Entrevista con Billy Branch
Billy Branch, alguna vez aclamado como líder de la «Nueva generación del blues de Chicago», ahora se ha convertido en un respetado veterano de la escena, siguiendo a muchos de sus ídolos en el Salón de la Fama del Blues. Uno de los armonicistas más destacados del blues, también es un ferviente portavoz de la música, la cultura y la historia que representa, dedicado a transmitir su legado a las generaciones futuras.
El nuevo álbum de Billy, Blues is my Biography, incluye el sencillo Begging for Change homónimo, lanzado el 6 de junio de 2025. El álbum completo está programado para el 7 de noviembre de este mismo año. El sencillo, es una colaboración con Shemekia Copeland como voz principal y Ronnie Baker Brooks cn un solo de guitarra. Fue coescrito y producido por Larry Batiste. La canción también cuenta con la participación del Coro del Centro Musical Comunitario del Oeste de Chicago. El álbum se publica a través de Rosa’s Lounge Records, lo que marca el primer lanzamiento del sello.
Entrevista con Billy Branch – El blues es mi biografía. Agradecimientos a Billy Branch & Lynn Orman.
En primer lugar, tienes mucha experiencia en la vida y en la música. ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de esa experiencia?
Diría que una de mis experiencias más importantes fue estar en la banda de Willie Dixon, siendo su armonicista durante seis años, y de Willie Dixon aprendí muchísimo sobre cómo ser un músico consumado. Aprendí el valor de la dinámica, ya sabes, subir y bajar el volumen. Aprendí profesionalismo. Aprendí lecciones de vida de Willie Dixon porque fue un gran maestro, además de líder de banda. Pero en general, diría que simplemente aprendí a ser un músico competente y profesional.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
Siempre lo he intentado; mi banda, Sons of Blues, empezó en 1977 y los miembros han cambiado. Soy el único miembro original de la banda, pero mi objetivo, como yo lo llamo, mi misión era preservar el rico legado del blues de Chicago e incorporar elementos contemporáneos. Así que, como me gusta describirlo en mis conciertos, digo que tenemos un pie en el pasado y siempre la vista puesta en el futuro. Mi música, creo, refleja eso. Y con mi próximo álbum, creo que esos principios, esa filosofía, son muy evidentes en mi próximo lanzamiento.
Formas parte del proyecto «Blues en las Escuelas». ¿Qué estás haciendo para mantener la relevancia de tu música hoy, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
He impartido clases de blues en escuelas desde 1978 y lo he hecho en Estados Unidos y en todo el mundo. He impartido programas de blues en escuelas en Bélgica, Japón, he impartido talleres en China, Sudamérica y México. Y dependiendo de la estructura del programa, a veces puede consistir en una sola actuación, a veces puede durar de dos a cuatro semanas o más.
Y lo que enfatizo, además de enseñar armónica, es la importancia de la historia y el legado cultural del blues, porque el blues, como sabemos, es la raíz de la música estadounidense. Toda la música estadounidense, excepto la nativa americana, surgió de la fuente del blues.
Así que ahora me complace mucho ver el surgimiento de muchos jóvenes artistas afroestadounidenses prometedores y muy talentosos que se incorporan al género. Y aunque no haya tenido una participación directa en eso, sí la he tenido en cierta medida, pero siento que es algo de lo que he formado parte. Así que me siento muy animado por esta nueva ola de jóvenes artistas emergentes.
¿Qué tan importante ha sido el Rosa’s Lounge Club en tu vida y tu carrera?
Toqué en la gran inauguración del Rosa’s Lounge. Fui el primer artista. Y Rosa’s Lounge ha sido uno de mis lugares favoritos para tocar. Es un club pequeño y algo íntimo, pero Mama Rosa y Tony (Mangiullo) eran inmigrantes italianos y desarrollaron lo que ahora se ha convertido en un referente, uno de los lugares importantes para el blues de Chicago. Siempre se han promocionado como el club de blues más acogedor de Chicago. Cuando Mama Rosa trabajaba allí, estaba tras la barra y, con su marcado acento italiano, se encargaba de las operaciones diarias. Y eso le daba una cualidad especial, creo, que hizo que la gente se encariñara con el club.
Mama Rosa ahora vive en Italia, pero el legado del Rosa’s Lounge continúa, y es un ambiente realmente acogedor porque Tony Mangiullo, su propietario, a veces se desvive por saludar a los clientes o por acomodarlos. Y el Rosa’s Lounge ha recibido a algunos de los mejores músicos de blues del mundo, desde Junior Wells hasta Sunnyland Slim, Pinetop Perkins, Jimmy Rogers; algunos de los mejores han tocado allí. Y creo que Rosa’s Lounge tiene una cualidad especial, una cualidad más personal y cercana que no se encuentra en la mayoría de los bares o clubes de blues.
Has trabajado en muchos entornos diferentes, desde clubes y estudios hasta festivales al aire libre y bares de mala muerte. ¿Cómo te mueves entre estos mundos tan diferentes?
Bueno, básicamente, no hay diferencia. Siempre te esfuerzas por complacer a tu público. Quieres dar el mejor espectáculo en todos los escenarios. Ha habido momentos en los que has estado en un entorno donde quizás no tuviste tanta afluencia de público, especialmente al principio de tu carrera, pero aun así, te sientes obligado a dar lo mejor de ti.
Porque como artistas, nunca se sabe quién está entre el público. Y a veces puede haber muy poca afluencia de público, pero puede haber una persona o personas muy importantes que te ayuden a alcanzar el siguiente nivel. Así que siempre nos esforzamos por dar lo mejor de nosotros mismos, sin importar el entorno.
¿Qué significa el blues para ti?
El blues es, como lo definía Willie Dixon, la esencia de la vida. También se define, como lo llamaba Willie, como las raíces. Toda la música estadounidense es el fruto. Pero para mí, tiene una relevancia muy personal e importante porque es música folclórica afroestadounidense. Y aunque muchas personas en todo el mundo y en Estados Unidos han elegido esta música, para dedicarse a ella profesionalmente, es fundamental para mí darme cuenta de que fueron mis antepasados quienes, con su sangre, sudor y lágrimas, inventaron esta música.
Y es fundamental que el blues sea más reconocido como la base de la cultura musical estadounidense. Además, el blues no solo ha afectado a la música estadounidense, sino a nivel mundial. Esta es la música que dio origen a la invasión del rock británico. Cuando hablamos de The Doors, Led Zeppelin, Rolling Stones, The Beatles, todos estos grupos surgieron de la fuente del blues.
En tu nuevo sencillo, titulado Beginning for Change, eres como un músico que toca para el cambio. Realmente, ¿qué tan importantes fueron el blues y la música afroestadounidense en las implicaciones socioculturales?
Esta nueva canción, que escribí y coescribió Ronnie Baker Brooks, otro excelente y destacado bluesista, es una crítica social. Y a lo largo de la historia, se ha encontrado crítica social en las canciones de blues. Sé que J.B. Lenoir tenía Eisenhower Blues. Hay bastantes canciones que abordan la actualidad de la época. Y aunque el blues no suele asociarse con la música de protesta, muchas veces puede percibirse como crítica social.
Muchas veces el blues tiene un doble sentido. Y creo que el blues es un vehículo muy adecuado para expresar estas preocupaciones que enfrentamos hoy. Esa canción, Begging for Change, la compuse porque sentí que en estos tiempos, el mundo entero está, de hecho, rogando por un cambio. Vemos en Estados Unidos una situación de calle desenfrenada. Gente durmiendo en las calles. Gente durmiendo en sus coches. Familias enteras viviendo en sus coches y en las calles.
Y luego está el cambio climático global. Tenemos tantas situaciones en las que la población en general está muy insatisfecha con sus gobiernos. Sienten que, en muchos casos, sus gobiernos no solo no los sirven, sino que los oprimen. Por eso me inspiré para escribir esta canción. Y somos optimistas de que quizás esta canción se convierta en un himno mundial.
74 años. ¿Qué es la felicidad para Billy? ¿Cuál crees que es la clave para una vida plena?
Creo que la clave para una vida plena es el éxito. Como músico, al producir discos, esperas que se vendan muchas copias y que la gente quiera escuchar tu música. Y también poder presentarla en muchos y muy grandes espacios como sea posible. Los festivales, por supuesto, son clave. Pero creo que cuando te conviertes en un nombre conocido no solo por un público pequeño, sino también por un público grande, y has mantenido un alto nivel musical y eres capaz de pagar tus cuentas, entonces puedes considerarte un artista exitoso.
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Y cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Bueno, lo que extraño hoy en día es la ausencia de todos los grandes músicos con los que tuve la oportunidad de aprender, trabajar, salir de gira y grabar. Cuando entré en la escena musical aquí en Chicago, alrededor de 1970, había literalmente cientos de maravillosos y talentosos artistas de blues.
Por ejemplo, James Cotton, Junior Wells, Cary Bell y Big Walter Horton fueron los principales armonicistas de los que aprendí. Pero también estaban Koko Taylor, Sunnyland Slim, Homesick James, Johnny Littlejohn, Floyd Jones, Jimmy Walker. Son demasiados para nombrarlos. Y extraño que estos maravillosos artistas ya no estén aquí. Fue una experiencia muy enriquecedora haber aprendido de primera mano de estos magníficos artistas y haber tenido la oportunidad de salir de gira con ellos.
Otis Rush me llevó a mi primera gira a Japón. Sabes, toqué con Buddy Guy muchas veces. Buddy Guy es uno de los últimos que quedan, pero creo que eso es lo que más echo de menos. Y lo que espero para el futuro, y creo que hay un impulso creciente, es que el blues salga del anonimato o de un lugar underground para ser más reconocido y popular. Porque, al fin y al cabo, el blues está en todo el mundo ahora mismo. Y el blues refleja ese sentimiento a la perfección.
¿Cómo entraste en contacto con The Sons of Blues? ¿Cómo surgió la idea?
Jim O’Neal me dijo: «Aquí tienes una oportunidad. ¿Te gustaría ir a Alemania?«. Le dije: «Sí, claro» (nunca había estado en Europa). Y me dijo: «Tú y Freddie [el hijo de Willie Dixon] están en una banda, así que solo necesitamos un baterista y un guitarrista. ¿Conoces a Lurrie Bell?«. Lurrie, hijo de Carey Bell, yo lo conocía, pero no muy bien. Así que fui a casa de Lurrie y Carey y les pregunté si Lurrie podía ir con nosotros, y Carey me dijo: «Sí, pero asegúrate de cuidarlo«. Lurrie solo tenía 19 años por aquel entonces, pero llevaba tocando desde los dos o tres años y ya era un músico experimentado y muy talentoso.
The Sons of Blues, …Fathers and Sons (álbum de Muddy Waters). ¿Cuáles son las diferencias y similitudes entre los Padres (los veteranos del blues) y los Hijos, las nuevas generaciones?
Bueno, cuando formamos The Sons of Blues, todos, excepto yo, éramos hijos de un famoso músico de blues. Teníamos al hijo de Willie Dixon, Freddie Dixon. Teníamos al hijo de Carey Bell, Lurrie Bell. Y teníamos al hijo de Clifton James, baterista de Willie Dixon y del baterista original de Bo Diddley. Se llamaba Garland Whiteside. Yo era el único que no era hijo de un famoso músico de blues, aunque mi padre sí tocaba el contrabajo en el Servicio.
La vieja generación, supongo que te refieres a… bueno, en Chicago sería, supongo, la segunda generación de artistas que emigraron del sur al norte. Y eso incluiría, en general, a casi todos los grandes nombres que conocemos del blues. Ya sabes, John Lee Hooker, Howlin’ Wolf, Little Walter, Sonny Boy Williamson y muchos por nombrar. Estos hombres y mujeres, vivieron tiempos extremadamente difíciles. Entornos muy adversos. Venían del sur, donde te podían castigar con solo mirar a una persona blanca.
No se les permitía beber del mismo bebedero. No se les permitía comer en los mismos restaurantes. Tenían que sentarse en la parte trasera del autobús. E incluso si era un niño blanco quien te hablaba, tenías que dirigirte a él como «sí señor» o «sí señora». Y ni hablar de recoger algodón bajo el sol abrasador durante, a veces, doce horas. Vivieron tiempos terriblemente duros. Tuvieron una existencia muy dura.
Y aunque muchos de nosotros hemos desarrollado nuestras habilidades musicales para tocar a un alto nivel profesional, nunca experimentamos lo que estos hombres y mujeres tuvieron que pasar. Así que siempre he sido consciente de las dificultades que tuvieron que superar para que personas como yo, otros de mi generación y las futuras pudieran tocar esta música.
¿Qué te emocionó del sonido de la armónica? ¿Recuerdas el primer disco de vinilo que compraste?
Recuerdo mirarla en la vitrina y una vocecita me dijo que podía tocarla. Costaba un dólar, y yo tenía un dólar. Así que la compré, la saqué de la caja, la toqué con los labios y casi de inmediato pude tocar cualquier melodía que se me ocurriera.
“John Mayall and the Bluesbreakers with Eric Clapton”, fue mi primer álbum… Me quedé tan impresionado que corrí a casa y puse el disco. No sabía que las armónicas venían en diferentes tonalidades, así que no entendía por qué no podía tocar lo que estaba ahí. Sabía que tenía buen oído y podía replicar melodías, así que esto era un enigma.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica y los sentimientos del alma?
El blues, por supuesto, como cualquier género musical, requiere habilidad y un poco de conocimiento técnico, pero sobre todo, el blues es sentimiento y proviene del alma. Y, de nuevo, los afroestadounidenses, al ser los creadores de esta música, beben, nosotros bebimos, de una fuente que es, diría, única de la experiencia afroestadounidense.
Y aunque no estemos en la condición ni en la época de la esclavitud, aún enfrentamos muchos factores discriminatorios. Por el color de nuestra piel. Si ustedes, los afroestadounidenses, siguen siendo detenidos injustamente y, en muchos casos, asesinados por las fuerzas del orden, y las prácticas discriminatorias siguen vigentes en términos de vivienda, educación y oportunidades de empleo. Y todas estas cosas, creo, contribuyen no solo a quiénes somos, sino también a cómo vemos el mundo y cómo interactuamos.
Y todo esto contribuye al sentimiento del blues. Y aunque, por supuesto, hay músicos maravillosos y talentosos de todas las etnias, hay algo muy único y especial en la experiencia afroestadounidense. Cuando veías a James Brown, cuando veías a los artistas de Motown, cuando escuchabas a Mahalia Jackson, por ejemplo, quien fue la reina del góspel. Bueno, hay muchos de ellos extraordinarios. Y creo que se debe a la experiencia afroestadounidense única.
¿Cómo han influido tus viajes por Europa, Japón y Latinoamérica en tu visión del mundo?
Bueno, sí, ser músico y poder viajar por el mundo y forjar estas alianzas y amistades con gente de Sudamérica, Europa y Asia te da, en primer lugar, un sentido de humanidad más fuerte, porque cruzas fronteras culturales, tejes puentes entre culturas, etnias y geografías. Y te da una visión del mundo más amplia. Porque en Estados Unidos, a menudo los estadounidenses tienen la visión casi arrogante de pensar que Estados Unidos es el único país y cultura que importa. Pero al viajar, descubres que eso no es cierto.
Fotos por Lynn Orman del archivo de Billy Branch.
