Muldaur, Duncanson y Southern Avenue
Panorama del blues. Entrevistas con Maria Muldaur, Andrew Duncanson y Tierinni Jackson (Southern Avenue)
Maria Muldaur: la dama de la música de raíces canta el blues
Agradecimientos especiales a Maria Muldaur y Mark Pucci Media. Fotos por Alan Mercer
La seis veces nominada al Grammy, Maria Muldaur, apodada «La primera dama de la música de raíces» por álbumes anteriores que abordan sus diversas influencias del blues, el country, el folk, el jazz e incluso la música jug band, continúa su búsqueda del gran repertorio de la música de raíces estadounidense con el lanzamiento de One Hour Mama: The Blues of Victoria Spivey (2025), de Nola Blue Records.
En este nuevo disco la acompañan en duetos, invitados especiales como el multiganador del Grammy Taj Mahal y el legendario bluesman Elvin Bishop, además de sesiones con la aclamada banda de Nueva Orleans Tuba Skinny. Desde su residencia de toda la vida en el área de la Bahía de San Francisco, en este álbum de 12 canciones, Maria Muldaur rinde homenaje a su profesora, la ‘Reina del Blues Clásico’, Victoria Spivey.
Conocida por su estilo de blues atrevido y vivaz, Spivey alcanzó su primer gran éxito en 1926 con la osada «Black Snake Blues», de su autoría, la primera de muchas canciones de blues picantes y subidas de tono que compuso y grabó a lo largo de su larga y prolífica carrera.
¿Qué es lo que más extrañas de la música y el sentimiento del pasado?
Bueno, crecí escuchando música country antigua y siempre me gustó cuando empecé a escucharla en la adolescencia. Había un ambiente musical folk en Nueva York. Crecí en Greenwich, Nueva York. Había mucha música por aquel entonces. También escuchaba mucho jazz.
Mentía sobre mi edad y me colaba en clubes de jazz, pero me expuse a la música, a lo que me gusta llamar música de raíces estadounidenses, era como el blues de los primeros tiempos, el jazz de los primeros tiempos, el bluegrass, algo llamado música antigua, que era como la música de la gente que vivía en las montañas. Así que me enamoré de esa música desde muy joven. Aunque escucho música contemporánea, siento que tiene algo más emotivo. Siempre disfruto volver a esa época musical.
Naciste y creciste en Greenwich Village, Nueva York. ¿Qué importancia tuvo Greenwich Village en tu vida y en tu carrera?
Bueno, casualmente nací y crecí en un pequeño barrio de Nueva York que siempre fue el epicentro de artistas: pintores, escultores, poetas, escritores y músicos. Crecer allí es muy bohemio, no somos conformistas, ¿sabes? Y somos espíritus libres, gente de todo el mundo venía allí, porque era un lugar donde se podía expresar libremente.
Así que tuve la gran suerte de estar expuesta a eso desde pequeña, y a finales de los años cincuenta empezó a haber un parque llamado Washington Square Park, con un gran círculo, como una fuente. Y todos los domingos venían músicos del lugar e improvisaban en pequeños grupos. Era como un pequeño festival folk.
Algunos tocaban blues del delta, otros bluegrass y otros canciones de protesta, ya sabes, canciones con un tema político que quizás trataban sobre justicia social. Así que me familiaricé con todo eso y empecé a aprender a tocar el violín clásico y a aprender canciones antiguas de blues, bluegrass y todo tipo de canciones. Tuve mucha suerte de estar allí, justo en la puerta de mi casa.
Actualmente tienes un lanzamiento en homenaje a la gran Victoria Spivey. ¿Cómo surgió la idea de «One Hour Mama: The Blues of Victoria Spivey»?
Cuando era una joven aspirante a cantante a principios de los 60, una de las grandes reinas del blues clásico de los 20 y 30, Victoria Spivey, me abrigó bajo su protección y fue mi mentora. Aunque, por supuesto, en su momento lo aprecié, con los años me he dado cuenta de lo importante que fueron su aliento y apoyo para mí y para tantos otros músicos.
Para mi sorpresa, un escritor musical la apodó recientemente ‘La Madonna del Blues’, pero pensándolo bien, ¡sé exactamente a qué se refería! Victoria era ambiciosa, tenaz, atrevida, valiente, expresaba su sexualidad con audacia y desfachatez, versátil y polifacética: cantaba y componía no solo blues, sino también pop y canciones novedosas de la época, bailaba, tocaba el piano y otros instrumentos, actuaba en películas y obras de teatro… y era emprendedora… publicaba su propio boletín de blues y fundaba su propio sello discográfico, Spivey Records, para dar oportunidades de grabación tanto a veteranos del blues como a jóvenes promesas que empezaban (como Bob Dylan y yo, por nombrar algunos).
Fue un placer enorme encontrar y colaborar con tantos músicos jóvenes y excelentes que abrazan y perpetúan el rico legado de esta «música clásica». Este álbum es un homenaje cariñoso a Victoria Spivey por todo lo que aportó al blues y por la gran influencia que tuvo en mi trayectoria musical.
¿Qué te impactó de Victoria Spivey? ¿Tienes algún momento específico con ella que te gustaría compartir?
El álbum One Hour Mama: The Blues of Victoria Spivey está dedicado con cariño a Victoria Spivey, con gratitud por su apoyo y aliento. La floreciente escena de la música folk a principios de la década de 1960 fue una época en la que la música de raíces estadounidenses (blues, bluegrass, música clásica de los Apalaches, etc.), la mayoría de las cuales se originaron en el sur rural, y los músicos originales que la crearon, estaban siendo redescubiertos por el público del norte urbano.
Pronto, todos aprendieron a tocar viejas canciones tradicionales con guitarras, banjos, violines, etc., y la escena musical estaba en pleno auge, con un montón de pequeños clubes de folk, cafés y reuniones musicales. Se formaban grupos por todas partes. Yo exploraba todo tipo de géneros musicales de raíz y a veces cantaba en un club llamado Gerde’s Folk City, que tenía una reunión (ahora llamada micrófono abierto) todos los lunes por la noche.
Fue allí donde conocí a Victoria Spivey, una de las pocas reinas del blues clásico de los años 20 y 30 que había sobrevivido al paso del tiempo y a los gustos musicales siempre cambiantes del público estadounidense. Fue la primera artista que conozco con la suficiente perspicacia como para fundar su propio sello discográfico, y visitaba con regularidad Gerde’s buscando nuevos talentos para su sello, Spivey Records.
Un día, un grupo de mis amigos músicos me contó con entusiasmo que habían formado una jug band y que Victoria Spivey acababa de ficharles para grabar con su sello. Luego me contaron que ella les había dicho: «Chicos, tocan muy bien, pero les falta atractivo. ¿Por qué no le pides a esa chica que he visto cantando y tocando el violín que se una?»
(¡Oye, fue mucho antes de la liberación femenina!). No se me ocurrió sentirme ofendida por esta propuesta, y además, sonaba divertido, así que acepté encantada. A partir de ese momento, Victoria Spivey me acogió bajo su protección y pronto, bajo su tutela y guía, ya cantaba blues. Le encantaba darme consejos sobre cómo presentarme. Decía: «Cariño, no basta con sonar bien. También tienes que verte bien. Tienes que subir al escenario y pavonearte, atraer todas las miradas. Eso sí que es presencia escénica«.
Empezó a revisar su colección de discos para ayudarme a encontrar buen material para interpretar y grabar. Fue entonces cuando escuché por primera vez las primeras grabaciones de Victoria, así como las de Sippie Wallace y Memphis Minnie, y todas tuvieron una profunda influencia en mí. Por aquel entonces, grabó a un montón de músicos en Spivey Records, incluyendo a Sippie Wallace, Koko Taylor, Willie Dixon, Memphis Slim, ¡e incluso un par de temas con Big Joe Williams y un joven Bob Dylan!
Por desgracia, después de toda esta preparación y tutela, Elektra Records se enteró de la gran «Furgoneta de las Jug Bands» que seguramente estaba a punto de arrasar el país, y para no ser menos que Vanguard Records, que acababa de lanzar un álbum de la popularísima Jim Kweskin Jug Band de Cambridge, buscaron a nuestra Even Dozen Jug Band y, tras algunas negociaciones, rescindieron nuestro contrato con Victoria. Ella se molestó un poco (¡aunque estoy seguro de que le fue muy bien con el trato!), pero me llevó aparte y me dijo: «No estoy enfadada contigo, ¡sigues siendo mi chiquilla!«.
La Even Dozen Jug Band grabó un disco y, tras dos gloriosos conciertos en el Carnegie Hall y una aparición en el popular programa de televisión «Hootenanny», se disolvió. Mientras tanto, me había impresionado mucho el talento (¡y la apariencia!) del cantante y guitarrista de la Kweskin Jug Band, Geoff Muldaur, y pronto me mudé a Cambridge para estar con él. Al poco tiempo me pidieron que formara parte de la Kweskin Jug Band.
Uno de mis primeros conciertos con ellos fue en el Festival Folk de Newport del 64, donde me alegró mucho volver a ver a Victoria Spivey; como siempre, me elogió y me dio ánimos. Después, la volví a ver de vez en cuando, ya que continuó actuando y grabando hasta su fallecimiento en 1976.
Imaginen mi sorpresa cuando hace unos años alguien me envió por correo la siguiente reseña de nuestra actuación del 64, escrita por Victoria, ¡pero que yo nunca había visto! Fue como un beso y una palmadita en la cabeza directamente del cielo del blues: una confirmación después de todos estos años de alguien que creyó en mí y en mi capacidad para interpretar blues mucho antes que yo misma.
¿Cuál es el impacto de tu generación, de la música de tu generación, en los derechos civiles, los derechos humanos y las implicaciones socioculturales?
Como dije hace un momento, en esa misma época, la gente estaba descubriendo y, desde el principio, surgió otra facción preocupada por temas como los derechos civiles, la segregación y el comienzo de la guerra de Vietnam. La gente comenzaba a alertarse y buscaba una forma de protestar y cambiar el rumbo de nuestro país.
Parte de eso se debía a la gente, ya sabes, músicos y compositores que escribían canciones, desde Pete Seeger hasta Woody Guthrie, a quienes tuve la suerte de conocer de joven. Eran de una generación anterior a la mía, pero en mi generación, por supuesto, estaban Bob Dylan, Joan Baez y tantos otros que escribieron e interpretaron canciones que abordaban estos temas.
La música es mucho más que eso; para mí, es el medio de comunicación más completo. Podrías escribir un artículo elocuente y publicarlo en el periódico de tu país, y podría ser totalmente correcto y acertado en todo lo que dice, pero tener una canción sobre ese mismo tema lo trasciende todo y llega al corazón de la gente.
El mensaje es inmediatamente accesible al corazón y al alma. Así que creo que la música que se estaba creando y que abordaba estos temas tuvo un gran impacto en el pensamiento de esa generación y motivó profundamente el activismo y la participación para ir a las marchas por los derechos civiles en el sur y protestar contra la guerra de Vietnam y todo lo que vino después.
¿Cuáles son los vínculos que conectan el legado de la música de raíces estadounidenses, desde el jazz, el blues, el góspel, el folk, la generación beat, el folk, el revival del blues y más allá?
Hay algo muy elemental en ello. Fíjate en el jazz y el blues; este es el tipo de música que aparece en este disco, mucha de la música a la que he dedicado décadas a rendir homenaje. Diferentes artistas de blues de los primeros tiempos crearon esta música hace casi cien años sin ninguna promoción, ni promoción comercial en los medios de comunicación.
Por ejemplo, si una estrella del pop saca un álbum, suele haber artículos sobre las canciones y promoción en redes sociales, etc. Pero esta música, de la que hablamos, sin la ayuda de los medios, ha logrado perdurar generación tras generación. Ahora mismo, hay muchísimos festivales de blues en todo el mundo, no solo en Estados Unidos ni en Canadá, sino en toda Europa y el resto del mundo. Lo mismo podría decirse del bluegrass y la música clásica.
No puedo creer la cantidad de jóvenes que la descubren, tienen que buscar a fondo para encontrarla, pero una vez que la conocen, se sienten inmediatamente atraídos, igual que yo de joven en los 60. ¿Sabes por qué? Porque es como si llevas toda la vida comiendo comida rápida y de repente alguien te invita a su casa y te prepara una comida casera fabulosa. Te la comes sin parar y nunca más volverás a McDonald’s. A nivel musical, eso es lo que pasa.
La gente más joven es la que está más desanimada por la crisis climática, ambiental, del karma y todo el caos humano que está ocurriendo. Es mucho peor ahora que antes, así que escuchar esta música pura les atrae de forma natural. Por eso, en verano, normalmente cuando no había Covid, a veces me costaba mucho formar una buena banda, porque los mejores músicos tocan en festivales en Europa y por todas partes.
Eso significa que gente de todo el mundo, incluso quienes no entienden ni una palabra de inglés, quieren escuchar esta música. Toqué en un festival de blues en la República Checa hace unos años, he tocado en Bolivia y por todas partes, porque transmite una energía muy diferente y la gente responde de forma natural. Con la música de Tuba Skinny… no puedes quedarte sentado, tienes que levantarte y bailar. Es algo atemporal, no se trata de un pequeño momento de moda en un anuncio. Simplemente significa que la música es real, así que la gente siempre responderá a ella.
Andrew Duncanson: Chicago vía California
Agradecimientos especiales a Betsie Brown (Blind Raccoon)
De 2003 a 2022, Andrew Duncanson publicó varios álbumes con su banda, Kilborn Alley Blues Band, ganadora de tres nominaciones a los Premios de la Música Blues, seguidos de lanzamientos con Dig3 en 2022 y 2023. Su canto ha sido comparado con artistas legendarios como Howlin’ Wolf, Otis Redding, Wilson Pickett, Junior Wells y Van Morrison.
Kilborn Alley ha tocado en treinta y siete estados, ocho países fuera de Estados Unidos, un territorio internacional y en alta mar. Andrew actualmente toca con Kilborn Alley, Dig3, duetos y conciertos con Gerry Hundt, como Andy Duncanson and his Acoustic Friends, y con la nueva Andrew Duncanson and the Take a Ride Band para promocionar el álbum California Trap.
Este material del 2025 es el primer álbum omo solista de Duncanson, y en este colabora con el coproductor Michael Peloquin, quien también aporta su talento como arreglista de instrumentos de viento, compositor y armonicista. Desde la grabación de California Trap, Andy ha realizado conciertos con Kid Andersen y los Greaseland All Stars en Suiza y California.
¿Qué has aprendido del blues y qué significa para ti?
El blues lo es todo para mí. Conocí a mis mejores amigos, a mi esposa, viajé por todo el mundo mientras cantaba blues. Escucho blues constantemente. Hace poco volví a Little Walter. Todavía tengo mucho que escuchar y estudiar. Cuando empezaba, aprendí a salir y triunfar, a soltarme, a usar la música y los músicos que crearon este arte como guía. Veinte años después, estoy aprendiendo a bajar el ritmo. Concentrarme en mis propios tonos. Buscar mi propio sonido y nada menos que eso.
¿Cómo describes tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Soy músico de blues al estilo Chicago de profesión. Es principalmente por eso que me pagan. Así que ese toque de volumen está en lo más profundo de mi ser. El blues lento de Muddy, el boogie de Hooker, los grooves en tono menor de Magic Sam, todo estará conmigo para siempre. Debo decir que ahora, en 2025, ¡todas las formas musicales están sobre la mesa! ¡Acabo de grabar una melodía que creo que suena un poco a John Prine! De ahí viene la motivación. Escríbelas. Combínalas con la música que mejor encaje y espero que armes el rompecabezas correctamente.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
Sigo siendo prácticamente el mismo. No recuerdo las letras que no escribo. No toco la guitarra a la fuerza. No me gusta tocar muy fuerte. Me gustan las canciones cortas y concisas. Y me gusta tener muy poca presión en el escenario. En otras palabras, mantenerlo simple. Así la música puede fluir mejor. Definitivamente estoy más abierto a cosas nuevas que cuando empecé. También he desarrollado un proceso de composición que me encaja bien. Eso me llevó mucho tiempo.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
Cuando tenía 18 años y toqué por primera vez en un bar con Kilborn Alley, había un promotor local de blues entre el público. Ninguno de nosotros tenía planes de dedicarnos a la música a tiempo completo ni de quedarnos en la ciudad. Así que cuando Ike Mapson, dueño de un par de bares de blues locales y promotor del Champaign County Blues Fest, nos dijo que nos quería y nos invitó a tocar en el festival, eso lo cambió todo.
Poder grabar 10 discos completos es una gran bendición. Tener el tiempo y el espacio para ser creativo es algo enorme. Estar en el escenario con gente en la que confías más que en nadie en el mundo es algo poderoso. También participar en el concierto tributo a Bobby Blue Bland en el B.B. Kings en Memphis fue increíble.
Actualmente tienes tu primer lanzamiento como solista. ¿Cómo surgió la idea? ¿Tienes alguna anécdota interesante sobre la creación de California Trap?
California Trap surgió de una conversación con Michael Peloquin en el Blues Cruise de 2019. Él vivía en el Área de la Bahía, pero era originario de Champaign, Illinois, de donde yo vengo. Dijo que deberíamos grabar un disco. Así que le insistí un par de veces y lo logramos.
Volé a Greasland varias veces, Kid Andersen le puso su magia y Michael hizo que los instrumentos de viento sonaran de maravilla. También quiero decir que Derrick D’Mar Martin es un gran músico. Se merece todo el cariño que recibe. Tiene muchísima energía positiva en el estudio y está impecable con las canciones y los arreglos.
¿Qué estás haciendo para que tu música siga vigente hoy en día, para desarrollarla y presentársela a las nuevas generaciones?
Simplemente voy a mantener el rumbo. No tengo grandes revelaciones sobre cómo mantener vivo el blues. Solo sé que a todas las generaciones les encanta el blues. Algún chico ahora mismo en «Pick a Continent» está descubriendo el blues. Ese chico podría estar diciéndose: «Voy a intentar hacer esto yo mismo«, y si lo hace, todos lo veremos con enorme satisfacción.
La vida es más que solo música, ¿hay algún otro ámbito que influya en tu vida y en tu música?
¡La comida! Escucha cuántas de mis canciones hablan de buena comida y bebida.
Hagamos un viaje en el tiempo, ¿adónde y por qué quisieras ir un día entero?
Supongo que soy sentimental. Me gustaría volver unos doce años atrás, a un ambiente nocturno. La banda relajándose después de un gran concierto, tomando unas cervezas y riendo. Abraham Johnson y Dave Fauble (ya fallecidos) estarían allí, charlando y charlando. Acabábamos comiendo hamburguesas a las 4 de la mañana y lo hacíamos todo de nuevo al día siguiente. Eso estaría genial.
Tierinii Jackson: La Música de Southern Avenue de Memphis.
Agradecimientos especiales de Marc Lipkin (Alligator Records). Fotos por Rory Doyle
Southern Avenue, la banda familiar de Memphis, ganadora del premio Blues Music Award y nominada al GRAMMY, interpreta blues original de Memphis, soul moderno y música de raíces con influencias góspel, inspiradora y atemporal.
Su nuevo álbum Family, publicado el 25 de abril pasado, es el debut con Alligator Records de una maravillosa y joven banda que ya ha conquistado una enorme y fiel base de fans, ha realizado giras por gran parte del mundo y ha compartido escenario con gigantes de la música. La banda está formada por las tres hermanas Jackson: Tierinii, la vocalista principal, Tikyra (T.K.), la baterista y cantante de armonías, y la más reciente, la hermana pequeña Ava, que no solo canta, sino que también toca el violín y la percusión.
Sus armonías increíblemente emotivas provienen directamente de la iglesia donde se criaron. (De niñas y adolescentes, solo se les permitía cantar música góspel). La magia surgió en 2015, cuando Tierinii se unió con el guitarrista israelí Ori Naftaly, cuyo amor por el blues y el R&B estadounidenses lo había llevado en un viaje sin retorno a Memphis, la cuna del soul. Tras liderar su propia banda durante un par de años, Ori y Tierinii se conocieron.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿Qué momento cambió más tu vida musical?
La música me ha abierto los ojos a la profunda conexión que tenemos todos. Es un lenguaje universal, una fuerza que puede romper barreras y unir a las personas sin importar de dónde vengan. Uno de los momentos que más me cambió la vida fue en 2024, cuando cantamos en el escenario con Willie Nelson durante diez conciertos seguidos.
Estar junto a una leyenda viva, sentir el peso de esa historia y darme cuenta de que formábamos parte de algo mucho más grande que nosotros mismos, fue surrealista. Esa experiencia me hizo apreciar no solo dónde estamos, sino hacia dónde nos dirigimos como artistas.
¿Cómo describes el sonido y la filosofía musical de la banda? ¿Cuál es la historia detrás del nombre Southern Avenue?
Nuestro sonido está profundamente arraigado en Memphis, pero también está influenciado por todo lo que nos formó: blues, soul, góspel, rock y un poco de funk. Queremos que nuestra música se sienta viva, sea real y una a la gente con positividad y energía.
El nombre Southern Avenue proviene de una calle real de Memphis que se extiende desde el corazón de la ciudad hasta Mississippi. Para nosotros, representa de dónde venimos y hacia dónde vamos: nuestro viaje, nuestras raíces y nuestra visión de futuro.
¿Tienen alguna anécdota interesante sobre la creación del nuevo álbum Family? ¿Cuáles han sido los momentos más destacados de su vida y carrera hasta ahora?
Uno de los aspectos más especiales de Family, es que lo escribimos cronológicamente. Comienza con el viaje de Ori a Memphis y lo que lo llevó a contactarme. A partir de ahí, cuenta la historia de cómo nos conocimos, lo que hemos vivido como banda y cómo construimos esto desde cero. El álbum refleja las dificultades, el crecimiento y el amor que nos moldeó. Cuando nuestra hermana menor, Ava, se unió a tiempo completo, realmente nos consolidó como familia, no solo de nombre, sino en todos los sentidos.
En cuanto a los momentos destacados de mi carrera, sinceramente, son los pequeños detalles. Pasar tiempo con la gente que quiero, crear música con gente que se preocupa tanto como yo, esa es la verdadera recompensa. Los escenarios, los reconocimientos, las giras… son increíbles, pero nada supera la sensación de crear algo auténtico con gente que comparte tu pasión.
¿Por qué crees que el legado de Alligator Records sigue generando muchos seguidores fieles?
El blues es un género que nunca morirá: sigue evolucionando, reinventándose constantemente, pero sin perder nunca su esencia. Por eso la gente conecta tan profundamente con él. Alligator Records ha sido una fuerza en el blues durante tantos años, manteniéndose fiel a la música a la vez que la impulsa hacia adelante. Entiende de dónde venimos, lo que intentamos decir y cómo queremos crecer. Nos alegra que entienda lo que hacemos y que quieran formar parte de nuestro legado. Ese tipo de apoyo lo es todo.
¿Qué es lo que más echas de menos actualmente de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Echo de menos la crudeza. Las imperfecciones, la determinación, el hecho de que la gente no buscaba la perfección, sino la emoción. Escuchas discos antiguos y percibes la atmósfera, el ambiente, la verdad del momento. Mi esperanza es que los artistas sigan siendo valientes y hagan música que conmueva a la gente, no solo a algoritmos. ¿Mi miedo? Que la industria se obsesione demasiado con las tendencias y pierda de vista lo que realmente hace especial a la música: su alma.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que su música afecte a la gente?
La música siempre ha sido un reflejo de lo que sucede en el mundo. Puede iniciar conversaciones, crear conciencia y ser una fuente de sanación. Quiero que nuestra música haga que la gente se sienta vista, que les recuerde que no están solos. Ya sea alegría, dolor, amor o resiliencia, queremos que la gente se sienta empoderada al escuchar nuestras canciones.
¿Qué significa ser una artista femenina en un «mundo de hombres», como decía James Brown? ¿Cuál es la posición de la mujer en la música?
Ser mujer en esta industria significa esforzarte el doble para que te tomen en serio, pero también significa que tienes el poder de romper barreras. Las mujeres en la música actual están liderando el camino, demostrando que el talento, la visión y el liderazgo no tienen género. Veo cada vez más mujeres asumiendo su poder: produciendo, creando su propia música, encabezando festivales. Seguimos luchando por la igualdad real, pero avanzamos a pasos agigantados cada día.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Una de las lecciones más importantes es que debes ser fiel a ti misma. Las modas van y vienen, pero la autenticidad es lo que perdura. Además, cuida tu salud mental y física: las giras, los conciertos y la creación pueden pasar factura si no encuentras el equilibrio. Y, por último, rodéate de personas que te inspiren. La música es un trabajo en equipo, y tener a las personas adecuadas a tu lado marca la diferencia.
