El verdadero camino del blues
Entrevistas con Carolyn Wonderland, Brandon Santini y Jad Tariq: El verdadero camino del blues
Carolyn Wonderland: La Verdad de Texas. Agradecimiento a Marc Lipkin (Alligator Records), fotos por Mary Bruton.
Carolyn Wonderland, con su dinámica guitarra, su formidable composición y su voz texana, se ha ganado con creces su reputación de artista fervientemente independiente. Wonderland interpreta soul original, bluesificado y cósmico, mezclado con fuertes dosis de tex-mex y rock ‘n’ roll cargado de riffs.
Ha actuado profesionalmente desde los 15 años y ha llevado una vida vibrante y aventurera. A lo largo de su carrera, ha tocado con íconos como Townes Van Zandt y Levon Helm, de Buddy Guy a Hubert Sumlin, de Bob Dylan a John Mayall, mientras escribía su propia historia. En su nuevo álbum de Alligator Records, Truth Is (mayo de 2025), con sus canciones vívidamente detalladas e instantáneamente memorables, reflexiona sobre el mundo con honestidad y una convicción virtuosa.
Las canciones audaces y perspicaces de Wonderland transmiten verdades de sentido común que, en sus palabras, «necesitan ser contadas«. Están inspiradas por su punteo de guitarra a veces salvaje y otras veces suavemente melódico, junto con su voz potente pero aún vulnerable.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿Cómo describes tu sonido y tu filosofía musical?
Para mí, la música es mi iglesia. A veces es mi única oración. Cuando tengo la oportunidad de tocar y compartir música en vivo, es una oportunidad para bailar, sumergirme en el éter y salir de mi propio camino. Cuando escribo canciones, suelo tratar sobre cosas que intento comprender.
A menudo hay una cualidad de «nota personal» y un deseo de encontrar una verdad universal que se aplique a situaciones tanto en el microcosmos personal como en el macrocosmos más amplio de nuestras comunidades y del mundo que nos rodea. ¡Se trata de descubrir! Encontrar tu voz y usarla donde sientas que puede ser útil. El mundo es aterrador y hermoso a la vez. Es imperativo decir la verdad al poder y defender a los desfavorecidos y a quienes aún no han encontrado la oportunidad de usar su voz.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
De pequeña, siempre había música en casa. Mi madre fue la primera persona a la que vi tocar la guitarra. Tenía una Strat, dos Martins, y una Super Reverb, y yo podía tocar con ellas si me lavaba las manos y dejaba de usar plumilla para hacer el movimiento «Windmill» de Pete Townshend. De adolescente, no estaba segura de si a alguien más le gustarían las canciones que me hacían tan feliz escribir.
Tomé prestado el coche de mi madre sin permiso y empecé a ir a los lugares de música de Houston a improvisar. Iba a componer canciones en las sesiones de blues en Dan Electro’s con Teri Greene, o buscaba a Joe «Guitar» Hughes, Jerry Lightfoot, Little Screamin’ Kenny, Lavelle White, Uncle John Turner, Allison Fisher o Scott Daniels.
Intercambiaba canciones en el Local’s con Townes Van Zandt a los 16 años, y aunque siento que hice el ridículo, ojalá le hubiera contado a mi madre para que me acompañara. Eran sobre todo locales de blues, casas de folk, locales hippies y bares punk los que me dejaban entrar sin pedirme el carné. Así que diría que Houston y su rica colección de músicos fueron los que más me moldearon.
Ha habido momentos en los que he pensado en dejar de intentar dedicarme a la música. No es que no pudiera dejar de tocar nunca, es lo que hago y mi forma de expresarme… pero a veces es casi imposible llegar a fin de mes dependiendo de los ingresos de tus pasiones. Ha habido momentos en los que me he sentido animada a seguir adelante en momentos críticos.
Cuando Bob Dylan me llamó, me estaba recuperando de vivir en mi camioneta a tiempo completo para poder seguir de gira con una banda. Fue muy amable y hablamos de música, compositores, canciones e improvisamos un par de veces. Me pidió que escribiera versos de respuesta a «Leopard Skin Pillbox Hat!». Me pareció un encargo de escritura muy divertido, así que lo terminé antes de la prueba de sonido del día siguiente. Aunque quizá no fuera su intención, me hizo sentir que iba a estar bien en este mundo.
Hubo momentos en que pensé que me rendiría, y entonces ¡boom! Aquí viene otra alma hermosa para guiarte de vuelta al camino. Me encantó cuando Poodie nos pidió a Shelley King y a mí que cantáramos coros para Willie Nelson; pensé que iba a flotar del escenario. Todavía no puedo creer que pude cantar y tocar con Kris Kristofferson en Levon’s (¡para el cumpleaños de Hubert Sumlin!) y de nuevo un par de veces en Austin, una vez para recaudar fondos para el Proyecto Nobelity. Cada vez que me siento inútil, estos recuerdos son el motor que me impulsa a seguir adelante.
Me fascinó poder reimaginar el material de The Stooges con James Williamson, estar en bandas con Shelley King, Marcia Ball, Cindy Cashdollar y Papa Mali, grabar con Ray Benson para Michael Nesmith y todos los momentos inesperados con los que me topé. Poder tocar «Rambles» de Levon Helm fue el mejor consuelo para el alma que uno podría desear. Nunca he conocido a un hombre tan genuinamente alegre. Todavía me siento como un tesoro al pasar por su casa en Woodstock. ¡Lo hacemos siempre que podemos!
Si se trata de un cambio de vida, sin duda le daría el título a los 7 años que pude tocar con John Mayall. Pensé que tocaba la guitarra antes de unirme a la banda, ¡y me equivoqué! Fue un gran honor tocar en el concierto soñado de cualquier guitarrista. Él realmente sabía cómo sacar lo mejor de cada uno. Nunca tocaba el mismo set dos veces y le gustaba llevar tu forma de tocar un poco más allá de lo que podrías haber estado cómodo.
Él trajo la pasión, ¡y quería la tuya también! Sus giras preferidas eran de 50 conciertos, 60 días, por 19 países a la vez. John tenía más de 80 años cuando me uní. Veía cómo los años se desvanecían a medida que se acercaba al escenario. Parecía de otro mundo. Era pura magia. Todos en la banda amábamos a John y desde el principio quedó claro que éramos una familia unida, forjada en el crisol de la carretera. Aprendí muchísimo sobre música y dignidad gracias a John y a todos los miembros de la banda. Oye, si buscas una sección rítmica de estilo Chicago increíble para grabar, ¡te recomiendo encarecidamente que contactes con Greg Rzab y Jay Davenport!
¿Por qué crees que el legado de Alligator Records sigue generando tantos seguidores fieles?
Porque de verdad les importa. ¡Es algo poco común y muy apreciado! Todavía tengo que pellizcarme para darme cuenta de que estoy haciendo música y que estoy en Alligator Records. Algunos de mis discos favoritos, reproducidos hasta que se rompió la cinta o se desvanecieron los ritmos, incluyen muchos lanzamientos de Alligator, desde Hound Dog Taylor, Albert Collins y Lonnie Mack hasta Shemekia Copeland y Marcia Ball.
¡Ese sello lo tiene todo! Defienden el blues tradicional sin tratarlo como una pieza de museo. Un pie firmemente en la ciudad (Chicago) y arraigado en la tradición, mientras que el otro impulsa a la nueva generación de músicos, como Kingfish y Southern Avenue. Me encanta que siempre estén atentos a la música nueva. ¡Me emociona que también se arriesguen con músicos eclécticos de carretera como yo!
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Sobre todo, extraño a mis amigos e ídolos que ya no están. Sus voces únicas no se replicarán, ni deberían. Tengo fe en que la música sobrevivirá a todo lo que la tecnología le ponga por delante. La gente se emociona cuando crea una máquina que hace «boop» en su momento, pero años después esos sonidos se vuelven obsoletos.
A la gente le preocupa la IA, y con razón. Para empezar, la música no es un camino fácil. Creo que con el tiempo la gente se aburre de las aproximaciones cercanas al soul y busca lo auténtico. Se puede lograr con máquinas, pero no sin soul (¡oye, toco con amplificadores y pedales, no estoy trazando una línea anti-maquinaria arbitrariamente!). Creo en la música. Espero que mantengamos vivos tantos idiomas (y géneros) como la música inevitablemente evolucione.
¿Qué significa ser una artista femenina en un mundo de hombres, como decía James Brown? ¿Cuál es la situación de las mujeres en la música?
Aunque no puedo hablar por todas las mujeres en la música, puedo decir que las que conozco están dando lo mejor de sí y se apoyan mutuamente. Sí, la misoginia sigue ahí. También el racismo y la homofobia. Simplemente no permitimos que nos detengan. Me he sentido increíblemente inspirada por las mujeres con las que trabajo como voluntaria en Austin, Texas, en HomeAustin.org. Somos una organización benéfica local dirigida por mujeres que lleva más de una década operando, trabajando para dar vivienda a los músicos mayores de Austin.
Viviendo en mi camioneta durante dos años, aprendí que es prohibitivamente caro ser pobre, y mucho peor cuando no tienes hogar. Para mantener a nuestros músicos mayores, que a menudo viven con poca o ninguna red de seguridad, fuera del sistema, trabajamos para apoyarnos mutuamente. No me gusta que nuestros servicios sean necesarios en la sociedad actual, pero estoy decidida a hacer mi parte para ayudar. A veces se siente un alivio gritar al vacío, pero al final me resulta más satisfactorio convertir mis palabrotas en acciones.
Las mujeres en la música y en la vida estamos a partes iguales progresando y siendo derribadas. También nos estamos uniendo y aprendiendo a reclamar nuestro poder y a reconocer nuestro valor. Resulta que, si te preocupaban estas cosas, podemos «dar el primer paso» marchando juntas en protestas, y hay muchas cosas en el mundo actual que merecen protesta. Parafraseando mi propia letra: «Hazte a un lado o echa una mano, no vamos a volver atrás«.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Ya he hablado mucho de John Mayall, pero aquí hay otra forma en que me ayudó a ser menos cobarde. Me enseñó a no dejar que el miedo se interpusiera en mi camino. Si lo peor que puede pasar es el rechazo, ya lo estás si rechazas el intento. Con la confianza que me inculcó, usé mi voz temblorosa para pedir lo que creía imposible, y lo conseguí. Déjame explicarte… mientras estaba en la banda de John, también me mantuve lo más activa posible en giras entre sus giras.
En una de esas giras, volvimos a Woodstock, donde estaba hablando con una de mis personas favoritas, Cindy Cashdollar. Me preguntó qué planeaba hacer para mi próximo disco. No tenía sello discográfico, solo un montón de canciones y un montón de ideas a medio hacer. Me preguntó quién quería que produjera mi próximo disco, y le solté: «En un mundo perfecto, le preguntaría a Dave Alvin«. Era pura fanfarronería. De ninguna manera uno de mis compositores y guitarristas favoritos me contestaría una llamada, y mucho menos me diría que sí.
Solo era un decir hasta que Cindy sacó su teléfono del bolso, lo llamó y me lo pasó. Casi me sonrojé ese día. Gracias a Cindy, he hecho un amigo para toda la vida y un productor increíble en Dave. El primer disco que grabamos juntos es «Tempting Fate«, ¡que terminó siendo mi primer lanzamiento con Alligator! Tuvo la amabilidad de regresar como nuestro «Reorganizador Loco» para nuestro nuevo lanzamiento de Alligator, «Truth Is«. Estoy abrumada de gratitud por este suceso.
¿Cuál es el equilibrio entre la técnica y el alma en la música? ¿Cuál es el papel de la música en la sociedad actual? ¿Qué caracterizaría a la escena del blues texano en comparación con otras escenas y circuitos locales de Estados Unidos?
Doug Sahm cantó una vez: «No puedes vivir en Texas si no tienes mucha alma«, y creo que hay algo de cierto en eso. Me mudé a Austin cuando Doug sugirió que era la «tierra de las clases de guitarra gratis«. ¡No se equivocó! Hay un poco de fanfarronería, quizás algo en el agua que une al zydeco con el blues y a los norteños con las polkas, el mismo hilo conductor en el tapiz musical que hace que incluso nuestros folkloristas, jazzistas, psicodélicos de la Costa del Golfo y punks suenen como texanos.
No hace falta ponerse botas para seguir ese ritmo, solo hay que escucharlo y sentirlo. Hay un toque de rebeldía en el blues texano. Hay mensajes codificados en las letras que crearon nuevas frases y poesía frente a la opresión que aún usamos hoy. Se puede escuchar en las canciones de Juke Boy Bonner sobre Houston y se puede sentir en el Country Blues de Mance Lipscomb, así como en el Big City Blues de Lightnin’ Hopkins. Puedes extenderlo como Gatemouth Brown y abarcar todos los géneros a tu antojo.
Hay un arco argumental entre Blind Willie Johnson y Blind Lemon Jefferson que, en mi opinión, fluye con naturalidad en músicos como Ruthie Foster, Sue Foley, Gary Clark, Jr. y Jackie Venson. Creo que el factor unificador que encuentro es la autenticidad y la honestidad tanto en la composición como en las interpretaciones. Cuando la gente se indignaba por los recientes premios y reconocimientos de Beyoncé en la música country, simplemente tuve que sonreír y decirles: «¡Me suena a Texas, y me encanta la música de Texas!».
Brandon Santini: Tomemos el Camino del Blues. Agradecimiento a Mark Pucci Media. Fotos por Vertell – Trells Eye Photography.
El nuevo álbum de 11 canciones de Brandon Santini, «Which Way Do We Go?«, publicado en mayo de 2025 a través de MoMojo Records, es una intrépida incursión en el soul del blues moderno de la mano del cantante, compositor y armonicista siete veces nominado a los Premios de la Música Blues, Brandon Santini.
De regreso a su antigua ciudad natal, Memphis, Tennessee, Santini da un gran paso adelante con esta obra electrizante y honesta, producida por su viejo amigo y camarada musical, Jeff Jensen. Brandon Santini nació en la región de Piedmont, Carolina del Norte, se mudó a Memphis en 2003 y se formó en blues en la histórica Beale Street, donde se ganó muchos fans como artista habitual en los clubes Rum Boogie Cafe & Blues Hall.
Santini reside en Springfield, Illinois, desde 2018. Su profunda conexión con el blues y la música de raíces estadounidenses impulsa su enérgica mezcla de blues tradicional con un toque contemporáneo. Con casi veinte años de actuaciones en América del Norte, América del Sur, el Reino Unido, Europa, India y Egipto, Santini es famoso por irradiar emoción cruda y energía contagiosa a su público, lo que le valieron elogios de la crítica y premios en el camino.
¿Cómo ha influido el blues en tu visión del mundo? ¿Qué momento cambió más tu vida musical?
Creo que mi pasión por el blues durante casi treinta años me ha permitido comprender cómo esta música fue creada por hombres y mujeres que sufrieron una inmensa injusticia racial y dificultades, mucho mayores de las que yo jamás tendré que afrontar. Desde muy joven, me fascinó cómo vivían estos músicos de blues, su estilo de vida e incluso cómo se desahogaban los fines de semana. Eso es lo bonito: la música no resolvió sus problemas, pero sin duda les ayudó a olvidarlos por un tiempo.
Sin duda, el momento que más cambió mi vida musical fue en 2003, cuando Justin Sulek, el guitarrista de una banda que formamos juntos llamada Delta Highway, sugirió que nos mudáramos a Memphis. Tenía un encanto innato y se le daba bien convencer a la gente, pero me sumé a la idea de inmediato. El resto es historia: en 2009, nos convertimos en una banda nominada al Blues Music Award, y esta fue la primera vez que estuve de gira por todo el mundo con ella. Así que sí, ese fue definitivamente el momento que cambió mi vida para mejor.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
Siento que mi mayor crecimiento ha sido como artista en vivo. He estado de gira desde 2006 y, durante algunos años, hacíamos más de 200 conciertos al año. Realmente aprendes a conectar con la gente y a conectar directamente con ellos durante los conciertos. Además, estar en el escenario te mantiene alerta: ¿mantienes el tren en las vías o se descarrila por completo?
Algo que siempre ha permanecido igual en mi música es que siempre ha estado fuertemente arraigada en el blues tradicional. Con el nuevo álbum que estamos lanzando, adoptamos un enfoque de blues más moderno con algunas canciones realmente honestas, ¡pero siempre oirás un toque de James Cotton o Sonny Boy Williamson II salir de mí!
Tu quinto álbum se titula «Which Way Do We Go?». ¿Tienes alguna anécdota interesante sobre su creación?
La creación de este álbum fue divertidísima. No podría haber pedido un mejor grupo de amigos. La banda y yo estábamos de gira en agosto de 2024 cuando estuvimos en Memphis durante cuatro días para grabar la batería, el bajo y la mayoría de las guitarras. Regresé en diciembre durante otros cuatro días para grabar la voz y la armónica. Mi banda principal de gira fue la banda del disco, así que había una verdadera sensación de hermandad. Fue una sesión de apoyo y diversión, llena de risas.
Por supuesto, cuando Jeff Jensen produce el álbum, te garantizamos unas risas increíbles. Él y yo nos conocemos desde 2011, cuando se unió a mi banda y estuvo de gira conmigo durante unos tres años. También tenemos una banda juntos llamada Tennessee Redemption. Pero me estoy desviando del tema… estoy muy feliz de que Jeff haya podido trabajar con nosotros. Fue un proceso realmente fluido; todos trabajamos de maravilla en el sur de Memphis.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Que los aviones se retrasan, que las ruedas de la camioneta se ponchan y que las cosas no siempre salen bien. Pero hablando en serio, mi carrera musical, especialmente viajar, me ha enseñado mucho sobre cómo podemos romper barreras a través del poder de la música.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música en la sociedad actual?
Es originalmente una forma de arte estadounidense, una forma de arte negra, que surgió de las luchas de personas que fueron maltratadas. Es increíble que algo tan hermoso pueda surgir de tanto dolor. Creo que el papel del blues en la sociedad actual es recordarle a Estados Unidos sus raíces: una época más tranquila. Una época en la que no existían los teléfonos ni las redes sociales. Si quieres sentir algo de eso, ve y quédate en Clarksdale, Mississippi. Eso lo pondrá todo en perspectiva.
¿Qué estás haciendo para que tu música siga vigente hoy, para desarrollarla y presentarla a la nueva generación?
Siempre estoy trabajando en cómo atraer a un público más joven a los conciertos de blues, la radio y otros medios. No hay nada de malo en que el público principal del blues tenga entre 60 y 70 años —esos seguidores han mantenido vivo el género—, pero ese público está disminuyendo naturalmente debido a la edad. Si encontramos maneras de atraer a más personas de entre 20, 30 y 40 años, podremos mantener el blues fuerte para las generaciones futuras.
Lamentablemente, eso no está sucediendo tanto como debería, ¿verdad? Musicalmente, intentamos que mis álbumes sean bastante enérgicos en lugar de basarnos demasiado en material más lento, con la esperanza de que el público más joven pueda sentir la emoción de la música.
Este nuevo álbum, es un intento directo de atraer a un nuevo grupo de oyentes: aquellos que prefieren el blues moderno, el blues-rock o incluso la música americana. Contiene canciones muy personales, y espero que las historias también los atraigan.
Jad Tariq: Que los buenos (viejos) tiempos sigan. Agradecimiento a Sallie Bengtson (MoMojo Records). Fotos por Logan Schall
Jad Tariq, guitarrista y vocalista de R&B residente en Memphis, está causando sensación en la escena musical estadounidense. Interpretando principalmente el jump blues, su estilo con la guitarra exhibe un ritmo jazzístico y dinámico, que se fusiona a la perfección con la cruda intensidad emocional del blues. Su estilo vocal sigue la tradición de los blues shouters de los años 40 y 50, a la vez que presume de la capacidad de cantar baladas emocionantes. El álbum debut de Jad Tariq, titulado «Jad Tariq Sings» (2025 / MoMojo Records), guía a su banda de Memphis a través de 8 cautivantes temas: 5 composiciones originales y 3 clásicos de años pasados.
El álbum es un impresionante debut de este talentoso guitarrista, cantante, compositor y líder de banda. Tariq, de 28 años, se adentra con destreza en el profundo pozo del blues, el jazz y el R&B clásicos y sale con fuerza, filtrando estos sonidos clásicos a través de su propia sensibilidad musical. Tariq comenzó su carrera profesional a temprana edad, dando sus primeros conciertos a los 12 años. Después de la secundaria, Tariq llegó a Memphis para asistir a Rhodes College, donde estudió negocios, aunque se centró más en la rica historia musical de Bluff City.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo?
La música me ha dado la oportunidad de viajar mucho y, de esa manera, ha influido drásticamente en mi vida. He conocido a mucha gente diferente en el camino, de culturas y orígenes muy diferentes. Lo principal que he aprendido viajando es que la mayoría de la gente busca lo mismo: amor, reírse con amigos, seguridad, felicidad y salud para la familia, etc. Creo que en ese sentido, todas las personas son más parecidas que diferentes.
¿Qué momento musical cambió más tu vida?
Por muy gracioso que sea, empecé a tocar la guitarra cuando vi un vídeo de la banda de rock KISS. Estaba jugando un videojuego de skate de Tony Hawk donde podías desbloquear a Gene Simmons como personaje, y entonces puso un video de KISS en vivo. ¡Con 8 años, era lo mejor que había visto y oído en mi vida! Me enamoré de la música y esa fue la razón por la que empecé a tocar la guitarra.
A menudo cito el video de «In Sessions» de Albert King y Stevie Ray Vaughan como el momento de mi vida en el que me enamoré del blues, ¡pero ese video de KISS fue el momento en el que me enamoré de la guitarra eléctrica! Diría que este es el momento musical que más cambió mi vida, por muy gracioso y divertido que sea, porque me encaminó a ser músico de por vida.
¿Cómo describes tu sonido, filosofía musical y repertorio? ¿De dónde surge tu impulso creativo?
Describiría mi música como Rhythm & Blues. Sé que el término «Rhythm & Blues» ha cambiado y evolucionado con los años, pero me interesa especialmente el sonido Rhythm & Blues de los años 50. Hay muchísimas influencias en esa época: jazz/swing, country, góspel; me encanta la mezcla de estilos que tenían muchos de esos artistas. Uno de los aspectos que me encanta de esa música es lo cercana que resulta. Las historias y los sonidos parecen atemporales y pueden llegar a casi cualquier persona.
De ahí proviene, sin duda, mi impulso creativo: el deseo de hacer música que llegue a todos. Especialmente cuando escribo canciones, intento ser consciente de no ser demasiado artificial, manteniendo la música simple y comprensible. Es lo mismo cuando tocas un instrumento: incluso si presentas una idea compleja, creo que es realmente ingenioso cuando puedes hacerlo de una manera agradable y fácil de entender.
¿Hay algún recuerdo o momento destacado de tu carrera que te gustaría compartir?
No lo destacaría como un momento específico, sino más bien el simple hecho de estar rodeado de tantos artistas fantásticos en Memphis y poder desarrollarme y aprender de ellos. Hay muchos músicos de blues de la generación anterior que nos han ayudado mucho a los jóvenes. Gente como John Nemeth, Tony Holiday, Earl the Pearl… hay muchísima gente en esta ciudad dispuesta a ayudar a los jóvenes a aprender y a impulsar sus carreras.
Creo que esto es una de las cosas realmente especiales de esta ciudad. Hay muchos músicos jóvenes con los que a menudo toco, escribo y grabo: Wyly Bigger, Benton Parker y Jon Hay, por nombrar algunos. Hay una gran energía colaborativa que todos compartimos, y la agradezco mucho.
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
¡Extraño los errores! Mucha (pero no toda) la música actual está totalmente libre de errores. La grabación digital sin duda brinda la oportunidad de corregir errores, y creo que esto se aprovecha a menudo en el mercado del pop. La tecnología también nos ha dado acceso a mucha música, así que no generalizo toda la música del presente.
Mucha de mi música favorita del pasado tiene errores que realmente aportan un elemento humano al sonido. Aprecio mucho a muchos artistas modernos que conservan una sensación de crudeza en su música. No tengo muchos temores por el futuro de esta música; parece que hay mucha gente de mi edad que todavía toca blues/música de raíces tradicional, ¡y lo hace muy bien! Solo espero formar parte de eso, honrar a los ídolos del pasado, pero también transmitir mi propia personalidad a la música que hago.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
¡He aprendido a escuchar! Creo que escuchar siempre será una de las cualidades más importantes de un buen músico… ¡Y de una buena persona! Sin duda, aún no he terminado de aprender esto.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica y el alma/sentimientos? ¿Cuál es el papel de la música en la sociedad actual?
La técnica es importante, ya que te da las herramientas para expresar tus emociones eficazmente con un instrumento. ¡Siempre que un músico tenga la técnica suficiente para expresarse como quiere, es suficiente! En ese sentido, la técnica es realmente un medio para un fin. Sin embargo, creo que es importante desarrollar destreza con un instrumento porque nunca quieres quedarte estancado en un momento en el que escuchas algo en tu cabeza pero no tienes la capacidad de tocar la idea que estás escuchando. Creo que mientras haya un poco de gusto o moderación, ninguna técnica puede hacer daño.
¿Qué estás haciendo para mantener la relevancia de tu música hoy en día, para desarrollarla y presentarla a la nueva generación?
Ciertamente disfruto de ese sonido y enfoque de la vieja escuela, pero estoy haciendo todo lo posible por desarrollar mi propia identidad y estilo. Por supuesto, todos aprendemos imitando a nuestros ídolos, y todavía estoy encontrando mi propia voz en este género. En cuanto a mantener la relevancia de la música, creo que todo lo que puedo hacer es cantar y escribir canciones que surjan de mi propia experiencia.
La gente suele aconsejar «escribe sobre lo que conoces», y creo que es cierto. Creo que, mientras hables desde tu experiencia, la música siempre será cercana a cualquier generación. Es fácil caer en clichés en este género, así que intento evitar caer en ellos. Aunque algunos clichés también pueden ser divertidos, es cuestión de equilibrio.
Viajemos en una máquina del tiempo: ¿adónde y por qué quisieras ir un día entero?
Me habría encantado ver la escena musical de Memphis en aquella época. Poder ver actuaciones en vivo de B.B. King, Bobby Bland, Junior Parker, Rosco Gordon, Johnny Ace, etc., sería un sueño. La música de Memphis siempre ha sido una gran pasión para mí, desde Sun hasta STAX y Royal; gran parte de la música con la que crecí proviene de esta ciudad. Creo que es, sin duda, una de las mejores músicas jamás creadas.
