Dennis Herrera, Hamilton Loomis y Eddie 9V
Americana, soul sureño, cuentos de blues. Entrevistas con Dennis Herrera, Hamilton Loomis, y Eddie 9V
Dennis Herrera: Blues desde el corazón y el alma.
Dennis Herrera nació y creció en San José, California, a un paso de San Francisco, la cuna de la generación hippie y del puente Golden Gate. A temprana edad, Dennis asistió a innumerables conciertos y espectáculos de rock & roll, R&B, blues y soul en el Área de la Bahía, San José, Oakland, Santa Cruz, San Francisco, en Fillmore, Winterland, Avalon Ballroom y en numerosos clubes de blues de juke-joint.
Dennis recuerda con cariño la primera guitarra que le regaló su abuelo, tomó algunas lecciones de guitarra y tocó en bandas de garaje. Desde muy temprano, Dennis descubrió que sus grupos de rock favoritos, los Stones, Savoy Brown y el Fleetwood Mac original, hacían versiones de canciones escritas por grandes del blues como Willie Dixon, Sonny Boy Williamson, B.B. King, Howling Wolf y John Lee Hooker, por nombrar solo algunos.
El reciente lanzamiento del cantante, guitarrista y productor Dennis Herrera, Four (2024), es una colección definitiva y apasionante de canciones de blues originales que salen directamente de su corazón y alma, que incluye dos temas remezclados adicionales; Mean Ole Texas Shuffle con Anson Funderburgh en la guitarra y You Stole My Heart con Jeff Jorgenson en el saxofón.
¿Qué has aprendido del blues y qué significa para tí?
Aprendí a aceptar mis limitaciones, es decir, no puedo vivir para siempre y no puedo compartirlas como si fuera solo un guitarrista de rock pesado. Toco desde el corazón y el alma, aprovechando al máximo las notas individuales sin los detalles técnicos. El blues significa sentimientos que puedo expresar sobre la vida, el amor, los buenos momentos, el dolor y los momentos locos con mi guitarra, las letras y el canto. Es una música relajante que me pone en un estado mental significativo.
¿Cómo describes tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Mi sonido no es diferente al de los músicos de blues que he escuchado y de los que he aprendido, como T-Bone Walker, John Lee Hooker, Jimmy Reed, todos los Kings y tantos más. No he reinventado la rueda, pero trabajo para lograr un sonido propio. Mi motivación proviene de mi deseo de entretener y mantenerme fiel a tocar blues con músicos como yo y, con suerte, vender los discos que hago y que me paguen por los shows, para poder mantener la calidad de la música y de los músicos al más alto nivel para complacer a nuestra audiencia.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
Desde muy pequeño me encanta la música, escuchando la radio y mi tocadiscos día tras día solo o con amigos. Aprendí a tocar la guitarra por diversión y comencé a tocar en serio después de que un profesor me dijera que estaba reprobando mi clase de música en la escuela secundaria, pero que si tocaba para el concurso de talentos de fin de año de la escuela, aprobaría. Lo hice y obtuve una A. Un momento destacado fue grabar con el gran Anson Funderburgh, a quien tengo el honor de llamar amigo y mentor.
Actualmente tienes un lanzamiento más con Anson Funderburgh. ¿Cómo surgió esa relación? ¿Tienes alguna historia interesante sobre la creación del nuevo álbum Four?
Tuve el placer de conocer a Anson Funderburgh a través de mi hermano a finales de los noventa y he asistido a muchos de sus conciertos, como resultado, nos hicimos buenos amigos y compañeros de golf durante años. Una historia interesante sobre la nueva grabación es que comencé a grabar justo cuando comenzó el COVID y tuve que dejarla de lado en 2019 hasta después de mudarme a Prescott, Arizona, y finalmente la terminé y la publiqué el 21 de septiembre de 2024.
¿Qué es lo que más extrañas actualmente de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Yo era parte de la cultura “hippie” en los años 60 y 70, cuando la música era gratis y los ánimos estaban en alto (literalmente), no tanto como negocio, solo pura diversión. Había conciertos gratuitos por toda la costa oeste donde vivía. Quiero decir que nunca habrá otro Woodstock, esa generación cambió el mundo y extraño la libertad que compartimos al vivir por la música en paz. Tengo la esperanza de que no perdamos de vista cómo la música puede ser parte de nuestra vida cotidiana y puede influir en quiénes somos y qué podemos o no aceptar, las letras de las canciones tienen el poder único de enviar mensajes que nos ayudan a sentirnos amados, divertidos, tristes, relajados y mágicamente inspirados, así que supongo que mi miedo sería si de alguna manera y en su mayor parte, tristemente, perdiéramos esta libertad de expresión máxima.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a la gente?
Creo que la música cura nuestras preocupaciones y aflicciones cotidianas, ayuda a mejorar nuestra salud mental y emocional, tiene el poder de unir a las personas, como la canción Get Together de Youngbloods. Creo que la música afecta profundamente a las personas de manera positiva, por ejemplo, la música puede cambiar absolutamente el estado de ánimo de una persona; simplemente escuchar una canción inmediatamente puede recordarnos y llevarnos de regreso a cuándo y dónde estábamos física y mentalmente cuando escuchamos la canción por primera vez; ese recuerdo está con nosotros para siempre; así es como quiero que la música nos afecte como un todo.
¿Qué estás haciendo para mantener tu música relevante hoy, para desarrollarla y presentarla a la nueva generación?
Con la esperanza de mantener mi música vigente, simplemente sigo tocando en vivo, grabando y subiendo todas mis grabaciones a YouTube, CD Baby, Apple Music, muchas fuentes de streaming y canales de radio. También tengo una cuenta de Facebook que me ayuda con la presencia en los medios y un sitio web donde cualquiera puede registrarse en la lista de correo para las próximas fechas y para charlar conmigo. Animo de todo corazón a las generaciones más jóvenes a escuchar y aprender la historia del blues y mantenerla viva.
¿Hay algún recuerdo específico del Fillmore, Winterland, Avalon Ballroom y los locales de blues locales que te gustaría contarnos?
Viví con mis padres en San José durante los años 70 e iba religiosamente al Winterland, Avalon Ballroom y Fillmore de San Francisco. Una vez fuimos a ver a Johnny Winter con Lonnie Mack de telonero. Nos sentamos en la pista y cuando se encendieron las luces del escenario, David Bowie y los Spiders from Mars estaban tocando música a todo volumen con la que no estábamos familiarizados. Había mucho glamour, brillo y pirotecnia en el escenario y fuera del escenario entre el público, lo que nos hizo correr hacia la salida.
Una vez afuera, miramos hacia la marquesina y el espectáculo de Johnny Winter era la semana siguiente o el día siguiente o lo que sea, no recuerdo, pero nunca olvidaré esa noche divertida y loca. Terminamos riéndonos y comiendo patas de cangrejo y pan francés de masa fermentada en el muelle de San Francisco. Más tarde llegué a apreciar el genio de David Bowie. Incluso escuché su música, aunque nunca compré sus discos ni fui a otro de sus conciertos.
¿Lugares de blues locales? Bueno, algunos de los locales de blues a los que iba regularmente eran The Blue Cafe en Long Beach, CA, JJ’s Lounge en San José, Eli’s Mile High Club en Oakland, CA, Slims en San Francisco, propiedad de Boz Scaggs, y Babe ‘n Rick’s Inn en Los Ángeles. Todos estos locales eran campos de entrenamiento estelares y vibrantes para tocar blues, donde recibían a nuestros famosos ídolos del blues todas las noches y, bueno, ¡simplemente mucha diversión!
Durante 54 años, Babe’s and Ricky’s Inn, un club dirigido por la difunta «Mama» Laura, contra todo pronóstico, no albergaba nada más que la mejor música de blues en vivo. Muchos de los pesos pesados venían a tocar para Mama Laura. Tuve el honor de trabajar en el club como barman y ayudé a organizar las sesiones de blues más populares. Durante años fui el chofer de “Mama” al club y a casa mientras compartía historias fascinantes, una tras otra sobre la vida en el mundo del blues. Esta en particular fue una lección de música blues excepcional y una experiencia que atesoro.
Hamilton Loomis: el poder del blues de Lone Star.
Hamilton Loomis nació y creció en Galveston, Texas, es hijo de padres músicos que escuchaban blues, rock y soul. La música corría por sus venas y, con instrumentos a su disposición en casa, aprendió a tocar la batería, el piano, la guitarra y la armónica, perfeccionando su talento multiinstrumental además de actuar regularmente como parte del grupo de doo-wop de su familia.
Pupilo de Bo Diddley, Loomis conoció al ícono detrás del escenario a la edad de 16 años en el famoso local Rockefeller’s de Houston. Antes de que terminara la noche, Loomis estaba en el escenario tocando la guitarra con la leyenda. Diddley rápidamente se convirtió en amigo, mentor, colaborador y seguidor, apareciendo en dos de los álbumes de Loomis y presentando una preciada guitarra roja que todavía toca.
¿Cómo ha influido la contracultura del blues y el rock en tu visión del mundo y por los viajes que has hecho?
Puedo decir que haber crecido en la escena del blues realmente me abrió los ojos al poder de la música para unir a la gente. Tuve la suerte de que los veteranos del blues me enseñaran cómo la música rompe las barreras entre raza, cultura, edad, género, etc., y es más importante que nunca ser parte de eso en nuestro país y mundo tan divididos.
¿Cómo describes tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo?
La gente ha dicho que mi «sonido» es difícil de describir… es realmente una mezcla de toda mi música favorita que escuché cuando crecí: Soul, Blues, Rock, Funk y Pop. Intento que mi sonido sea lo más homogéneo posible, por lo que sale como ritmos Funk con guitarras de Blues y Rock, voces tipo Soul y la mayoría escritas con melodías de tipo Pop. En cuanto a mi impulso creativo, he aprendido a encontrar inspiración en la vida cotidiana, a veces en cosas cotidianas, y convertirlas en algo edificante o inspirador.
Gran parte de mi inspiración reciente ha venido de mi hijo (Bo Jordan Loomis), a quien le diagnosticaron hiperinsulinismo, una enfermedad pancreática rara que provoca niveles peligrosamente bajos de azúcar en sangre. Esto también ha cambiado mi misión para incluir la concienciación sobre el hiperinsulinismo y la hipoglucemia.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué ha permanecido igual en tu proceso de creación musical?
Creo que los artistas siguen creciendo a lo largo de su carrera, y sé que yo lo he hecho. Sé que al principio de mi carrera el desafío para mí era encontrar mi sonido y mi nicho, porque no encajo en una sola categoría. Una cosa que definitivamente no ha cambiado es que sabía que nunca podría calcar el blues tradicional, porque no vivía el estilo de vida que llevaban los maestros del blues. Lo sé desde que era adolescente, así que siempre traté de hacer algo diferente y darle un giro diferente a la música de raíces, escribiendo y cantando sobre mis propias experiencias.
¿Cuál ha sido el obstáculo más difícil que has tenido que superar como persona y como artista? ¿Te ha ayudado esto a convertirte en un mejor músico de blues?
Todo el mundo tiene dificultades, pero estoy muy agradecido de no haber tenido que pasar por muchas de ellas importantes en mi vida, por lo que, una vez más, nunca he hecho blues tradicional, ni siquiera me considero un músico de «blues». Soy simplemente un músico que tiene un profundo amor y respeto por el blues, pero también por muchos otros géneros. Sigo estando muy agradecido de ser aceptado por la comunidad de blues de todo el mundo, y por supuesto mi música tiene elementos de blues.
Lo que realmente me llevó a la escena del blues fueron los Blues Masters en el área de Houston, Texas… Reconocieron mi respeto por el blues y me tomaron bajo su protección y me dieron aliento y exposición, junto con otros guitarristas de mi edad, porque creo que sabían que podríamos ser los que llevamos la antorcha del blues y lo exponemos a las generaciones más jóvenes a lo largo de los años. En realidad, no elegí el blues, el blues me eligió a mí, en cierto modo.
¿Por qué crees que la escena del blues de Texas sigue generando un público fiel?
Es difícil decir por qué la música de Texas tiene tantos seguidores… Creo que es en parte porque ha surgido tanta música excelente de Texas y la gente simplemente lo reconoce y lo acepta. También puede tener algo que ver con el gran tamaño de Texas, por lo que hay muchas influencias diferentes en todo el estado.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? Con una carrera tan ilustre, ¿qué te ha dado más satisfacción musicalmente?
El momento que más cambió mi vida musical fue conocer a Bo Diddley, porque él fue quien me animó a encontrar mi propia voz y mi propio sonido. Me dijo: «Tienes que hacer lo tuyo, no suenes como yo«, y ese fue el comienzo de mi viaje como artista para encontrar mi propio sonido e intentar ser único, algo que él también me animó a hacer.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica (habilidades) y el alma/emociones? ¿Cuál es la fuerza impulsora detrás de tu continuo apoyo a tu música?
En toda la música popular, especialmente el blues, se trata casi TODO de alma, emoción y sentimiento. Así es como conectas con tus oyentes porque puede que no sean capaces de entender el lenguaje de las notas que estás tocando, pero definitivamente entienden y sienten la emoción y la forma en que la expresas. La técnica te permite ampliar tu vocabulario y transmitir lo que quieres decir con tu música, pero el objetivo final es transmitir emoción y sentimientos. Puedes tener toda la técnica del mundo, pero si no estás realmente «diciendo» nada con tu instrumento, no tiene sentido.
¿Qué estás haciendo para mantener tu música relevante hoy, para desarrollarla y presentarla a la nueva generación?
Siempre he tratado de incorporar elementos modernos a mi estilo, con la esperanza de que las generaciones más jóvenes puedan gravitar hacia él. También es genial ver a artistas famosos más jóvenes como Gary Clark Jr, por ejemplo, exponer el blues a los más jóvenes… o a John Mayer, por ejemplo… son verdaderos músicos de blues en el fondo.
La vida es más que música, ¿hay algún otro campo que haya influido en tu vida y en tu música?
Convertirme en padre fue un gran punto de inflexión en mi vida, y definitivamente me ha inspirado a ser más honesto al tocar y componer canciones.
¿Tienes algún recuerdo de conciertos, improvisaciones y en el estudio que te gustaría compartir? ¿Cuál fue el mejor consejo que alguien te haya dado?
Creo que mi recuerdo favorito fue cuando Bo Diddley me llamó al escenario para improvisar con él cuando tenía 16 años… eso generó una amistad con él que duró hasta que falleció, ¡y estoy muy agradecido por ello! Me dio muchos consejos y aliento… el mejor consejo fue encontrar mi propio sonido: «No suenes como yo, suena como TÚ. Innova, no imites«. Ese fue el comienzo de mi viaje para convertirme en artista.
¿Qué es lo que más extrañas hoy en día del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Creo que echo de menos la autenticidad original, para ser sincero… los pioneros y maestros del blues cantaban sobre sus vidas y sobre su verdad, que era tan pura. Supe desde el principio que, aunque sentía un profundo respeto por el blues y fui educado por algunos notables maestros del blues, no vivía la vida que ellos vivían ni podía cantar sobre los temas sobre los que ellos cantaban. Sabía que tenía que encontrar mi propia verdad y cantar sobre mis experiencias y desde mi perspectiva, sin dejar de honrar la música y transmitirla a las generaciones futuras.
Si pudieras cambiar una cosa en el mundo musical y se convirtiera en realidad, ¿qué sería?
Deseo que talento + visión + originalidad = éxito automático y millones de discos vendidos. Conozco a muchos músicos y artistas increíbles que nunca lo logran, y sin embargo hay muchos artistas sin talento y/o sin originalidad que encabezan las listas. No parece justo.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Ya lo mencioné en una pregunta anterior, pero la música (y especialmente la música EN VIVO) es realmente una de las pocas cosas que une a diferentes personas. A lo largo de los años, he tenido muchos pequeños momentos en el escenario que han tenido un gran impacto en mi vida: ver a personas negras y blancas moviendo la cabeza al mismo tiempo en un concierto, ver a un anciano chocar los puños con un joven en un espectáculo en vivo, ver a gente pobre tocando al lado de gente rica… pueden parecer cosas pequeñas, pero me mostraron el poder de la música y me aseguraron que estaba haciendo algo significativo en el mundo.
¿Cuál es el impacto del blues en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que afecte a la gente?
En primer lugar, creo que es importante que la gente se dé cuenta y comprenda las luchas y dificultades que atravesaban los afroamericanos cuando se creó esta música por primera vez, y cómo influyó literalmente en toda la música estadounidense posterior. Además, es importante que los músicos de mi generación eduquen a las generaciones más jóvenes sobre este tema y sobre la importancia que tiene el blues para nuestra historia.
Ahora bien, aunque los tiempos han cambiado y la música ha evolucionado y cambiado, creo que, en esencia, el blues es expresión y que todo el mundo tiene algo que decir o expresar… y cuando los artistas presentan su música al mundo, conectan con personas que sienten lo mismo.
Eddie 9V: Banda sonora de viaje por carretera. Fotos por Cameron Flaisch
Brooks Mason o bien Eddie 9V, nació en junio de 1996. Ya tocaba la guitarra a los seis años (“una de esas que tienen un altavoz, la que más dinero te da, ¿sabes?”). Incluso entonces, la música pop fabricada no tenía nada que ofrecerle, y sus años en el Union Grove High School estuvieron acompañados de ídolos locales como Sean Costello, junto con sus estudios de “tipos mayores” como Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Freddie King y Rory Gallagher.
Ruf Records ha publicado Saratoga, su nuevo álbum de estudio con 12 temas originales. Es un disco que emocionará tanto a los recién llegados como a los fans que han seguido a Eddie desde el principio, mostrando su giro fresco y ardiente del soul sureño, el blues, el rock y el funk, con su ingenio característico y sus agudas observaciones de los Estados Unidos moderno que lo colocan directamente en el aquí y ahora.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo y en los viajes que has hecho?
La música es la forma de ser del mundo. No sé muchos idiomas. Diablos, solo sé inglés, pero sé que si puedo tocar algo de blues, conecto con todo el mundo.
¿Cómo describes tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Todos los días me despierto y escucho música nueva o vieja y solo deseo haberla hecho. Es lo que me mantiene en marcha. Solo quiero, al final del día, hacer música que realmente quiero escuchar. Mi sonido proviene de una realidad. Quiero que el oyente entienda la cantidad de trabajo que puse en él.
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
El alma. Demasiada música se hace con computadoras y un mal autotune. Todavía se está lanzando mucha buena música, pero espero que más bandas graben juntas en una habitación. Todo gira en torno a un chico o una chica y luego se ponen a tocar muchos instrumentos falsos.
Actualmente tienes un nuevo álbum con Ruf Records. ¿Cómo surgió esa relación? ¿Por qué crees que la escena de Ruf Records sigue generando un público fiel?
Amo a Thomas Ruf. Definitivamente me sacó de la trinchera y me dio una oportunidad cuando nadie más quería hacerlo y le estaré eternamente agradecido.
¿Tienes alguna historia interesante sobre la creación de ‘Saragota’? ¿Cómo describes el sonido y el repertorio del nuevo álbum?
Creo que es un maravilloso álbum de viaje por carretera. Esta vez estaba apuntando a un álbum más al estilo estadounidense, menos canciones de blues y solos y más centrado en la composición de las canciones. Saragota fue escrito bajo un paisaje perfecto del oeste. Tuvimos un día libre en la carretera y yo estaba sentado en el porche de un Airbnb eligiendo un riff que se me había ocurrido recientemente. Estaba escribiendo todas estas pequeñas letras mientras miraba a un enorme ciervo mulo directamente frente a mí comiendo pasto y zanahorias que le estaba arrojando.
Definitivamente, mi hermano y yo grabamos todo en nuestro estudio en casa. Hay muchos invitados, seguro, pero principalmente se trataba de doblajes. Grabamos las canciones «Saratoga», «Delta» y «Halo» en el estudio Crown Lanes en Denver, Colorado. Fue agradable tomar un descanso, caminar afuera, ver las montañas y sentir el aire fresco. En nuestro estudio, solo hace bochorno y hay mosquitos… A veces es bueno no tener distracciones.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica y el alma? ¿Cómo quieres que la música afecte a la gente?
Nunca aprendí diagramas ni música ni nada. Todo surge del sentimiento, eso es todo. Ya sea en vivo o en el disco, tienes que hacerle saber a la gente que lo que estás haciendo es real.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
Escuchar a los Beatles por primera vez. Tocar en el Fillmore en San Francisco y en el Ryman Auditorium en Nashville han sido algunos de los momentos más destacados. El simple hecho de poder viajar y pagar el alquiler es la parte principal.
¿Qué estás haciendo para mantener tu música relevante hoy, para desarrollarla y presentarla a la nueva generación?
No me importa ser relevante. Creo que cuanto más intente serlo, más éxito tendré. Si es real y sale del corazón, cualquier generación la entenderá.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el camino de la música?
Confía en el proceso. Nada es gratis. Si te hace feliz, el éxito llegará siempre.
