para recordar lo que es importante.

¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el camino musical?

JJ: Dejar ir y dejar que suceda. Y buscarlo es negarlo. La vida es más que sólo música.

¿Hay algún otro campo que tenga influencia en tu vida y en tu música?

JJ: La vida es la vida. Para mí, toda influencia y creatividad proviene de eso. Mi música sólo ha sido yo contando la historia de esa vida.



J.P. Soars: Ladrillo a ladrillo… ¡música del alma! – Fotos © de Laura Carbone

Hace varios años, J.P. Soars se dio cuenta de que estaba construyendo su audiencia persona a persona. Se ganaba un nuevo fanático, o varios, cada vez que tocaba y eventualmente supo que podía crear una carrera saludable si perseguía eso. El nuevo álbum de 11 pistas del músico de Boca Raton, FL., será el primero en Little Village Records (será porque la fecha de lanzamiento es el 30 de junio de 2024), y arroja luz sobre los talentos musicales multidimensionales de Soars. “Todo parecía muy natural”, dice Soars, quien tituló su nuevo álbum Brick By Brick como testimonio de su enfoque.

El álbum refleja en gran medida cómo he construido mi carrera musical, ladrillo a ladrillo”. Además de su base de blues-rock, Soars hace gala de su afición por las influencias del jazz gitano, el country, el latin, el rock y el heavy metal. Los temas destacados incluyen “Things Ain’t Working Out”, un lamento con guitarra sobre una relación rota, mientras que “Keep Good Company” presenta a Soars en la guitarra y letras que refuerzan la necesidad de estar atento a su propia conducta.

Soars también hace un trabajo magistral en “That’s What Love Will Make You Do” de Little Milton, un delirio de estilo country montañés sobrealimentado. Soars toca el banjo en la canción, con una fuerte interacción con el alegre violín de Anne Harris y los coros de Annika Chambers y Paul DesLauriers.

Agradecimiento especial: Kevin Johnson (Promociones y publicidad de Proud Papa).

¿Por qué crees que la escena musical del blues/rock/R&B de Florida sigue generando fieles seguidores?

J.P.: Creo que la edad demográfica aquí tiene algo que ver con eso. Mucha gente mayor viene aquí para jubilarse. La mayoría de las personas que escuchan este tipo de música, parece que son los mayores.

¿Cómo te preparas para tus grabaciones y actuaciones y para ayudarte a mantener la resistencia tanto espiritual como musical?

J.P.: Intento comer sano, también intento hacer ejercicio. Nado mucho. Me despierto cada mañana y rezo. Estoy muy agradecido por las bendiciones que tengo. También trato de descansar mucho. Normalmente tomo una buena siesta antes de mis conciertos.

Tienes tu lanzamiento debut con Little Village Records. ¿Cómo surgió esa relación?

J.P.: Conocí a Jim Pugh y el sello discográfico Little Village a través de Mike Kappus, a quien conocí en Memphis en los Blues Music Awards 2022.

¿Tienes alguna historia interesante sobre la realización del nuevo álbum “Brick By Brick”?

J.P.: El título Brick by Brick se inspiró en un dicho que mi baterista Chris Peet y yo siempre decimos. A veces tocamos en un show donde hay un puñado de personas y ganamos dos o tres nuevos fans. Siempre decimos que estamos construyendo nuestra base de fans “ladrillo a ladrillo”. Se trata de perseverancia y esforzarse. Él y yo llevamos casi 20 años tocando juntos. La canción instrumental “In the Moment” en realidad fue grabada en un teléfono. Estaba improvisando y mi novia empezó a grabarlo en su teléfono. Me lo envió meses después y al principio ni siquiera reconocí que era yo tocando.

Decidí dejarla así como un testimonio. Le di la grabación del iPhone a mi ingeniero y él añadió algo de reverberación y un poco de ecualizador y eso es lo que se escucha en el disco. Gran parte del material se escribió durante la pandemia. No tuve ningún trabajo durante los primeros meses, así que iba a pescar los fines de semana. De ahí surgió la idea de “Down by the Water”.

¿Qué te emocionó de la canción “That’s What Love Will Make You Do” de Little Milton?

J.P.: Mi hermano menor me envió esa canción. Le encantaban las letras y la línea de bajo. Él estaba pasando por momentos difíciles en su relación y creo que esas letras le llegaron a él como a mí.

¿Cuál es el equilibrio en la música entre técnica (habilidades) y alma/emociones? ¿Por qué es importante preservar y difundir el blues?

J.P.: Creo que es un buen equilibrio; puedes tener toda la habilidad, técnica, etc., pero si no tienes el sentimiento, el alma y la emoción, no siento que realmente diga mucho o que pueda tocar a alguien. Para mí, tiene el sentimiento, el alma y la emoción. Dicho esto, también es bueno tener habilidad y técnica. Creo que es importante conocer tu instrumento, esforzarte por alcanzar la perfección y tratar de mejorar continuamente. Para mí la guitarra y la música siguen siendo un misterio. Hay tantas cosas que no sé.

La vida es más que sólo música, ¿hay algún otro campo que tenga influencia en tu vida y en tu música?

J.P.: No comencé a ganarme la vida con la música hasta bien entrados los 30. Pero he estado tocando en bandas y tratando de hacer música desde que estaba en la escuela secundaria. Siempre con la ilusión, el sueño y las ganas de hacer música a tiempo completo. Entonces, realmente aprecio poder ganarme la vida haciendo esto.

Desde que era niño supe que esto es lo que quería hacer. Laboré en muchos trabajos ocasionales antes de poder hacer de la música mi profesión de tiempo completo. Fui a la escuela y obtuve un título en electrónica cuando tenía alrededor de 23 años, así que tendría algo a lo que recurrir en caso de que la música no funcionara. Obtuve mi título y conseguí un trabajo para Motorola. No me gustaba trabajar para una gran corporación y estar atrapado en todo eso. Había pedido un préstamo estudiantil que pagé más adelante a través de mi música.

Llevo más de 29 años ganándome la vida exclusivamente tocando música. El pasado mes de agosto tuve casi tres semanas seguidas de descanso. Durante ese tiempo me di cuenta de que realmente no tengo mucha vida fuera de la música. La música es mi vida. Pero sí me dejo influenciar por las situaciones, por las noticias, por la observación de las situaciones de otras personas. Intento inspirarme en varios lugares, escenarios y situaciones.



Chris BadNews Barnes: Aristófanes Blues – Fotos © de Black Moon Media

Chris BadNews Barnes, recientemente trasladado a Nashville, es un humorista, tanto por decisión como por circunstancias, y un músico asombrosamente consumado. Este intérprete dinámico y lleno de energía ha pasado la mayor parte de su vida uniendo su amor por el blues y el humor, desarrollando un sonido verdaderamente único.

Gulf Coast Records ha publicado de este cantante de blues y rock, su álbum debut con el sello, “BadNews Travels Fast” (2024). Este disco del artista radicado en Nashville, fue producido por el ganador de varios premios Grammy, Tom Hambridge, quien también tocó la batería en las sesiones y coescribió todas las canciones.

 A la esparcimiento de la grabación se unió una lista de primera de músicos de Nashville, junto con invitados especiales como los cantantes: Jimmy Hall y Sugaray Rayford; y el guitarrista Walter Trout.

¿Cómo ha influido la música blues y rock en tu visión del mundo y en los viajes que has realizado?

Chris: Siento que cuanto más me adentro en el blues, más profundamente soy testigo de las atrocidades y la injusticia de la esclavitud en este país, y cuanto más me adentro en el rock, veo el poder de la rebelión.

¿Cómo describes tu repertorio y filosofía musical? ¿De dónde viene tu impulso creativo?

Chris: Bueno, mi experiencia es en la sátira. Soy alumno del prestigioso Second City Comedy Theatre de Chicago, Illinois. Alumno de lo que se conoce como The Oxford of Comedy en Dan Aykroyd y The Late John Belushi, por lo que soy descendiente de este impulso creativo. También encontré mi formación con los artistas de Hokum Blues de los años 20 y 30, como Tampa Red y Georgia Tom.

¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los aspectos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?

Chris: Estaba entrando al Terra Blues en Greenwich Village en Nueva York y el portero dijo que todos quieren escuchar tu canción “Slow Dance with Joni Mitchell”; Será mejor que la toques. Cuando comencé a ver miembros de la audiencia cantando las letras de mis canciones, eso cambió las reglas del juego; cuando presento una canción y el público da un aplauso de reconocimiento, eso realmente me conmueve y me dice que estoy en el camino correcto.

El año pasado fui contratado para The Big Blues Bender y abrí para Selwyn Birchwood, Mr. Sipp y Kenny Neal; el auditorio estaba lleno y fue la representación de Star Is Born: todo salió bien y todo el público se puso de pie con una gran ovación y justo después Mike Zito me ofreció un contrato de grabación en su sello discográfico. Esa fue una actuación especial y un punto de inflexión en mi carrera.

Actualmente tienes un lanzamiento con Tom Hambridge y Gulf Coast Records. ¿Cómo surgió esa relación? ¿Tienes alguna historia interesante sobre la realización del nuevo álbum “BadNews Travels Fast”?

Chris: Este es el segundo disco que hago con Tom. El primero, BadNews Rising (nominado a 5 Premios de Blues Independientes) fue durante el covid, por lo que hubo muchas conversaciones por zoom y textos de ida y vuelta, en este álbum tuvimos mucho tiempo para colaborar en persona y realmente quería un blues contemporáneo con sonido en vivo.

Al mismo tiempo, Walter Trout se acercó a mí elogiando el álbum anterior, BadNews Rising, y me ofreció su talento en este álbum. Además, Sugaray Rayford y Jimmy Hall también aparecen en este álbum. Simplemente sentí que éramos una gran alineación y fui mucho más profundo como letrista y narrador de historias, Tom siempre me empujaba al dolor y lo conseguimos con “True Blues” con Walter agregando un solo feroz.

Esta canción trataba sobre el dolor de la infidelidad de mi padre, y Jimmy Hall toca una armónica inquietante en “A Bluesman Can’t Cry”, sobre la esclavitud. Irónicamente, los artistas que graban comúnmente hablan de encontrar su “sonido”; Kenny Greenberg fue el guitarrista elegido por Tom (Kenny Chesney) y Kenny es un maestro guitarrista barítono. Escribo de manera muy teatral, y cuando escuché su primer y segundo solo pensé: “¿Qué diablos es ese sonido?” Y Kenny me contó su historia con este instrumento y Tom y yo estuvimos de acuerdo en que ciertamente habíamos descubierto el sonido de The BadNews.

¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música en la sociedad actual?

Chris: Para mí, el blues se trata de pasar del fuego a las aguas refrescantes, su lucha vital primordial, expone la hipocresía y resalta la gratitud de a veces simplemente respirar, porque si uno respira hay esperanza. Second City Satire nos enseñó que todo lo que sucede es asunto nuestro. Cada vez que se instituye una nueva ley, es nuestro trabajo cuestionarla y, si es necesario, desafiarla. No podemos ser roedores corriendo por un precipicio porque ahí es donde todos corren. Debemos desafiar, debemos ejercer el poder de nuestro voto y no podemos quedarnos callados. La música no es silenciosa; la música exige que la escuches y las palabras yuxtapuestas a la música pueden ser una forma muy, muy poderosa de comunicar el mensaje.

¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?

Chris: Lo único que creo que le falta al pasado es la cantidad de tiempo que permitías que un concepto original creciera y madurara. Creo que la industria, los estudios, los sellos y la gerencia apresuran un poco el proceso creativo.

Mi esperanza para el futuro es que el blues reciba más atención de la que recibe, incluso el premio Grammy para el blues no se considera digno del horario estelar; para mí eso es injusto. Mi temor es que la electrónica sea la desaparición de la música de blues estadounidense.

¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el camino musical?

Chris: No prestes atención a aquellos que dificultan tu viaje. No es asunto tuyo lo que la gente piense de ti, simplemente mantente concentrado. Todo se aprende en el escenario. Sigue subiendo al escenario con el objetivo de ser más honesto en cada actuación. El público tiene que creerte y te vuelves más honesto con cada actuación.

Lo único que importa es que estés dedicado a brindarle a la audiencia tu yo más auténtico, eso es lo que quieren y eso es lo que se merecen, y eso comienza con tu escritura. Tu atención debe centrarse en tu trabajo original.

¿Por qué crees que la escena musical de Nashville (Music City) sigue generando seguidores fieles?

Chris: Si quieres ser estrella de cine, vas a Hollywood, si quieres ser actor de teatro, vas a la ciudad de Nueva York y si eres compositor debes aterrizar en Nashville. Los seguidores devotos de los que hablas en Nashville están dedicados a la canción, a su composición, les encanta, la aprecian, quieren escuchar el viaje de la canción, cómo surgió, qué la inspiró y cómo surgió todo. Es muy raro y bastante único. Y como compositor sientes que has encontrado tu santuario, es bastante mágico.