Johnny Van Zant, Gregg Allman y Bryan Bassett
Sombras del Sur: Entrevistas con Johnny Van Zant, Gregg Allman y Bryan Bassett
Johnny Van Zant: El Legado Continúa
Lynyrd Skynyrd celebra 50 años con un potente álbum en vivo y un DVD grabado en el legendario Auditorio Ryman. Con invitados especiales como Jelly Roll, Marcus King y Donnie Van Zant, este homenaje a Gary Rossington captura la esencia del legado de Skynyrd. A medida que Lynyrd Skynyrd se acerca al 50º aniversario de su aclamado álbum debut, «Pronounced ‘Lĕh-‘nérd ‘Skin-‘nérd», en 2023, conectan con su base de fans multigeneracional tan profundamente hoy como cuando surgieron de Jacksonville, Florida, en 1973. Hoy, Lynyrd Skynyrd sigue adelante con una formación actual que incluye a Johnny Van Zant en la voz, Rickey Medlocke, Mark «Sparky» Matejka, Michael Cartellone, Keith Christopher, Peter Keys, Carol Chase y Stacy Michelle.
1977 fue un año trágico, y me gustaría saber qué tan difícil fue para la banda reunirse y seguir adelante.
Ah, fue muy difícil, ¿sabes? Hubo un período en el que la banda no tocó, ¡y todos se sentían como los supervivientes del accidente aéreo! Y cuando los chicos, los miembros supervivientes, que eran Gary Rossington, Allen Collins, Leon Wilkeson, Billy Powell, me pidieron que formara parte, no estaba seguro si quería formar parte, porque, bueno, ¡ya había un legado de Lynyrd Skynyrd allí! Así que entramos a ensayar con la idea de que si no funcionaba, no funcionaba.
Y, ¿sabes?, quería que mi hermano Donnie, de 38 Special, compartiera las voces conmigo y participara, pero en ese momento 38 estaba muy bien en Estados Unidos y giraba mucho, y él no podía participar tanto como yo quería. Nos juntamos y empezamos a tocar las canciones, ¡y fue una gran sanación para todos! ¿Sabes?
Empezamos a recuperarnos del accidente aéreo y de los malos recuerdos, de algo bueno, algo bueno por algo malo que le pasó a Lynyrd Skynyrd. Luego dimos un concierto en Nashville, Tennessee, y los fans se volvieron locos. Salimos durante seis semanas e hicimos una gira completa por Estados Unidos, que fue todo un éxito… Cuando terminamos, nos separamos de nuevo y decidimos intentar componer algunas canciones a ver qué pasa. ¡Y hoy les hablamos, muchos años después!
¿Qué tan difícil fue cubrir el legado de Ronnie Van Zandt?
Bueno, no tuve que hacerlo, ¡porque Ronnie nunca usaba zapatos! No tuve que llenar ningún espacio, ¡así que me la puso fácil! (risas) Pero, sabes, nunca intenté llenar su espacio. Nunca intenté ser Ronnie, ¿sabes? Ronnie era Ronnie, y era genial, y es como si la gente me hubiera dicho «¿Intentarías escribir una nueva versión de Sweet Home Alabama?» o algo así, y yo dije que ya estaba escrita, ¿sabes? ¿Cómo se reescribe eso?
¡Intentas escribir canciones con las que te sientas bien y que sean las mejores canciones posibles! ¡Y lo hemos vuelto a hacer! ¿Sabes? La razón por la que estamos aquí muchos años después son los fans. ¡Los fans nos mantuvieron aquí! Y nos han dado la fuerza para superar muchos momentos difíciles durante estos años. ¡No ha sido del todo fácil, eso seguro!
¿Hay gente que cree que Lynyrd Skynyrd muestra tendencias racistas en su música?
¡No! ¡Qué locura! Solo porque somos del sur de Estados Unidos, con todo lo de la Guerra Civil, ya sabes, teníamos el pelo largo, usábamos la bandera confederada… la gente lo malinterpreta. Ya sabes, la bandera confederada que usábamos antes, que ahora usamos muy poco, pero solo quiere decir «¡Oye, de ahí somos!», no es algo racista.
De hecho, algunos de nuestros cantantes favoritos son negros; así que, ¿cómo puedes ser racista cuando amas a Ray Charles, Aretha Franklin, Keb’ Mo’, ¡Dios mío!, Muddy Waters, ¡Dios mío!, ¡todos los grandes artistas negros que todos amamos!
¿Qué lugar crees que ocupa Jacksonville, como ciudad, en el legado del rock sureño?
¡Dios mío! ¡Un gran lugar! O sea, tenías a Grinder Switch, 38 Special, Blackfoot, Molly Hatchet, Lynyrd Skynyrd, y a mí. Vaya, grabé algunos discos por mi cuenta, allá por principios o finales de los 70 y 80. Intento pensar, ¿me perdí a alguien? Pero hay mucho. Aquí siempre bromeamos diciendo que la mayoría de la gente dice: «¿Por qué Jacksonville? ¡Con tanta música!». Y siempre decimos: «¡Está en el agua!».
El legado de la música se remonta mucho tiempo atrás en la familia, pero ¿cuál fue esa chispa original?
Nuestro padre era camionero. Estuvo en la Marina. Y estuvo en Pearl Harbor, cuando fue bombardeado. Así que, en cuanto salió de la Marina, se dedicó al transporte de camiones. Y nosotros, los jóvenes, íbamos con él en el camión y escuchábamos música country. Ya sabes, gente como George Jones, Tammy Wynette, Loretta Lynn, ese tipo de gente. Cantábamos con ellos.
Pero nosotros, aunque éramos ricos de familia, no éramos ricos económicamente. Teníamos un columpio y mi padre tenía una entrada circular. Y recuerdo, de pequeño, que todos cantábamos canciones. Era lo nuestro. Salíamos a columpiarnos, jugábamos en los columpios y cantábamos. Ronnie se aficionó primero. Y luego Donnie. Yo quería ser baterista. Era muy tímido. De pequeño, pensaba: «No sé si quiero estar al frente». Así que pensé en tocar la batería y todos me decían: «No, tienes que ser cantante. Tienes que ser cantante». Así que seguí el ejemplo. Ha sido una tradición familiar desde hace muchísimo tiempo.
¿Cómo te cambió la vida la muerte de Ronnie? ¿Recuerdas dónde estabas cuando te enteraste de la mala noticia?
Bueno, mi papá y yo estábamos trabajando en el jardín y sonó el teléfono. En aquel entonces podíamos dejar la puerta abierta. Teníamos una puerta mosquitera vieja. Y mi papá me dijo: «Ve a contestar el teléfono. Está sonando. Lo oigo sonar«. Así que entré corriendo y era un manager de Skynyrd de hace mucho tiempo, llamado Alan Walden, y me dijo: «¿Has oído hablar del avión de Skynyrd?».
Y en ese momento, miré la televisión y estaban haciendo un anuncio especial, así que llamé a mi papá. A partir de ese momento, para ser sincero, fue como una especie de confusión. Creo que el cerebro te impide recordar cosas malas. Es la única manera de seguir adelante. Eso, y el espíritu de Jesús. Fue una mala época para nuestra familia. Los chicos de Skynyrd tardaron diez años en volver a estar juntos. Me lo ofrecieron en el 86 o el 87. La verdad es que no quería hacerlo. Me sorprendió que me lo ofrecieran, pero querían tenerme. Quería que mi hermano Donnie participara, pero estaba en 38 Special y la cosa apenas empezaba, así que no se pudo. Después acepté y dije: «Vamos a ensayar«.
Fuimos a ensayar y lo que pasa con Skynyrd es que nunca ha sido solo una banda. Hay bandas que ni siquiera se hablan. Lo sé. Estoy con ellos. No somos amigos, somos familia. Y entrar en ese ensayo fue como ver la alegría de quienes sobrevivieron a ese terrible accidente aéreo y cómo la chispa había vuelto a ellos. No pude decir que no, y sinceramente, ha sido una chispa para mí, me ha acercado más a mi hermano. He aprendido mucho sobre él que un chico de 18 años probablemente no habría sabido de uno de 28. Ojalá nunca hubiera pasado. Fui a ver a B.B. King una vez. Y este tipo le traía a B.B un vaso rojo y una toalla mojada. Y por alguna razón, me di cuenta. Dije: «Me hubiera gustado ser ese tipo para Ronnie«.
¿Qué crees que diría Ronnie hoy sobre el legado de Lynyrd Skynyrd y cómo la banda ha logrado continuar?
Espero que esté orgulloso, y algún día espero poder hablar con él cada vez que vaya a la casa del buen Señor. Sé que Gary, todos los miembros supervivientes y yo lo intentamos de verdad… nunca hemos subido al escenario y lo hemos dicho todo. Siempre hemos subido al escenario y dicho: «Démoslo todo al 110, 120, 130 por ciento, lo que tengamos dentro».
Espero que estén muy orgullosos, y creo que él también. Lo único que puedo decirle a cualquiera es que si no hablas con tus hermanos o tienes alguna discusión con un familiar, tienes que superarlo. La vida es muy corta y hay que seguir adelante. Creo que Ronnie, con lo arrogante que era, probablemente diría: «Te lo dije«. Sabía que estaba escribiendo cosas geniales que iban a emocionar a la gente. Pero realmente siento su espíritu. Siempre me considero un viejo cantante de rock and roll, pero no pasa un día sin que haga algo con el sonido.
Pero soy un verdadero creyente y siento su espíritu. Dios nos ha guiado y alguien nos ha guiado en la parte musical. Creo que, ya sabes, esos tipos han sido nuestros ángeles guerreros durante mucho, mucho tiempo, cuidándonos y diciéndonos adónde ir.
Cuéntanos más sobre la cabaña Hell House donde se escribieron las canciones y la inspiración para tu nueva línea de whisky.
Bebíamos mucho… y siempre bromeábamos sobre tener nuestro propio whisky. Decíamos: «¡Deberíamos tener el nuestro! ¡Porque tendríamos el mejor!». Esto simplemente nos cayó en las manos en los últimos dos años. Y lo bueno es que Gary lo sabía. Él ayudó a darle nombre. Estábamos barajando todo tipo de nombres. Y creo que fue él quien dijo: «¿Por qué no Hell House? Me imagino a un tipo acercándose a la barra y diciendo: ‘Oye, dame un trago de ese Hell House‘». Así que nos lanzamos.
Ha sido una aventura increíble, te lo aseguro, de verdad. No me había dado cuenta de que estos tipos que hacen el whisky, son científicos o químicos o… Pensé: «¡Guau!, pensé que era un proceso fácil. Pero en realidad no lo es. O sea, hicimos llamadas por Zoom, llamadas telefónicas y catas. Personalmente, quería algo con un toque picante, pero que también fuera un poco dulce. Así que si solo querías un trago, no era como decir «¡Dios mío!». O si solo querías ponerle hielo y darte un sorbo. Soy un amante de la barbacoa, así que me gusta un poco de sabor a carbón. Es algo diferente. Creo que lo conseguimos. Todo depende del consumidor, pero sí, lo estamos innovando en Florida.
¿Tienes alguna canción favorita de Skynyrd a lo largo de los años que guardes con cariño? ¿O un álbum favorito?
Pienso en «Simple Man». Creo que todo hombre, ya sea alto, bajo, triste, feliz, bueno o malo, quiere hacer feliz a su madre. Y esa canción… cuando me uní a Skynyrd, pensé en «Freebird» y «Sweet Home [Alabama]», pero esa canción se ha usado en bodas para bailes de madre e hijo millones de veces. Y, repito, creo que los hombres siempre quieren complacer a su madre, pase lo que pase. Sí, ya sabes, si tu madre está enfadada contigo, tienes un mal día. Es como tener a tu mujer enfadada contigo.
Gregg Allman: El Mito, la Leyenda, el Pionero. Fotos por Danny Clinch
Como miembro fundador de la única e inigualable Allman Brothers Band, y en su propia y legendaria carrera como solista, Gregg Allman ha sido durante mucho tiempo un talentoso intérprete natural del blues, con su voz conmovedora y distintiva, uno de los sonidos que definen la historia de la música estadounidense.
Gregg, junto con la Allman Brothers Band, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995. En la 54ª edición de los Premios Grammy de 2012, el grupo recibió el prestigioso Premio a la Trayectoria. Ese mismo año, las memorias reveladoras de Gregg, aclamadas por la crítica, «My Cross to Bear«, se convirtieron en éxitos de ventas del New York Times durante varias semanas.
¿Qué has aprendido del blues y qué significa para ti?
Aprendí a expresarme a través del blues; el blues te permite expresar tus sentimientos como ninguna otra forma de música. El blues es una parte importante de mi música, y la música es mi alma.
¿Qué experiencias vitales te han inspirado más para crear canciones? ¿Qué caracteriza la filosofía de Gregg?
Hay muchas maneras de escribir una canción, y casi cualquier cosa puede inspirarte. No creo que tengas que estar necesariamente triste para escribir una canción de blues, pero quizás lo que esté pasando otra persona en su vida te impulse a escribir una canción. Tomo la vida como viene; cada día es precioso para mí.
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de la música?
¡Extraño que la gente realmente tocara música en ese entonces! Hoy en día hay tanta basura fabricada que no tiene nada que ver con la creación y la interpretación musical de los músicos. Espero que esa tendencia cambie, pero no sé. Hay jóvenes que intentan hacerlo bien, y les deseo toda la suerte del mundo.
¿Cuál es el mejor consejo que te han dado y qué consejo le darías a la nueva generación?
Mi hermano me animó a creer en mí mismo; él creyó en mí antes que yo, y ese es el mejor consejo que he recibido. Así que, si estás leyendo esto, ¡cree en ti mismo!
¿Cuáles son los vínculos que conectan el legado del blues con el soul y continúan hasta el jazz y el rock and roll?
Sentimientos y emoción; sentimientos y emociones fuertes: esa es la línea que atraviesa toda buena música. No importa si es blues, soul, jazz o rock; si no tiene sentimientos, no significa nada.
Si pudieras cambiar una cosa en el mundo y se hiciera realidad, ¿qué sería?
El fin del racismo. No hay lugar para eso en mi vida. Eso es lo que me encanta de la música; la música no distingue colores. No importa el color de tu piel; si sabes tocar, sabes tocar.
¿Qué te ha hecho reír últimamente y qué te ha emocionado? La felicidad es…
Estoy feliz de estar vivo y haciendo música, y me emociona que alguien que donó su hígado me haya dado esa oportunidad para que yo pudiera vivir. La felicidad es un buen perro; siempre te quiere y nunca te juzga.
Hagamos un viaje en una máquina del tiempo, así que, ¿adónde y por qué quisieras ir un día entero?
Me encantaría estar en el norte de Florida, pescando con mi hermano. Qué buenos tiempos, hombre.
Bryan Bassett: Tengo Mi Mojo Sónico. Fotos por Tyler Cook
Bryan Bassett cuenta con una ilustre carrera como músico profesional, artista discográfico, ingeniero y productor. Con muchos años en la industria musical, sus contribuciones han moldeado significativamente los sonidos del blues, el rock y el funk. La trayectoria musical de Bryan Bassett comenzó como miembro fundador de Wild Cherry. En 1976, la banda saltó a la fama con el éxito número 1 «Play That Funky Music». De 1983 a 1989, fue guitarrista de sesión para King Snake Studio, tocando con bandas como The Midnight Creepers y Blue House.
Su trabajo como guitarrista incluyó más de 25 álbumes de blues para artistas como Rufus Thomas, Kenny Neal, Lucky Peterson, Alex Taylor y los JB’s. Se unió a Foghat de Lonesome Dave como guitarrista de gira de 1989 a 1993, un período crucial que marcó su integración inicial en la familia Foghat. De 1993 a 1999, fue el guitarrista de Molly Hatchet. En 1999, se unió a Foghat como miembro permanente. El último álbum de Foghat Sonic Mojo, debutó en el número 1 de las listas de blues de Billboard.
¿Por qué crees que el legado musical de Foghat sigue generando seguidores fieles?
Para empezar, somos como una familia. Y, claro, después de tantos años, ¿cómo no serlo? Pero esa química surgió enseguida, cuando me uní hace unos veinte años. De hecho, toqué con Lonesome Dave por separado durante cuatro años antes de eso, y nos hicimos mejores amigos al instante. Y cuando conocí a Roger y me uní en el 2000, fue como una familia instantánea, donde todos somos como hermanos y hermanas.
Ese sentimiento, más que nada, mantiene unida a la banda. Y además, es mi estilo natural de tocar. Lo curioso es que cuando conocí a Dave, estábamos hablando de tocar juntos, y me dijo: «Oh, por cierto, tocas la guitarra slide, ¿verdad?«. Y yo le dije: «Ah, sí, todos los días«. Pensé en tocar un poco como guitarrista de sesión. Supongo que es como cuando le preguntas a un actor: «Bueno, tenemos este papel para ti, pero ¿sabes montar a caballo?«. Dije: «Ah, claro, sí…«. Bueno, ese era yo. Y luego tuve que estudiar muchísimo para interpretar bien sus canciones.
¿Cómo han influido las bandas de la invasión británica en tu visión del mundo y en tu trayectoria musical?
Los que realmente me cautivaron fueron los guitarristas. Eric Clapton, Peter Green, Mick Taylor y, por supuesto, mi favorito, Jeff Beck. Fue mi guitarrista favorito de todos los tiempos, a lo largo de toda su carrera. Era una combinación de bandas que habían tenido éxitos en la radio en aquel momento, como los Rolling Stones.
Conocimos a todas esas bandas en The Ed Sullivan Show. En aquella época, sin internet ni videojuegos, tener un buen equipo de música y esperar el último lanzamiento de tu banda favorita era algo muy importante. Conseguías el álbum y te reunías con tus amigos. Era una verdadera experiencia de escucha comunitaria. Y el momento.
A finales de los sesenta y principios de los setenta hubo una gran revolución cultural para los jóvenes, y la música fue una parte fundamental de ella. Fue una época muy emocionante: la moda, la música y, para mí, los guitarristas. Cuando vi a todos esos chicos tocando guitarras eléctricas, fue mi momento.
¿Cuál fue el impacto de Jeff Beck y qué te inquietó de su sonido?
Era muy diferente. Muchos músicos provenían de influencias del blues, como Eric Clapton y Peter Green. Se tomaron el blues americano muy en serio y lo transformaron tocándolo con amplificadores de rock and roll a todo volumen. Jeff Beck siempre fue más ecléctico. Siempre tuvo una ligera influencia del jazz, que se volvió más individualista con el tiempo. En sus últimos álbumes… escuchaba a Mahavishnu Orchestra y a John McLaughlin por aquel entonces, así que se desvió hacia una fusión de jazz con rock and roll.
Su estilo realmente destacó. Además, como era instrumentista, a diferencia de la mayoría de los otros guitarristas que escuchaba. Y algunos de los sonidos que desarrolló al principio, su uso del feedback y algunas de las estructuras melódicas con un sonido casi oriental, los utilizó en sus solos con los Yardbirds. Eso fue bastante impresionante y muy diferente a lo que ocurría en aquel entonces.
Desde Pittsburgh hasta Florida, ¿qué influencia ha tenido en tu música y en tu carrera musical en general?
Diría que todas mis influencias me llegaron mientras estaba en Pittsburgh. Estuve allí hasta mediados de los ochenta, así que esa fue la mayor parte de mi joven carrera. Era una gran ciudad musical, casi como lo que pasó con Seattle más tarde. De la misma zona surgieron muchísimas bandas geniales, todas con material original, todas con un sonido diferente. Había literalmente cientos de clubes donde tocar.
Podías tocar seis o siete noches a la semana si querías. Todos cobraban una entrada de 5 dólares o algo así. Así que, en aquel entonces, en el 72, ganar 5,000 dólares a la semana tocando rock and roll era muchísimo dinero. Era muy diferente: todos tocaban cuatro sets y tú tocabas tres sets de versiones. Yo tenía una banda que era más rockera. Tocábamos Zeppelin y cosas así, y nuestro material original era más bien como Night Ranger, con armonías de guitarra y múltiples guitarras. La escena musical de Pittsburgh era muy animada. Era fantástica. Y ahí aprendí mi oficio.
Por supuesto, terminé uniéndome con Rob Parisi para reformar Wild Cherry. Él tenía una banda llamada Wild Cherry a finales de los sesenta y principios de los setenta, la disolvió por un tiempo y montó un restaurante. Le dije: “Si alguna vez te cansas de la restauración y quieres volver a la música, llámame”, lo cual hizo unos meses después.
Estábamos tocando los últimos éxitos del momento, éramos una banda de rock. Y alguien se acercó a nuestro baterista y le dijo: “Oye, mejor empieza a tocar funky, blanquito”. Casey estaba versionando, a los Bee Gees, incluso a David Bowie con “Fame” y “Young Americans”, y todo se volvía dance y funk. Todo eso ocurrió mientras estaba en Pittsburgh, tocando sin parar desde los 70, mientras aún estaba en la escuela, pero tocando en clubes los fines de semana.
¿Cuál crees que es la filosofía y los secretos de Foghat que mantienen unida a la banda?
Amistad y compatibilidad. Química, tanto musical como personal. Muchas bandas tocan buena música juntas y, en algún momento, sienten animadversión personal por alguna razón. Algunos problemas son grandes, otros pequeños. Pero tenemos suerte de que nos caigamos bien. Cuando no estamos tocando, salimos y hacemos cosas juntos. Lo que mantiene unida a la banda es esa camaradería. Es como si nos enfrentáramos al mundo y lo hiciéramos juntos.
Quizás si tuviéramos decenas de millones de dólares por los que pelearnos, habría más discusiones que podrían interrumpir la amistad. Pero todos estamos juntos en esto, tratando de ganarnos la vida, mantener a nuestras familias y disfrutamos haciendo música juntos. Así que esos son los ingredientes principales.
¿Cuál fue la razón por la que te interesaste en ser ingeniero musical y productor?
Siempre me interesó. Al principio, siempre era de los que se ponía los auriculares, escuchaba y trataba de imaginar cómo hacían ese disco, cómo le ponían los micrófonos. En mis primeras bandas, yo era quien instalaba los micrófonos y grababa los ensayos y cosas así. Y con el paso de los años, me metí de lleno en ello.
Cuando me mudé a Florida, pensaba que habría muchísimas bandas, pero no las había, y me llevó un par de años encontrar a los Midnight Creepers y al sello Kingsnake, donde acabé trabajando como ingeniero y guitarrista de estudio. Trabajé para Radio Shack, reparando televisores durante el primer o segundo año. Luego conocí a Bob Greenlee, el dueño de Kingsnake Records, quien estaba reformando su estudio, pasando de ser un pequeño estudio de ocho pistas de bobina a bobina a unas instalaciones de grabación de vanguardia.
Nunca recibí clases formales en aquella época. Ser ingeniero de grabación era más un oficio que algo para lo que se estudiaba en la universidad, como ahora. Pero en aquella época conseguías un trabajo casi como el de un electricista o un fontanero. Empezabas con poco y les llevabas café a todos, y poco a poco ibas aprendiendo el oficio y ascendiendo. Y así fue como aprendí a ser un buen ingeniero. Trabajé con gente genial, como Pete Carr, que grabó discos con Simon & Garfunkel, Barbra Streisand, Bob Seeger… La lista es interminable. Fue mi verdadero mentor.
¿Cómo eliges las canciones que vas a tocar en la gira con Foghat?
Sí, eso surge todos los años. Pasamos por ese proceso porque acabamos de terminar los ensayos para nuestra próxima gira de verano. Tenemos cinco o seis canciones que siempre vamos a tocar, los éxitos principales de nuestro repertorio. Pero aún nos queda medio concierto por completar, y mucha gente nos ve varias veces, así que no queremos tocar el mismo concierto una y otra vez.
Todos los años intentamos elegir temas profundos del álbum. Los últimos dos años hemos estado en plena época de aniversario de todos los lanzamientos de Foghat y hemos estado eligiendo un par de canciones del álbum de aniversario, un par de canciones recomendadas por los fans y luego quizás una o dos que teníamos muchas ganas de tocar.
¿Tienes algún recuerdo de conciertos, jams, presntaciones y sesiones de estudio que te gustaría compartir con nosotros?
Bueno, ese es uno muy importante. Durante mi etapa en Wild Cherry, era muy emocionante tocar en grandes salas como teloneros de los Jackson Five, Earth, Wind and Fire, Average White Band, Chaka Khan, Isley Brothers y prácticamente cualquier artista del R&B de los setenta que puedas nombrar. Eso en sí mismo era totalmente emocionante.
O sea, todos los estadios son básicamente iguales, pero el hecho de estar en ellos tocando, fue espectacular. Mi recuerdo favorito es cuando toqué en Pittsburgh, mi ciudad natal. Había rechazado una beca universitaria para Carnegie Mellon, una universidad bastante buena para ir a vivir a una casa abandonada con un grupo de músicos en Lima, Ohio, porque teníamos un concierto en un club llamado Yogi’s durante el verano.
Así que me mudé allí y, después de separarme, me uní a Wild Cherry y tocábamos en el Pittsburgh Civic Arena, el recinto más grande de Pittsburgh. Toqué allí un par de veces, pero esta vez fue con los Isley Brothers, y mis padres aún vivían y vinieron al concierto. Eso siempre se me quedó grabado en la mente como uno de mis recuerdos favoritos, porque pudieron verme alcanzar el éxito después de lo que podría haber sido una decisión dudosa: rechazar una beca universitaria.
