¡Un verdadero creyente del blues!
Entrevista con Mark Hummel: ¡Un verdadero creyente del blues! (Fotos por © Bob Hakins)
El dominio de Mark Hummel del género blues, combinado con un profundo conocimiento de dónde provienen los orígenes musicales, es poco común en este idioma. Hummel ha grabado y realizado giras con diversos artistas como: Snooky Powell, James Cotton, Lowell Fulsom, Eddie Taylor, Brownie McGhee, Billy Boy Arnold, Barbara Dane, Jimmy Rodgers, Charlie Musselwhite, Jason Ricci, Huey Lewis, Lazy Lester, Kim Wilson, John Mayall, Curtis Salgado, Charles Brown, Willie ‘Big Eyes’ Smith y Anson Funderburgh.
El más reciente álbum de Mark Hummel de 13 temas, True Believer (2024), grabado en el estudio Greaseland de Kid Andersen, es una afirmación del gusto continuo de Mark por los acompañantes (se incluye en él a Junior Watson, Billy Flynn, Bob Welsh, Oscar Wilson y Joe Beard, y algunos incondicionales de la sección rítmica de larga trayectoria). Hummel es un “verdadero creyente”, ya que es un profesional completo, un virtuoso de la armónica, un cantante seductor y un talentoso compositor.
¿Qué has aprendido del blues sobre ti mismo y qué significa para ti?
He aprendido a centrarme en la música y nada más. Intento seguir el ejemplo de los blueseros negros más veteranos: simplemente toca blues y todo lo demás suele salir bien a la larga; si no, ¡ponlo en una canción! El blues es un camino largo y difícil, y nadie dijo que sería fácil, que te haría ganar mucho dinero, el estrellato ni nada por el estilo. Por eso, nunca esperé eso de esta música. Todo lo que siempre quise fue ganarme la vida decentemente con esto, y eso es lo que he logrado con trabajo duro, perseverancia y manteniendo ideas frescas para diferentes espectáculos. Tengo mi propia casa (con mi esposa y su empleo), mis propios vehículos, pago mis facturas a tiempo, etc.
Para mí, el blues es la experiencia de la vida, de los buenos y los malos momentos; no se puede tocar ni cantar sin ambos; hay que haber luchado de alguna manera, con trabajo duro, emocional o mentalmente hablando. Siempre intento superarme y reconciliarme conmigo mismo y con los demás, pero el blues también es una forma de lograrlo a través de la comprensión. Sin duda, es lo que cantaban los grandes afroaestadounidenses cuando decían «Times Won’t Be Hard Always» o «The Sun’s Gonna Shine in My Backdoor Someday». Ninguno de los viejos que conocí cantaba sobre la recolección de algodón.
¿Cómo describes el sonido y el repertorio de Mark Hummel? ¿Qué caracteriza tu filosofía musical?
Siempre he intentado combinar distintos tempos y estilos en mi música: canciones rápidas, lentas, medias, rumbas, bugaloos, shuffles, flat tires, blues de Chicago, West Coast Jump, Texas Blues Swing, R&B de Nueva Orleans, country delta blues, soul y algunos ritmos funky. Mis canciones siempre han recibido la misma influencia.
Mis canciones favoritas son «Lost A Good Man», «Big Easy (Ain’t Easy No More)», «Jungle Scotch Plaid», «Humblebug», «City Living», «Let Me Go», «I’m Hooked» y una que grabé hace mucho tiempo, «Hey Doctor», en mi primer LP. Es casi una canción country, pero salió del corazón, que es lo que yo entiendo que es la composición. He grabado unas sesenta canciones. Necesito mucha inspiración para escribir, así que ahora mismo es algo fugaz.
He empezado unas veinte o treinta canciones últimamente, pero no he terminado ninguna. Compuse una el otro día, pero está incompleta; supongo que me da un poco de miedo. También creo que el sonido de un conjunto es lo más importante en lo que hago. Siempre elijo el material según con quién toco y juego con sus puntos fuertes.
¿Cómo ha influido el blues (y su gente) en tu visión del mundo y en tus viajes?
Lo primero que noté cuando empecé a tocar en clubes de barrio, a los veintitantos, fue la amabilidad de los fans del blues de mayor edad. Yo era un joven hippie blanco que intentaba tocar la armónica de blues, y creo que cuando vieron mi gran interés en la música, me aceptaron.
La mayoría de la gente que conocí era 20 años mayor que yo, afroestadounidense y la mayoría del sur profundo de Estados Unidos, aunque vivíamos en Oakland y Richmond, California. Siempre intentaba imaginar cómo habría sido si les hubiera gustado el country y el western y hubieran intentado frecuentar los honky tonks de blancos. Lo dudo mucho.
Con los años, la generosidad y la humildad de los bluesmen de mayor edad se hicieron patentes. Habían sido ignorados durante toda su carrera, pero perseveraron y siguieron adelante a pesar de todo. Veía a cantantes actuar como si fuera su último concierto en la tierra ante tres personas del público, entregándose por completo. Eso me impresionó muchísimo.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
Ahora disfruto de muchos más tipos de música e instrumentos. Cuando empecé, solo me gustaban la armónica y la guitarra slide. Escucho blues (mi primer amor), jazz de los años 20 a los 70, folk, country clásico (anterior a los 80), rock psicodélico de los 60, rock & roll clásico de los 50, R&B, soul y góspel, y algunas rarezas (Big Star, Amy Winehouse, Chris Stapleton).
Lo que se mantiene igual es mi amor por todos los estilos de blues (aunque no mucho por el blues moderno). Siempre escribo sobre lo que me impacta en el momento, normalmente a altas horas de la noche o temprano por la mañana. La vida tiene una forma de abrir la puerta a las canciones. ¡Últimamente la política es primordial! Me concentro en la voz, además de la armónica cromática.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Por qué es importante preservar y difundir el blues?
Salir de gira y tocar con los clásicos artistas del blues (es un arte perdido, ya que casi todos han desaparecido). De verdad quiero preservar el estilo y la esencia de los viejos estilos, ya que nadie más parece entenderlo. El énfasis en tocar para la gente y para uno mismo es primordial. Toqué con gente como Lowell Fulson durante unos cinco años. Una vez dimos un concierto en San Francisco, California, donde nadie apareció las tres primeras noches y se notaba que le estaba afectando. El sábado por la noche, todos salieron de la nada vestidos de gala y parecía que todo el local había regresado a 1955, ¡incluido Lowell!
En otra ocasión, estábamos de gira con Jimmy Rogers y arruinó un concierto el domingo por pasarse con la bebida. Voló a Portland el lunes y, cuando lo recogí en Reno, tuve que darle una charla motivadora. Esa noche pasó lo mismo: se convirtió en un guitarrista de treinta años y tocó como un joven. Me encantaba cuando eso pasaba, y me pasó varias veces. Mi objetivo debe ser solo la música, no la fama ni la fortuna. El blues es, por supuesto, una música infravalorada a pesar de toda su fuerza y emoción.
¿Qué músicos han seguido inspirándote a ti y a tu música? ¿Tienes alguna anécdota interesante sobre la creación del nuevo álbum True Believer (2024)?
Tengo muchísima suerte de poder tocar siempre con los mejores blueseros de mi generación. Anson Funderburgh, Junior Watson, Billy Flynn, Kedar Roy, Wes Starr, Bob Welsh, Steve Freund, Randy Bermudes, June Core, Bill Stuve, Ed Mann, Joe Beard, Oscar Wilson… son la crème de la crème del blues. ¡Si no consigues sonar bien con ellos, déjalo!
El ritmo y el volumen son lo más importante: se pierde toda dinámica cuando el volumen sube demasiado. Todos en esas sesiones contribuyeron a la energía y la onda de ese disco. Algo así como la línea de bajo inicial de «Headed for a Heartache» le da vida a la melodía. O el retraso en el corte vocal (una especie de accidente).
¿Cuál ha sido el obstáculo más difícil de superar para ti como persona y como artista? ¿Te ha ayudado esto a convertirte en un mejor músico de blues?
La humildad y la paciencia son muy importantes; como muchos, a veces tengo ego. Controlar las cosas marca una gran diferencia. ¡Menos mal que no me hice famoso de joven (o nunca)! Ser tan proactivo en todos los aspectos del negocio me ha permitido mantenerme activo y ocupado.
Puedo contratar músicos, pactar conciertos, componer canciones, promocionar trabajos, grabar discos, organizar giras, reservar vuelos y hoteles. Además, hago un podcast que me encanta (Mark Hummel’s Harmonica Party) en 12 plataformas diferentes.
Ya he hecho 70 entrevistas con muchos músicos famosos (Nick Gravenites, Barbara Dane, Charlie Musselwhite, Elvin Bishop, Barry Goldberg, Boz Scaggs, Magic Dick, Country Joe McDonald, Anson Funderburgh, Junior Watson, Wes Starr, June Core, Kid Anderson, Rick Estrin, Kenny Neal, Chris Layton, Tommy Castro, John Primer, etc.).
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Tener fe en lo que haces es fundamental y no estar en una carrera hacia el éxito. Creer que las cosas saldrán bien a la larga. Siempre intento recordar lo duro que lo pasaron los grandes, lo que me hace consciente de que mi suerte no es tan dura. Escucho música constantemente; soy adicto a ella. Paciencia y humildad, de nuevo. Deja que las fichas caigan donde caigan, pero mantén siempre tu vehículo en buen estado y considéralo todo como una inversión.
¿Cuál es el motor de tu continuo apoyo a tu música? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica (habilidades) y el alma/sentimientos?
Solo sirve tener la técnica para expresarte; exagerar le quita emoción. No toques por sentirte cómodo, porque ese es el camino fácil. Toca por la canción y por lo que intenta transmitir. Los podcasts son muy divertidos porque escucho las historias de otros músicos y percibo las similitudes entre nosotros. Todos nos metimos en este negocio porque la música nos emocionó de cierta manera y queríamos convertirla en nuestro trabajo; hay que tener la vista puesta en el objetivo en todo momento. Mi amor por la música ha crecido cada año.
¿Qué haces para que tu música siga vigente, para desarrollarla y presentarla a la nueva generación?
Intento que sea auténtica y llena de vida, ritmo y sentimiento. Mantengo mi conexión con los precursores de esta música: un chico blanco emoionado por el blues negro. Soy la última generación que aprendió de Lowell, Eddie Taylor, Jimmy Rogers, Charles Brown, Brownie McGhee, Jimmy McCracklin, Dave Myers, Willie “Big Eyes” Smith, James Cotton, Snooky Pryor, Carey Bell, Luther Tucker, Sonny Rhodes, Francis Clay y tantos otros. ¡Me sorprende haber podido trabajar y hacerme amigo de todos ellos!
¿Cuáles fueron las razones por las que comenzaste a investigar sobre Bluebird Records? ¿Qué te fue lo que te emocionó?
Descubrí el sonido de Bluebird en la serie Blues Masters que Chris Stachwitz publicó a principios de los 70. Principalmente, Sonny Boy, John Lee Williamson, el primero, y Tampa Red con Big Maceo al piano. Estos tipos me llamaron mucho la atención, sobre todo cuando empecé a escuchar a figuras como Muddy, Walter, BB y Jimmy Rogers interpretando estas mismas canciones unos años después. También escuché por primera vez a Brownie McGhee interpretando muchas canciones de Big Bill Broonzy, lo que me hizo descubrirlo. Conocí a Brownie a principios de los 80 y escuché muchas historias sobre Bill, Maceo, Tampa y Lonnie Johnson.
Lo mismo me pasó con Barbara Dane, quien los conoció a todos y tenía anécdotas geniales sobre ellos. Mi amigo Carroll Peery, ya fallecido, también me contó mucho sobre Big Joe Williams y Lightning Hopkins, con quienes mantuvo una estrecha relación a finales de los 50 y principios de los 60. Carroll me presentó a Brownie y Dane.
He estado fascinado con la música y esos músicos durante años, pero gracias a Deep Basement Shakers, he estado tocando mucho material que gira en torno al washboard y el piano. Antes era solo el piano y yo, la guitarra o ambos. El washboard se volvió algo único cuando gente como Washboard Sam lo popularizó, o las jug bands de Memphis. Dave Eagle es un músico realmente creativo que me hace sonreír con sus solos extravagantes. Aaron Hammerman al piano y la guitarra es un alma vieja en el cuerpo de un joven y es un fanático de los monstruos del piano superdesconocidos de antaño.
¿Cuál es la época más interesante de tu vida?
Interesante pero no siempre es la más feliz; probablemente fue cuando me mudé al área de la Bahía de San Francisco en 1974 y conocí a todo tipo de blueseros: Ron Thompson, Sonny Rhodes, Cool Papa, Boogie Jake, Sonny Lane, Johnny Waters, Luther Tucker, JJ Malone, Troyce Key, Lowell Fulson y muchos más. Esa fue una época emocionante porque el blues seguía siendo blues en los clubes de barrio de Oakland, Berkeley y Richmond.
Normalmente, yo era solo uno de los pocos blancos que lo tocaban en esos locales; seguía siendo una época emocionante para el blues. Ahora todo gira más en torno a festivales, medios de comunicación y premios. Además, mis primeros días de gira fueron definitivamente interesantes y bastante complicados: mal tiempo, furgonetas en mal estado, neumáticos, dueños de clubes y músicos, etc. ¡Todo está en mi libro «Big Road Blues: 12 Bars On I-80» en Amazon!
¿Cuál es el mejor jam en el que has tocado? ¿Cuáles son algunos de los conciertos más memorables que has dado?
La mayoría de los mejores jams en los que he estado fueron parte de los Blues Harp Blowouts que organicé durante los últimos veintitrés años. Recuerdo una estelar en Biscuit & Blues con Johnny Dyer, James Harman, John Nemeth y Rick Estrin. Creo que Paul Delay también estuvo allí. Harman inventaba letras divertidísimas sobre todo el mundo y nadie podía superarlo, ¡incluso Estrin se quedó sin palabras, y eso no pasa a menudo!
Tuvimos una gira muy divertida por la Costa Este con Kim Wilson y Musselwhite en 2007 y el Tributo a Sonny Boy (John Mayall, Rick Estrin, Curtis Salgado y James Harman) que hicimos este año, así como el Tributo a Little Walter (Musselwhite, Billy Boy Arnold, Sugar Ray, Billy Flynn y Little Charlie) en 2012. Ambas giras fueron increíbles con conciertos agotados en teatros de buen tamaño.
¿Cómo surgió la idea de MARK HUMMEL’S BLUES HARMONICA BLOWOUTS? ¿Qué recuerdos te hacen sonreír?
Demasiados para contar. Para empezar, poder tocar en giras con mis ídolos de cuando empecé: el gran James Cotton, el gran Carey Bell, Musselwhite, Lazy Lester, Little Sonny, Lee Oskar, Magic Dick, Mayall, Billy Boy Arnold, Corky Siegel, Rod Piazza; todos los chicos a los que intenté copiar en discos al final de mi adolescencia. No puedo expresar la emoción que siento.
¡Ahora son amigos con los que hablo todo el tiempo! Es emocionante cuando me lo propongo.
Además, la camaradería de poder intercambiar historias mientras conducimos de un lado a otro, comparar aventuras, imitar a otros músicos, hablar de la vida y de dónde hemos estado. Y luego, todos juntos, tocar la armónica al final, ¡lo cual es genial o un desastre! Todo eso. ¿Cuesta creer que vayan a ser 34 años de Blowouts en 2025?
¿Por qué creerías que el blues sigue generando tantos seguidores?
Creo que hoy en día la gente está confundida sobre qué es y qué no es blues. Mucho de lo que se llama blues suena a lo que llamábamos blues-rock en los sesenta, así que no es tan moderno como dicen.
De los músicos de mi generación que sonaban originales, siempre señalo a Paul DeLay, que sonaba extremadamente actual, con sentimiento bluesero y una voz desgarradora. Es bastante raro. Robert Cray también lo ha hecho bien, pero ambos artistas rozan el soul. Es lo más cercano que se me ocurre. Creo que la devoción reside en artistas concretos que la gente encuentra que les conectan; no siempre me pasa, pero ese no es el punto.
¿Cuál fue el mejor y el peor momento de tu vida y carrera?
Probablemente el mejor sea ahora, con un buen matrimonio y mejores conciertos, algunos premios (recientemente gané dos BMAs), una agencia de contratación y un sello discográfico que cree en lo que hago. En el pasado, publicaba mis propios LPs y discos de 45 rpm. Lo peor fue mi divorcio y perder la custodia de mi hija cuando mi ex se mudó a la Costa Este; mi actual esposa, Alexis, me ayudó a superarlo, gracias a Dios.
¿Qué encuentros han sido las experiencias más importantes para ti? ¿Cuál es el mejor consejo que te han dado?
Me lo pasé genial con Snooky Pryor, Sam Myers y Anson Funderburgh en 2002, cuando hicimos una gira por el norte de California en la furgoneta juntos; simplemente íbamos juntos, riéndonos y hablando mal de mí. ¡Escuchar a Myers hacer su pésima imitación de Musselwhite fue genial! Conducir el Cadillac de Brownie para él por California siempre era un placer, o pasar por su casa a escuchar historias era increíble.
Conocer amigos como Billy Boy Arnold, Willie «Big Eyes» Smith, Charlie Musselwhite, James Cotton, Dave Myers, Lazy Lester y muchos más es alucinante, ya que son tipos a los que he escuchado toda mi vida y nunca pensé que llegarían a ser amigos míos. Salir con Muddy Waters cuando venía a la ciudad e ir en furgoneta con ellos a los conciertos que daban por el Área de la Bahía era de lujo. ¡Yo también lo hacía para entrar gratis, aunque estaba sin dinero!
¿Tienes algún recuerdo de los grandes bluesmanes Charles Brown, Carey Bell y Lowell Fulson que te gustaría compartir con nosotros?
Tanto Carey Bell como él eran unos borrachos, porque bebían mucho y no tenían a nadie que los cuidara (salvo Mookie Brill, que sí lo hizo). Recuerdo que hacia el final tenía una novia fumadora de crack en Chicago, que se gastaba todo el dinero que ganaba en giras. Fue muy triste, pero no se le puede decir a alguien algo que no quiere oír. Di varios conciertos y giras con Carey en 1989, 1997 y 2004. El último concierto que dimos fue justo antes de su muerte en 2008 en Carolina del Norte, y Carey estaba muy delgado cuando le agarré el brazo para despedirme.
Tocó genial en el CD «Blues Harp Meltdown: Legends»; estoy orgulloso de ello. Willie Smith era una de mis personas favoritas para ir de gira y una persona única que podía hacerlo todo: conducir, arreglar tu furgoneta, tocar la batería, la armónica, dar consejos invaluables y ¡sabía más de blues que cualquier libro! Kenny, su hijo, es un baterista maravilloso y también un gran tipo, como parece ser toda su familia. Willie también debió ser un padre estelar.
Charles Brown fue el mejor músico que he conocido y podía tocar jazz, clásica, blues, stride; lo que fuera, y lo tocaba todo con facilidad. Brown vivía en Berkeley cuando regresó de Los Ángeles en 1984 y le conseguí algunos conciertos a su regreso, algo que nunca olvidó. Así fue como conseguí que grabara dos veces para mí en 1987 y 1997. Charles también tenía historias invaluables; se autodenominaba el «Michael Jackson de los 40» y Mabel Scott (su novia de Hollywood) la «Diana Ross de los 40». También me contaba historias de fantasmas espeluznantes, pues decía ser clarividente.
Trabajé con Lowell Fulson desde 1976, intermitentemente, hasta aproximadamente 1985. Lo mejor fue cuando contraté a su antiguo compañero de Swingtime, el saxofonista Earl Good Rockin Brown (que todavía está con nosotros), para tocar en las giras. Tenían una química increíble y Earl grabó esos discos junto con Lloyd Glenn al piano. Incluso hice un festival en Oakland con los tres.
La mejor noche que vi tocar a Lowell fue una temporada de cuatro noches en San Francisco, en un club de barrio llamado VIS Club en la calle Divisadero. Las tres primeras noches fueron un espectáculo terrible, pero el sábado por la noche todos salieron de la nada con sus mejores galas y el público mayor retrocedió en el tiempo a finales de los 40 y principios de los 50 mientras Lowell cantaba sus viejos éxitos. Lowell parecía tener unos 25 años esa noche mientras cantaba esas melodías y se la pasó en grande.
¿Qué es lo que más extrañas del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
La cercanía entre los músicos negros y blancos que sentía en aquel entonces; ahora quedan muy pocos de la generación anterior. En retrospectiva, parece que había una verdadera camaradería entre todos los músicos de blues; todavía la siento de vez en cuando. Hace años, en los BMA, hablando con Bob Stroger, Billy Flynn, Charlie Musselwhite, Elvin Bishop, Billy Boy Arnold y James Cotton, seguía siendo una comunidad, pero se estaba reduciendo rápidamente.
Por suerte, cada vez conozco a más jóvenes aficionados a la música blues de guitarra y armónica que quieren continuar la tradición. Nathan James, Aki Kumar, Troy Sandow, Nick Clark, Marquise Knox, Big Jon Atkinson, Kyle Rowland y Steve Mariner también disfrutan de las viejas tradiciones. Espero que esto inspire un resurgimiento de este auténtico estilo de blues y no una interpretación rockera sin fundamento para llamarse blues (salvo un par de riffs de SRV). ¡Pocos saben algo de Sonny Boy I o Lonnie Johnson, los que inventaron este género!
¿Cuál es el impacto de la música y la cultura del blues en las implicaciones raciales, políticas y socioculturales?
El blues surge de las luchas afroestadounidenses convertidas en arte. Los estadounidenses blancos lo adoptaron, pero no podemos apropiárnoslo; simplemente lo tomamos prestado y, de alguna manera, debemos reconocer su origen. A la música se le debe mucho. Brownie me dijo hace mucho tiempo: «No digas quién la escribió, la estás cantando», pero él fue uno de los creadores y ellos tomaron prestado con bastante libertad de sus mayores.
Esta es música folk y siempre se ha transmitido a la siguiente generación, negra o blanca, estadounidense o europea, lo que sea. Hoy en día veo a jóvenes negros adentrándose en la forma tradicional de tocar blues y jazz, ¡y es emocionante! No son muchos, pero es un comienzo. Veo y toco con grandes jóvenes europeos del blues, tan buenos como jóvenes estadounidenses.
¿Qué recuerdos de Brownie McGhee, Eddie Taylor, Luther Tucker y Jimmy Rogers te hacen sonreír?
Brownie McGhee me dijo que no anunciara la canción que iba a cantar, ¡ya que yo era quien la cantaba!
Eddie Taylor, cuando no paraba de tocar la última noche de su gira, me decía «¿Cuántas más quieres que toque?» y yo insistía en «Ya puedes parar», pero él simplemente añadía otra canción y seguía tocando unas cuatro más porque se sentía con ganas. ¡Solo había diez personas en el club para entonces, pero no quería parar!
Ver a Luther Tucker una noche tocando con Andrew Jeffries en el condado de Marin, tocando TANTA guitarra que fue impresionante, o ver a Tuck, Elvin y BB juntos y a Tucker dejar a todos sin música. Jimmy Rogers, cuando lo saqué y lo fastidié en un festival un par de noches antes, así que le hablé de que cuidara su consumo de alcohol. Esa noche en Reno tocó como si tuviera veinte o treinta años menos y tocó el mejor «Act Like You Love Me» que he escuchado en mi vida.
¿Sabes por qué el sonido de la armónica está conectado con el blues? ¿Cuáles son sus secretos?
Porque es el más parecido a la voz humana de cualquier instrumento, además de que se utilizan los mismos músculos para tocarla: la garganta y la respiración. Todos los secretos están disponibles ahora en BluesHarmonica.com, de Dave Barrett. Todo se ha desmitificado desde que empecé a tocar. Cuando la mayoría de los chicos de mi edad empezaron, era un verdadero misterio, ya que nadie te enseñaba mucho y no había ningún sitio al que acudir, salvo encontrar un armonicista que te diera clases, y eso era poco común.
¿Consideras el blues un género musical y un movimiento artístico específico, o crees que es un estado mental?
Sin duda, es una vocación para un grupo muy pequeño que lo trata como un club privado o una religión. En cierto modo, eso es lo que me atrajo: era música marginal, solo entendida por individuos específicos que captaron su atractivo. Nunca ha sido muy popular y, cuando lo es, suele venderse a algo que deja de ser blues. El aspecto racial no aplica cuando los músicos tocan juntos y sincronizados.
Si pudieras cambiar algo en el mundo musical y se hiciera realidad, ¿qué sería?
Eliminar los reality shows de televisión, acabar con el patrocinio corporativo de la política, dar a los músicos las regalías de radio e internet como se supone que deben recibir; recuperar un mercado realmente libre. Ahora mismo, una o dos grandes corporaciones lo controlan todo: televisión, radio, festivales, marketing, periódicos. ¡Que se lo devuelvan a la gente!
¿Qué dirías que caracteriza al blues de la vieja escuela en comparación con la escena y los circuitos blues actuales?
Sinceridad y raíces. Las letras cuentan, al igual que las imágenes, los matices y la dinámica. También me encantan los instrumentos acústicos. Demasiada guitarra principal rápida y fuerte, y me ENCANTA la guitarra, pero en su época no era el instrumento predominante. El piano era el instrumento principal, junto con los instrumentos de viento metal y madera en sus inicios.
