El blues tuvo un bebé y lo llamaron… British Blues
Entrevistas con Dave Kelly, Kevin Morris, y Paul Lamb. El blues tuvo un bebé y lo llamaron… British Blues
Dave Kelly: El sol del blues en su cara
Dave Kelly es un cantante, guitarrista y compositor de blues británico, activo en la escena musical desde la década de 1960. Ha tocado con la John Dummer Blues Band, Tramp, The Blues Band y su propia Dave Kelly Band. Sun On My Face (2023/Repertoire Records), es su más reciente álbum de 15 temas. Comenzó como una selección de canciones de la Dave Kelly Band. El álbum también incluye regrabaciones como Them Ole Crossroads Blues, compuesta para el álbum de despedida de la Blues Band, So Long, un emotivo homenaje a su viejo amigo y mentor Tony McPhee, y la favorita de la Dave Kelly Band, I Am The Blues, compuesta junto a Lou Stonebridge.
Agradecimientos especiales a Lesley Shone y Alan Robinson (Indiscreet PR).
¿Cómo ha influido la contracultura del blues y el rock en tu visión del mundo?
Influyó muchísimo en mi mundo y mis viajes. A los nueve o diez años, cuando el rock and roll me llegó por primera vez, se convirtió en mi pasión, mi medio de vida.
¿Con qué conocidos has tenido las experiencias más importantes para ti? ¿Cuál fue el mejor consejo que te dieron?
Conocer y tocar con Howlin’ Wolf, John Lee Hooker, Son House y Buddy Guy. No me dieron consejos, solo los vi y aprendí: de Wolf y Buddy, que siempre hay que hacerlo con todas tus fuerzas.
¿Cómo surgió tu relación con el blues acústico?
La canción Them Ole Crossroads Blues del álbum So Long de The Blues Band y una versión como solista en mi álbum más reciente abordan esta cuestión. Sin embargo, empecé a tocar la guitarra en 1957, en la ola del rock and roll y el skiffle. Con el auge del folk a principios de los 60, empecé a tocar con los dedos. Con la influencia del skiffle, siempre estuve al tanto de la música folk estadounidense y, en cierta medida, del blues, gracias a Lonnie Donegan.
Descubrí una tienda de discos cerca de donde vivía en Streatham, al sur de Londres: Carey’s Swing Shop, especializada en discos de jazz y blues. Nos reuníamos allí músicos locales: Jo Ann, Bob Hall, Steve Rye, Simon Preager, Tony McPhee y yo. Intercambiábamos discos y riffs. McPhee me enseñó a afinar un acorde abierto para tocar slide/bottleneck. ¡Eso me cambió la vida!
¿Tienes alguna anécdota sobre la creación del álbum Sun On My Face?
Solo que empezó antes del Covid y, durante el encierrro, Bill Gautier se mudó del suroeste de Londres a la costa de Kent, cerrando su estudio. Empecé de nuevo con el tecladista e ingeniero Rob Millis, que tiene el estudio Left Bank a orillas del río Crane en Twickenham, cerca de donde vivo.
Así que pasaron unos dos años entre empezar las pistas de acompañamiento (5) y continuar con el álbum durante las siguientes diez pistas y las sobregrabaciones en casa de Rob. Además, que hago una versión blues/rock de Let’s Do It de Cole Porter, que por cierto iba a ser el título del álbum.
Pasamos el verano en nuestra casa en Francia y, en lo alto del pueblo, hay una vieja furgoneta Citroën oxidada, llena de maleza. Una tarde, caminando de vuelta con Otis, nuestro perro, pasamos por delante y tomamos un par de fotos. Al mirarlas, pensé que quedarían bien como foto de portada. Regresamos a la mañana siguiente con una guitarra, y hacía mucho sol. La foto salió genial, y con el sol en la cara y una canción titulada así, fue obvio cambiar el título.
¿Qué has aprendido del blues y qué significa para ti?
No estoy seguro de qué he aprendido del blues. Para mí, el blues es una música maravillosa y emotiva que me ha permitido vivir mi vida como músico profesional.
¿Cuál ha sido el obstáculo más difícil que has tenido que superar como persona y como artista? ¿Te ha ayudado esto a convertirte en un mejor músico de blues?
No creo haber tenido ningún obstáculo difícil. He tenido mucha suerte. No llegaba muy lejos con la guitarra slide en 1964, cuando Tony McPhee me enseñó a afinar un acorde abierto, ¡y eureka! Como el hombre misterioso en la encrucijada a medianoche, solo que este encuentro fue en Tooting Bec, Londres.
¿Cuál es la fuerza que te impulsa a seguir apoyando tu música? ¿Qué transmite tu blues/música sobre la condición humana?
Mi fuerza motriz es el amor por lo que hago: me encanta tocar música, sobre todo frente al público. Mi música (espero) transmite emociones al oyente, emociones que pueden reconocer en sí mismos.
Desde el punto de vista musical y sentimental, ¿hay alguna diferencia entre los grandes bluesmen de siempre y la nueva generación?
No puedo responder a esta pregunta, solo sé que la música que te atrapa por primera vez se queda grabada para siempre y, por lo general, no se reemplaza. He tenido la suerte de ver tocar a todos los grandes en algún momento. También tuve la suerte de tocar con Son House, Howlin’ Wolf, John Lee Hooker, Freddie King, Buddy Guy, Lowell Fulson, Junior Wells, entre otros. Siempre los consideraré los mejores. Me encantaba el trabajo de Peter Green y hay una joven en el Reino Unido llamada Elsie Franklin que hace un blues clásico buenísimo.
Mi primera experiencia musical fue con el tocadiscos de mis padres. Luego llegaron Lonnie Donegan, Little Richard, Buddy Holly, Elvis Presley. Se han quedado grabados en mi memoria para siempre. También me encanta la música country. La variedad musical de mi álbum Sun On My Face demuestra que no solo me encanta el blues. Me encanta la música country, me encanta Joni Mitchell, etc. Duke Ellington dijo que solo hay dos tipos de música: la buena y la mala. Estoy de acuerdo.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste y qué se ha mantenido igual?
Creo que canto mucho mejor últimamente. Homer, mi hijo menor, es profesor de canto y profesor de canto. Me ha dado algunos consejos en los últimos años que me han sido muy útiles. Creo que lo notarás cuando escuches el álbum Sun On My Face.
¿Qué momento cambió más tu vida musical?
Como decía, conocí a Tony McPhee, quien me enseñó los fundamentos de la guitarra slide. Además, en Nueva York, en 1966, toqué en el Gerde’s Folk City. Pagabas un dólar, o quizá dos; no lo recuerdo, pero por el pago podías tocar dos canciones. No había bises, todos solo hacían dos canciones. Yo toqué mi set y el público no me dejaba, no paraban de pedir más, al final hice cinco canciones.
Creo que en aquella época no estaban acostumbrados a escuchar una guitarra slide, ¡y menos tratándose de un inglés de 19 años! Al volver al Reino Unido al final del verano, me dije a mí mismo, debido a la respuesta del Gerde’s Folk City: “No voy a buscar trabajo. Voy a ser músico profesional”. Así que me concentré en la escena folk de clubes y conseguí conciertos y desarrollé mi carrera.
¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
La actuación en el Gerde’s Folk City, mi incorporación a The John Dummer Band, la gira con Howlin’ Wolf, la gira con John Lee Hooker, la gira y grabación con Son House, la participación en conciertos con Buddy Guy, Hubert Sumlin, Freddie King, Junior Wells y The Allman Brothers Band. The Blues Band comenzó hace 44 años. Fue telonera durante dos meses de la última gira de Dire Straits por Europa.
¿Por qué crees que la escena del blues en el Reino Unido sigue generando seguidores fieles desde los años 60?
Bueno, porque es un género musical magnífico y ha sido popular desde que se empezaron a grabar sus canciones, ¿por qué debería cambiar?
¿Cómo te preparas para tus grabaciones y actuaciones para mantener tu energía espiritual y musical?
No sé, simplemente me dedico a ello. Me encanta, así que la energía no influye. La espiritualidad se autoabastece o no tiene sentido.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica (habilidades) y el alma (emociones)?
La técnica es importante, pero no sirve de nada si no tiene ese swing (Duke Ellington).
¿Tienes algún recuerdo específico del famoso «Les Cousins» del Soho que te gustaría contarnos?
Principalmente que nunca toqué allí… Mi hermana, JoAnn Kelly (1944-1990), sí, pero yo nunca pude. Vi a algunos buenos músicos allí… ¡como Bert Jansch!
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues?
Siempre sobrevivirá porque es una forma musical accesible, pero como ya se ha dicho, la técnica no es nada sin el sentimiento humano en la música.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
No des nada por sentado. Mantén la mente abierta a todo lo que puedas.
¿Crees que existe un público para el blues en su estado actual?
Sí, está demostrado que existe. Puede que ahora mismo sea un estilo un poco más rockero, pero siempre he dicho: “El blues es como una amiba, en constante movimiento y cambio de forma… ¿o al menos un potencial para que los jóvenes se conviertan en futuros públicos y fans? Siempre lo ha sido. ¡Yo fui un (joven) alguna vez!”.
Kevin Morris: Que siga rolando el Dr. Feelgood
Formados en Canvey Island, Essex, a principios de los 70, Dr. Feelgood sigue siendo uno de los grupos de rhythm and blues en vivo más populares y emocionantes del mundo. Su estilo crudo e inflexible dio como resultado el álbum Stupidity (1976), que inmediatamente alcanzó el número uno en las listas de éxitos del Reino Unido.
Dr. Feelgood también ha disfrutado de un éxito mundial con una serie de sencillos de éxito, entre ellos Roxette, Back in the Night, Milk and Alcohol, Down at the Doctors, She Does it Right, Going Back Home y See You Later Alligator, que les dio su primer disco de oro.
El último álbum con Lee Brilleaux, Down at the Doctors, se grabó en vivo en el Dr. Feelgood Music Bar de Canvey Island (ahora en las instalaciones del Hotel Oysterfleet), solo dos meses antes de su fallecimiento. La formación actual incluye a Kevin Morris: batería; Phil Mitchell: bajo; Gordon Russell: guitarra; y Robert Kane: voz.
¿Cómo ha influido la contracultura del blues y el rock en tu visión del mundo?
Desde muy joven he aprendido mucho de la música, especialmente de las letras de algunos de nuestros grandes compositores, lo que me ha ayudado a comprender el mundo en el que vivimos.
¿Cómo describes el sonido, la filosofía musical y el repertorio de Dr. Feelgood? ¿De dónde surge su impulso creativo?
El estilo de Dr. Feelgood es muy sencillo y básico. Nuestras influencias provienen del blues y el rock and roll, especialmente de Estados Unidos. Tenemos la suerte de contar con un repertorio variado que refleja a la banda en todas sus etapas de desarrollo.
¿Qué encuentros han sido tus experiencias más importantes? ¿Cuál fue el mejor consejo que te han dado?
Tuve la gran suerte de tocar con muchas grandes estrellas del soul a principios de los 70 y aprendí mucho de ellos. Estoy especialmente agradecido con Sam y Dave, que eran fantásticos showmen, y Sam Moore tenía una de las voces más brillantes. Me enseñaron mucho sobre la dinámica de una canción y una interpretación en escena.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Qué significa el blues para ti?
Cuando tenía 11 años, fui a ver a The Who en concierto en un teatro local y me impresionaron con su energía y su potente sonido. Esto me llevó a seguir mi camino como baterista, que había comenzado el año anterior. A través de bandas británicas como The Who, Yardbirds, Animals y, más tarde, John Mayall’s Bluesbreakers y Cream, descubrí a Muddy Waters, Howlin’ Wolf y a muchos otros grandes del blues estadounidense.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
No creo que uno deje nunca de aprender a tocar; una de las lecciones del tiempo y la experiencia es que, a menudo, menos es más.
¿Por qué crees que el legado musical de Dr. Feelgood sigue generando muchos seguidores fieles?
Dr. Feelgood tiene un catálogo muy completo de canciones, algunas compuestas por miembros de la banda y otras por compositores y artistas que hemos admirado a lo largo de los años. Cuando la gente viene a vernos, sabe qué esperar y nuestro objetivo es ofrecer el mejor espectáculo en cada ocasión.
¿Qué te hizo reír y qué te emociónó de Lee Brilleaux?
Lee Brilleaux era un artista original y talentoso. Fuera del escenario era una gran compañía y echo de menos su gran sentido del humor, a menudo me río al recordar los momentos que pasamos juntos.
Has trabajado en muchos entornos diferentes, desde clubes y estudios hasta festivales al aire libre y pubs. ¿Cómo te mueves entre estos mundos tan diferentes?
Aunque tocamos en diversos escenarios, siempre abordamos nuestros conciertos con una cercanía muy íntima al público… ¡incluso si tocamos en grandes teatros o festivales, tocamos como si estuviéramos en un club pequeño, caluroso y sudoroso!
¿Cómo era la vida y la escena musical en Canvey Island durante la «época dorada»? ¿Qué es lo que más recuerdas de aquella época?
Canvey Island, en la década de 1970, por alguna razón, tenía un ambiente emocionante, con bandas como Dr. Feelgood, Eddie and the Hot Rods y Lew Lewis Reformer, por nombrar solo tres. Había muchas más que no eran tan conocidas fuera de la isla. Por ejemplo, Deano’s Marvels, liderado por nuestro estimado road manager, el gran Dean Kennedy.
¿Qué están haciendo para mantener su música vigente hoy en día, para desarrollarla y presentarla a la nueva generación?
Seguimos componiendo y grabando nuevas canciones, pero siempre tocamos las grandes canciones de la historia de la banda en nuestros conciertos, con una continuidad desde principios de la década de 1970 hasta la actualidad.
La vida es más que solo música, ¿hay algún otro ámbito que haya influido en tu vida y en tu música?
Lo más importante en mi vida, además de la música, es sin duda mi familia: mi esposa, mis tres hijos y mis queridos nietos, Teddy y Poppy, quienes nos entretienen a diario con sus vidas alegres.
¿Tienes algún recuerdo de conciertos, jams, actuaciones en vivo y sesiones de estudio que te gustaría compartir con nosotros?
Tengo tantos recuerdos geniales de mi carrera hasta ahora que no sé por dónde empezar. Como mencioné antes, tuve la suerte de tocar con muchos grandes artistas de Estados Unidos y con Dr. Feelgood he viajado por todo el mundo. Creo que la primera vez que fui a Japón comprendí realmente lo diferente que era la cultura; sin embargo, era un público estupendo y hemos regresado muchas veces.
¿Qué es lo que más echas de menos de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Me encanta la simplicidad de la música del pasado y me preocupa que ahora todos los artistas usen la misma tecnología, sonidos y productores en su afán por el éxito musical y, por lo tanto, todos acaben sonando igual.
Si pudieras cambiar algo en el mundo de la música y se hiciera realidad, ¿qué sería?
Me encantaría desterrar los autotune de todos los estudios, ¡así podríamos saber quién canta de verdad!
¿Cuáles fueron las razones que hicieron del Reino Unido, en los años 70, el epicentro de la experimentación con el pub rock y el blues?
El pub rock es una definición muy incomprensible; simplemente era el único lugar donde pequeñas bandas desconocidas podían tocar en Londres y sus alrededores, en una época en la que la música en vivo se había convertido en un espacio para producciones grandes y extravagantes.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Una de las lecciones más importantes que he aprendido es mantener la simplicidad dentro y fuera del escenario.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que afecte a la gente?
La música es una parte fundamental de mi vida y creo que es una de las cosas más grandiosas para la humanidad; significa muchísimo para mucha gente.
Viajemos en el tiempo: ¿adónde y por qué quisieras ir un día entero?
Me gustaría viajar al futuro y ver cómo mis nietos pequeños se convertirán en adultos y ver a sus hijos.
Paul Lamb: Todo sobre el Blues
El músico británico Paul Lamb es conocido por los aficionados y la prensa musical de todo el mundo como uno de los principales exponentes de la armónica de blues, labrándose un lugar en la historia como uno de los mejores intérpretes de nuestro tiempo. Tras ser incluido en el Salón de la Fama de los Premios de Blues Británicos, Lamb continúa compartiendo su contagioso estilo de blues emotivo con sus fans de todo el mundo.
A los 20 años representó al Reino Unido en el Campeonato Mundial de Armónica, lo que le llevó a colaborar durante un tiempo con su mentor, Sonny Terry. Los años siguientes lo vieron actuar con Buddy Guy, Junior Wells, Brownie McGhee y otros innumerables grandes del blues. Sin embargo, la necesidad de componer y expresar su propia música dio origen a los Blues Burglars, la primera encarnación de los King Snakes.
A medida que el joven virtuoso de la armónica se centraba más y confiaba más en sus habilidades, la formación de una nueva banda se hizo inevitable y así nació Paul Lamb & the King Snakes. Posee este talento con humildad y gracia, como uno de los últimos intérpretes de la vieja escuela, un auténtico caballero del blues.
¿Cómo ha influido el blues en tu visión del mundo? ¿Qué momento cambió más tu vida musical?
El blues dice la verdad, en todo el mundo. El momento que cambió mi vida musical fue cuando escuché, a los 13 años, la canción “Have you heard?” del álbum The World of John Mayall. Mi búsqueda o viaje para tocar blues y encontrar la armónica como el instrumento, junto con mi voz, para expresar mis sentimientos y emociones… comenzó en ese momento… el resto es historia.
¿Qué has aprendido del blues sobre ti mismo y qué significa para ti?
Aprendí a respetarlo. El blues lo es todo para mí, la vida misma.
¿Cómo describes el sonido y el repertorio de Paul Lamb? ¿Qué caracteriza tu filosofía musical?
Mi sonido es honesto y auténtico. Toco lo que siento y siento lo que toco.
¿Sabes por qué el sonido de la armónica está conectado con el blues? ¿Cuáles son sus secretos?
La armónica es un instrumento pequeño con un sonido enorme (¡en las manos adecuadas!). Es muy fácil de transportar y, además, relativamente barata. Los viejos maestros tocaban con el corazón y el alma, dándole a la música una profundidad y calidad auténticas. Para mí, la armónica es un vehículo para expresar mis sentimientos más íntimos.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
Supongo que he crecido como artista, de una forma en que el blues te educa, de muchas maneras. Viajar, conocer gente y ser líder de una banda es una gran experiencia. Tratar con miembros de la banda, promotores, discográficas, etc., sin duda ayuda a forjar tu carácter. Es todo lo que yo llamo mi viaje en el blues con una armónica. Como digo, mantener la fe y el espíritu siempre me ha acompañado.
¿Por qué crees que la escena del blues del Reino Unido sigue generando muchos seguidores fieles?
Creo que la escena blues en el Reino Unido, en este momento, se está inclinando más hacia el rock blues (en mi opinión). El blues siempre ha estado y seguirá estando de moda, entra y sale, pero nunca desaparece. Por ejemplo, la explosión del blues de los años 50 y 60, donde los artistas del sur profundo influyeron en la invasión del blues británico, con nombres como The Blues Breakers, Led Zeppelin, The Beatles y, por supuesto, The Stones.
John Mayall ayudó a crear varias leyendas de la guitarra británica como Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor. Después de este auge, hubo una pausa en los 70. Sin embargo, a mediados de los 80, mi música, con los King Snakes, comenzó a cobrar importancia, junto con la de Otis Grand y The Big Town Playboys. Todos teníamos un instrumento como líder: Otis a la guitarra, Mike Sanchez al piano y yo en la armónica.
Este era más bien blues retro de los años 40 y 50, heredado de quienes nos precedieron. Sigo teniendo una gran base de fans, pero lamentablemente todos estamos envejeciendo, aunque también hay jóvenes que se están incorporando… Dios los bendiga.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
A no interferir con otros músicos… a veces… Menos es más. Mi primer mentor, el gran Sonny Terry, me dijo: «Hijo, solo toca lo que sientes y siente lo que tocas«. Este consejo me ha ayudado a convertirme en quien soy.
¿Cuál es el equilibrio entre la técnica y el alma en la música? ¿Cuál es el motor de tu continuo apoyo a tu música?
Tiene que haber un equilibrio entre la técnica y el alma. Debes tener algo de técnica, pero creo que una mezcla de 30% de técnica y 70% de alma, espíritu y sentimiento es la combinación correcta. La mayoría de los grandes músicos como B.B. King, Big Bill Broonzy y Sonny Terry no sabían leer música (es decir, técnica), pero desarrollaron su propio sonido, estilo y alma. Se puede identificar a B.B. King, Lightnin’ Hopkins, Little Walter y, con suerte, a mí mismo simplemente por su sonido y estilo.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música en la sociedad actual?
Es fundamental preservar la música hoy en día. Esto, a su vez, la mantiene viva. No es solo música, es una forma de vida; las reglas están en las canciones, como en la Biblia, y cito a John Lee Hooker: «El blues cura«. El blues ayudó a crear el jazz, el be-bop, el soul, el R&B y el góspel (quizás haya un desacuerdo aquí)… además, el blues tuvo un bebé, al que llamaron rock and roll. Sigo difundiendo la noticia a través de mi música. Es como digo, no es solo música, sino una forma de vida, toda una lección de historia.
¿Qué recuerdos de Sonny Terry, Buddy Guy, Junior Wells y Brownie McGhee te hacen sonreír?
Toqué con Buddy Guy y Junior Wells en los 80 en Dingwalls, Londres. Después del concierto, nos invitaron a todos a una fiesta. Como te puedes imaginar, Junior se había tomado unas copas y estaba «muy contento«… tan contento que dejó los zapatos en el camerino y fue descalzo (en el invierno británico) a la fiesta. Estar cerca de Sonny Terry y Brownie McGhee fue tan emocionante para mí que siempre sonrío al pensar en ellos.
Has trabajado en muchos entornos diferentes, desde clubes y estudios hasta festivales al aire libre. ¿Cómo te mueves entre estos mundos tan diferentes?
Bueno, yo empecé en los Folk Clubs del noreste de Inglaterra en 1971. Normalmente eran (como dicen) tres hombres y un perro como público, pero he tocado en festivales con 50,000 espectadores y nunca he tratado al público de forma diferente. Les doy tanto a dos o tres personas como a 50,000. Mi trabajo es darle al público, sea cual sea su tamaño, lo que quiere.
¿Tienes algún recuerdo de conciertos, jams, actuaciones en vivo y en estudio que te gustaría compartir con nosotros?
A principios de los 90 me invitaron a tocar con The Notting Hill Billies, una de las bandas de Mark Knopfler. Otra fue fichar por el sello de Pete Waterman y tener un éxito en las listas británicas con «Harmonica Man». El blues funciona de forma peculiar, ya que recientemente toqué con la banda de heavy metal «Volbeat» en su último álbum.
¿Qué es lo que más echas de menos del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
No echo de menos nada, porque no creo que haya desaparecido. Cumpliré 60 el año que viene y me ha ido bastante bien tocando blues durante más de 45 años. El blues se cuidará solo, no temo por él en absoluto.
Si pudieras cambiar algo en el mundo musical y se hiciera realidad, ¿qué sería?
Más visibilidad para el blues en los medios. Los jóvenes de hoy están hartos de todo lo moderno y de demasiados realities como X Factor. Quizás al mostrarle a las generaciones más jóvenes cómo el blues dio origen al rock & roll, podrán disfrutar de todos los diferentes géneros musicales.
¿Qué estás haciendo para mantener tu música vigente hoy, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
Supongo que el blues no cambia mucho. Sí, nos adaptamos a los tiempos, pero nuestras dificultades siguen siendo las mismas hoy: problemas entre hombres y mujeres, guerras, problemas económicos, etc. Eso es el blues… ¡amén!
