Jimi “Prime Time” Smith y Dave Weld
Entrevistas con Jimi “Prime Time” Smith y Dave Weld: Nada como el blues.
Jimi “Prime Time” Smith: Mi tiempo de blues. Agradecimientos especiales a Jimi “Prime Time” Smith & Larry Kay de Night Train PR. Fotos por Aigars Lapsa.
Jimi “Prime Time” Smith tiene una larga e impresionante trayectoria con el blues, habiendo publicado numerosos álbumes aclamados y tocado con figuras de la talla de Otis Rush, Albert King, Albert Collins y Etta James. Jimi nació en Chicago en el seno de una familia de músicos. Su madre, Johnnie Mae Dunson (alias “La Jefa”), fue pionera en la industria como una de las primeras bateristas y compositoras.
Esto le permitió a Jimi contar con mentores excepcionales, y grabó su primera canción (en un disco de 45 rpm) a los ocho años. Su primer concierto profesional, con Jimmy Reed en el Festival de Blues de Ann Arbor, fue a los catorce años, donde tocó en un espacio entre Charles Mingus y Ray Charles. A los diecisiete años ya tocaba en los clubes de blues de Chicago junto a Big Walter Horton, Sunnyland Slim, Jimmie Johnson, Eddie Taylor y Fenton Robertson.
Con un don para crear música que llega al alma, Jimi lleva años causando sensación en la industria. Inspirándose en una amplia gama de estilos musicales, su nuevo álbum de 11 temas, It’s My Time (2025), ha desarrollado un sonido único y personal. Es probablemente el único que puede decir que aprendió guitarra en casa con Jimmy Reed y Eddie Taylor.
¿Qué has aprendido del blues y qué significa para ti?
Aprendí blues con mi madre (Johnnie Mae Dunson) y Jimmy Reed me enseñó a tocar la guitarra a los 12 años. Me da un gran placer tocar, cantar y entretener. Me encanta subir al escenario y ver la sonrisa y la felicidad que invade a la gente. Si logro emocionar a una persona y alegrarle el día, es un gran día para mí.
¿Cómo describes tu sonido y tu repertorio? ¿Cuál es el equilibrio entre la técnica (habilidades) y el alma/sentimientos en la música?
Me cuesta describirme a mí mismo y a mi sonido; algunos dicen que sueno como Muddy Waters, Albert King, Robert Cray, todo en uno. He tocado todo tipo de música, pero mi corazón pertenece al blues. En cuanto al equilibrio, le doy toda la gloria a mi Señor y Salvador Jesús por el don que me dio.
¿Qué encuentros han sido las experiencias más importantes? ¿Tienes algún recuerdo de conciertos, improvisaciones y en el estudio que te gustaría compartir con nosotros?
Diría que haber crecido en el corazón del blues en Chicago y tener a gente como mi madre, Jimmy Reed, Eddie Taylor, Willie Dixon y KoKo Taylor en casa todo el tiempo antes de saber que eran estrellas y las personas que ayudaron a crear el blues de Chicago. Me hicieron ser una mejor persona.
Los mejores recuerdos son de mi primer concierto a los 14 años con Jimmy Reed en el Festival de Blues de Ann Arbor en 1973. Tengo muchísimos, como ser acompañante en algunos conciertos con Albert King, Etta James, Otis Rush, Doctor John, Buddy Miles, Bo Didley, solo por nombrar algunos.
¿Por qué crees que el blues sigue generando muchos seguidores?
El blues es un sentimiento que te emociona profundamente; ha estado presente desde el principio. Algunos piensan que es un arte olvidado, pero está presente en todos los géneros musicales. Desde góspel, rock & roll, jazz, funk, soul, pop, hip hop. Si no fuera por el blues, no existirían Jimi Hendrix, Elvis Presley, Little Richard, Chuck Berry, Stevie Ray Vaughan, ni siquiera músicos de country, y esos son solo algunos ejemplos que se me ocurren ahora mismo. Al investigar, todos ellos tenían el blues arraigado en su música.
El blues puede quedar relegado a un segundo plano de vez en cuando, pero siempre estará presente mucho después de que yo me haya ido. Me alegra mucho ver a tantos jóvenes involucrarse más en él ahora. Y con la nueva generación que está surgiendo, que lo lleva a un público completamente nuevo. Los maestros nos lo transmitieron y yo hago todo lo posible por transmitirlo a la siguiente generación. He enseñado a niños y les he ayudado mucho a comprender el origen de este género musical y su influencia en la música actual.
¿Cuál fue el mejor consejo que te dio tu madre, Johnnie Mae Dunson «La Jefa», en toda su vida?
El consejo más gracioso. Bueno, es difícil pensar en un solo momento gracioso: escucharla a ella, a Jimmy Reed y a Eddie Taylor contar historias de su época en lo que la gente llamaba el circuito chittlin. O aquella vez que un tipo que le hacía un trabajo en la casa intentó engañarla, y ella lo persiguió hasta la comisaría con un látigo. El mejor consejo fue no rendirme nunca ni dejar que nadie me dijera que no podía hacer algo; ser humilde, honesta, amable, indulgente, pero no ingenua. Tratar a los demás como me gustaría que me trataran a mí, cómo vestirme para el éxito.
¿Es más fácil escribir y tocar blues a medida que uno envejece?
Mi proceso para escribir canciones puede ser diferente. A veces me viene la música o un ritmo, otras veces la letra. Normalmente empiezo tocando la guitarra y, en ese proceso, me viene a la mente un ritmo o un riff. Luego intento crear letras, algo sobre momentos de mi vida o cosas que sucedían en el mundo en ese momento. No sé si escribir música es más fácil que antes. Sí, hay muchísimo material para construir una canción, pero estoy seguro de que era así en el sur y también en aquella época.
¿Tienes algún recuerdo de Jimmy Reed, Albert King y Otis Rush que te gustaría compartir con nosotros?
Desde que tengo memoria, Jimmy Reed y Eddie Taylor han formado parte de mi vida. De niño, Jimmy Reed venía a casa con mis padres cuando tenía 5 años. Me escabullía y los escuchaba reír y bromear sobre sus vidas. Cuando Jimmy vino a vivir con nosotros, yo tenía 11 años, y a los 12 empezó a enseñarme a tocar blues a su manera, y a los 14 tuve mi primer concierto con él: en el Festival de Blues de Ann Arbor de 1973.
Después de que se mudara, Eddie Taylor y Hubert Sumlin, que siempre fueron figuras clave en mi casa, empezaron a enseñarme diferentes estilos y técnicas que me ayudaron a desarrollar mi propio estilo. Durante mi infancia, pude tocar con varios artistas como Big Walter Horton, Floyd Jones, Big Moose Walker, Queen Silvia, Otis Rush, Etta James, Doctor John y Chubby Checker.
Todo gracias a la tecnología y a las lecciones que aprendí de Eddie Taylor y Hubert Sumlin. Ver a Otis Rush y Albert King cuando tuve la oportunidad de tocar con ellos me ayudaron a desarrollar mi estilo de guitarra. Otis Rush me asombraba por su forma de tocar, y para mí era al revés. Con él y Albert King tocando con la mano izquierda, me costó entender cómo lo hacían. Albert King también me asombró; era un gigante para mí; su mano hacía dos mías cuando la sacudía, y la mía desaparecía. Incluso me dejó tocar su guitarra durante un ensayo para el concierto que dimos. Eso me alegró la vida.
Me he reencontrado con un viejo amigo de los setenta aquí en Phoenix, Arizona. El Sr. Bob Corritore, dueño del Rhythm Room. Nos conocimos en el 78 cuando tocaba para Big Walter Horton en Chicago y no nos habíamos visto en unos 20 o 30 años. Pero es genial que hayamos vuelto a estar juntos y ahora tenemos una banda aquí en Phoenix. También he grabado con él en varios de sus álbumes y en uno que lanzamos en 2023 (World in a Jug) que obtuvo un gran reconocimiento.
Si pudieras cambiar algo en el mundo del blues y se hiciera realidad, ¿qué sería?
Es difícil, diría que para que sea más apreciado, que las principales organizaciones de premios le den el reconocimiento que merece. Que se explique su historia y que se eduque a las generaciones más jóvenes sobre su origen, tanto del blues televisado como del pop y otros géneros musicales.
Hay tantos héroes del blues poco conocidos, casi nadie los conoce, como mi madre, por ejemplo. Johnnie Mae Dunson Smith, Willie Dixon y Koko Taylor siempre estaban en mi casa aprendiendo cosas de mi madre; ella escribió canciones para Jimmy Reed, Muddy Waters y Koko. Cuando estuvimos en Nueva York en el Apollo para el evento benéfico de la Jazz Foundation of America, alguien nos dijo que incluso Elvis Presley interpretó una de las canciones de mi madre.
No sé qué tan cierto sea, pero ella era un elemento básico y yo soy el motor del blues en Chicago. Pero esa es solo una persona, hay muchas otras: Sunnyland Slim, con quien tuve la oportunidad de tocar, Lazy Bill Lucas; esos son solo algunos que se me ocurren ahora mismo, hay muchas más. Pero el blues seguirá y seguirá, sin importar cuánto intenten dudarlo y decir que es un género musical olvidado.
Hace unos años, el blues estaba en auge e incluso las estrellas del rock más importantes hicieron álbumes de blues. Todos se subieron al carro porque el blues era popular, salía en anuncios, ¿no recuerdo exactamente en qué año fue? Pero me sorprendió mucho encender la televisión y ver anuncios con música blues. ¡El blues nunca morirá!
Tu trabajo es conocido por reinventar creativamente la tradición del blues. ¿Cómo equilibras el respeto por las raíces con la experimentación?
Bueno, agradezco mucho el cumplido. Siempre he usado un término para describirme: «Soy un hombre sencillo que hace lo mejor que puede«. Aprendí de algunos de los grandes, en mi opinión. Cuando actúo, intento honrarlos. Como me dijo Eddie Taylor: «Sé tú mismo». Solo hay un Jimmy Reed, un Eddie Taylor, un Jimi Prime Time Smith, aunque en aquel entonces me conocían como James Smith, etc.»Por lo tanto, aprovecha lo que tenemos para ofrecer, crea tu propio estilo y toca con el corazón y el alma«.
Y me lo he tomado muy en serio, así que cuando actúo, lo doy todo y cada actuación es diferente. Puedes tener días malos, el diablo te pondrá a prueba, pero mantente fuerte. Mantén la fe, toca como si fuera la última vez que estarás en el escenario; he descubierto que el público también lo siente. Y me encanta ver a la gente feliz y disfrutando de la música. He tenido el placer de tocar diferentes géneros musicales con algunos artistas conocidos, pero el blues es donde empezó todo para mí.
Siempre estaré agradecido por las increíbles oportunidades que he tenido y espero que haya muchas más por venir. Si Dios quiere, el arroyo no crece. Esa me la dio Ruth Brown, cuando teníamos sesiones nocturnas y matutinas para recordar su época en el circuito Chittlin. Gracias por tomarte el tiempo y apoyar el blues.
Algo que no he mencionado es mi nuevo cd It’s My Time, que salió en julio de 2025. Ha tenido muy buenas críticas y parece tener buena aceptación. Tuvimos una fiesta de lanzamiento en el Rhythm Room, y después vino el vinilo. Así que hicimos otro para mi gente de Minnesota el 3 de octubre en el Shaw’s Bar & Grill de Minneapolis, MN.
¿Cuál crees que es la clave para una vida plena de blues?
En cuanto a una vida plena de blues, creo que tocar, viajar, grabar y ver a un público que realmente disfruta de la música e interactúa con el intérprete, también es positivo lo que acaban de presenciar. Intento entretener y dejar una buena impresión; espero poder ayudar a alguien a sentirse mejor con la vida. No importa lo que haya pasado ese día o esa noche, quiero tranquilizarlos y, con suerte, hacerles olvidar, aunque sea por un momento, lo malo que les pasó.
¿Qué es lo que más extrañas del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Lo que extraño del pasado es tocar en todos los grandes clubes de Chicago, tener a grandes figuras del blues pasando por nuestra casa para charlar, comer y tocar. Esas personas eran como mi familia; tocar era una liberación de tener que estar siempre a la altura y actuar en el escenario. Aunque eso en sí mismo es una gran sensación. Mi esperanza es que más jóvenes se adentren en el blues, en su historia y en cómo moldeó todos los géneros musicales. A veces temo la pérdida de un género musical del que muchos desconocen el origen de gran parte de la música y las ideas actuales.
¿Cómo ha influido tu experiencia con músicos de la «época dorada» del blues en tu forma de componer e interpretar hoy en día?
Creo que aprendí de algunos de los mejores músicos; esos músicos me pusieron en forma. Si no tocabas blues o no podías, te lo hacen saber, y eso te motiva a ser mejor, practicando, observando, escuchando. A la hora de interpretar, componer mi música, toco con el corazón y el alma, no planeo solos ni pienso (bueno, tocaré esto aquí o aquello allá) que todo es nuevo tanto para mí como para el público. Y creo que eso, de todos modos, es una gran experiencia. Escribir o componer una canción para mí se hace por partes: a veces primero la música, otras veces la letra. Pero al final es una canción y una representación de mí.
¿Qué mantiene a un músico apasionado después de cinco décadas en el blues? ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Mi pasión y experiencia. La música es mi pasión, cualquiera que me conozca te dirá que no soy feliz si no estoy tocando, pase lo que pase en mi vida. Cuando agarro mi guitarra, me siento y toco, aunque sea solo, me hace feliz, al igual que mi fuerte fe en el Todopoderoso. En cuanto a las lecciones, he aprendido que hay que trabajar duro, ser honesto, dedicado y también aprender el oficio. Nunca me metí en el negocio de la música hasta hace poco. Y tienes que hacerlo mucho por ti mismo, porque nada bueno se consigue fácilmente.
¿Cómo puede un músico convertir el blues en un género musical comercial y popular para el público actual y las nuevas generaciones?
A esta pregunta me gustaría tener una buena respuesta, quizás de parte de quienes están en la corriente dominante, abrazando y educando a nuestra juventud sobre la historia del blues. Está presente en todos los géneros musicales, lo creas o no. Interpreté una canción soul de Marvin Gaye («You’re a wonderful one») en uno de mis conciertos hace unas semanas para mostrar cómo la influencia del blues tuvo un impacto en la música soul.
Muddy Waters grabó una canción llamada «The blues had a baby and they named it Rock&Roll”. Si la gente se sentara y escuchara de verdad el rock & roll, el soul, el jazz, el góspel, el funk e incluso el hip hop, el sabor del blues lo superaría todo.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel del blues en la sociedad actual?
Espero que sin sonar redundante, como ya he dicho, educar y abrazar nuestra herencia, dejar de hacer del blues la última opción en el mundo de la música. Y apoyar el blues y los clubes de música en vivo. Espero haber respondido con claridad a sus preguntas. Gracias nuevamente por invitarme a participar.
Dave Weld: Blueseando a través de los años. Agradecimientos especiales a Dave Weld, Julia A. Miller, Elbio Barilari, y Kevin Johnson.
Nacido en Chicago en 1952, Dave Weld fue influenciado por primera vez cuando era niño la haber encontrado una vieja rocola en un sótano donde escuchaba discos de blues. Cuando estaba en la escuela secundaria, estaban los Stones, Clapton y Mayall, pero Dave cambió esos discos por Howlin’ Wolf, Lightnin’ Hopkins y B.B. King. Dave descubrió que el oeste de Chicago, en el barrio negro, era más acogedor que el norte, y empezó a tocar en clubes. Consiguió un concierto con la banda de Hound Dog Taylor, Brewer Phillips y Ted Harvey en Sweet Peas, en la calle 43. Durante un año, tocó en medio de bailarines de shake y peleas a puñetazos. Pero sus experiencias con el blues continúan…
Una recopilación súper emocionante de uno de los mejores proveedores de electric house rockin’ boogie blues de Chicago, Dave Weld & The Imperial Flames, titulada Bluesin’ Through The Years (Delmark Records) se ha publicado recientemente en este año en formato de LP. Esta es una auténtica banda de blues de verdad, con mucha energía, talento versátil, variedad y un espectáculo cohesivo que incluye ese estilo tan particular que lo caracteriza.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
Uno de los aspectos es que cuento con el apoyo y la ayuda de uno de los sellos de blues y jazz más antiguos y consolidados del mundo, Delmark Records, que está en pleno crecimiento, ¡y nunca ha dejado de crecer y mejorar! A veces también ensayamos allí.
Creo que he crecido, con mejor ritmo, mejor fraseo, y espero poder poner un poco más de alma en las canciones, más sentimiento. Realmente quiero que el blues le hable a alguien. De joven era muy intenso, pero gané más habilidad de mayor. Vocalmente, mi respiración es un poco mejor ahora que soy mayor, pero perdí un poco de rango vocal. Ahora tengo una voz más profunda y es más blues.
Estas son formas en las que puedo compartir mejor mis emociones, sin desgarrarme, perder la voz ni desplomarme en el escenario. Quiero llegar a la mayor cantidad de gente posible y hacerles saber que el blues de Chicago es tan bueno como una canción de rock o pop.
Lo que se ha mantenido igual es la profunda necesidad de complacer al oyente. También la forma de crear la canción, el arreglo, qué acordes son los mejores, qué tonalidad es la mejor. ¡¡¡EL RITMO!!! JB Hutto me dijo hace mucho tiempo que escribiera canciones como un hombre adulto, y que para cantar y escribir blues hay que llegar a lo más profundo del alma.
¿Cuándo surgió la idea de los Imperial Flames? ¿Tienes alguna anécdota interesante sobre la creación del nuevo álbum Bluesin’ Through The Years?
The Imperial Flames surgieron en nuestro primer concierto en el Sam’s Saloon de Belmont, Chicago. Fue alrededor de 1986, 87 u 88. Era un lugar que antiguamente se usaba como bar clandestino. La trastienda era donde se escucha la música ahora, pero antes, durante la Ley Seca, se vendía whisky ilegal allí. Contraté al baterista de los Blues Imperials originales, Louie Henderson, porque grabamos para Alligator el primer álbum de Lil Ed. Fiché a Mike Scharf, mi primer bajista, y a Harry Yaseen al piano. Pronto cambié de baterista y contraté a Ted Harvey, de mi primer concierto profesional en 1976, con los Houserockers, la banda de Hound Dog Taylor después de su muerte. Así que empecé a contratar a Ted en mis conciertos, ¡y fue absolutamente maravilloso!
Quería que todo el mundo supiera del tiempo que pasé con Lil Ed y Alligator, así que los Imperial Flames sonaban como los Blues Imperials, y me gusta el tono que transmitían. Hablé con Lil Ed al respecto y me dijo que me animara. ¡No tuvo ningún problema! Pero desde el principio me di cuenta de que me encargaría de toda la gestión de reservas, la contratación de músicos, la compra del equipo, la compra del vehículo, la composición de las canciones y la organización de los ensayos. Así que configuré el proyecto como «Dave Weld & The Imperial Flames».
Sabes que estas canciones son una parte increíble de mi historia. «She’s Lyin'» se grabó en «Record Row» en Michigan Ave, cerca de donde estaba Chess y el resto en Brunswick Records, que estaba en el edificio Vee Jay. Utilicé a Abb Locke (sax), Herman Applewhite (bajo), Jeff Taylor (batería), todos ellos legendarios, y trabajábamos juntos todas las semanas.
Años después, llevé esa cinta a un pequeño estudio en Palatine, deben haber sido cinco o diez años después, y le añadí los coros de Monica Myhre y Jeff Herman. Pasaron cinco años y entramos en Delmark y Steve Wagner la remezcló, masterizó y publicó nuestro primer cd en Delmark: «Burnin’ Love«. ¡Qué esfuerzo y persistencia! ¡wow!
¡Ahora tenemos esas mismas canciones presentadas y masterizadas al máximo por Julia Miller, directora ejecutiva de Delmark! Todas estas canciones se han entrelazado con mi pasado para crear un tapiz increíble. William Faulkner dijo: «¡El pasado nunca muere, ni siquiera es pasado!».
¿Tienes algún recuerdo con Eddie Shaw, Johnny Littlejohn y Maxwell St. Jimmy que te gustaría compartir con nosotros?
Mis recuerdos de Maxwell St. Jimmy y Eddie Shaw están mezclados porque solía ir a Maxwell St. a ver tocar a Jimmy. Luego, cuando me uní a Wolf Pack, con Hubert Sumlin, Shorty Gilbert (¡con quien hablé el mes pasado, por Dios!), Chico Chism, Detroit Junior y Eddie Shaw, hicieron una presentación en casa después de la muerte de Wolf en el Club 1815 en W Roosevelt. Maxwell St. Jimmy solía venir a tocar. Arrancó «Help me» de Sonny Boy, le gustó mi ritmo y me miró.
Estuve allí en el Club 1815 los viernes y sábados por la noche durante casi un año seguido. Johnny Littlejohn vino a vernos al Casablanca en la calle 16 y Pulaski, y no le gustó que Lil Ed y yo le quitáramos el concierto, así que vino a quejarse con el dueño del club, que era el principal traficante de drogas del oeste. El dueño se acercó al escenario y nos dijo: «Toquen una muy, muy rápida para Johnny«. No creo que tocáramos tan bien, pero debió ser suficiente. Pero Eddie Shaw siguió siendo mi amigo el resto de su vida, y siempre recurrí a él para pedirle consejos de veteranos. Lo adoraba.
Desde el punto de vista musical y sentimental, ¿hay alguna diferencia entre los grandes bluesmen de la vieja escuela y los jóvenes músicos de blues?
Bueno, los veteranos también fueron jóvenes en su momento; a ver si los jóvenes aguantan lo suficiente para alcanzar esa estatura. Pero no me malinterpreten, algunos jóvenes han construido sobre los cimientos que sentaron los veteranos. Ahora pueden tocar estilos realmente geniales, y si hubieran estado tocando así en los 70 o en los 80, hoy estarían en mansiones. Aun así, me gusta la vibra de los artistas clásicos, no puedo evitarlo. Todos tienen en común el amor por la música, y como dice el viejo dicho: “Cuanto más cambian las cosas, más siguen igual”.
¿Cómo puede una banda o un músico convertir el blues en un género musical comercial y popular para el público actual?
Componiendo algo tan universal con lo que todos puedan identificarse en su vida personal. Dándole una nueva interpretación a un ritmo antiguo. Cuanto más simple, mejor. También creando un puente entre los sonidos antiguos y los más modernos para crear un sonido atemporal. Es muy difícil, y por eso no hay muchas canciones como «The Thrill is Gone», «Sweet Home Chicago», «Got My Mojo Workin'» o algunas otras.
¿Cómo ha influido tu experiencia con la «época dorada» del blues en tu forma de componer e interpretar hoy?
¡Lo doy todo y lo dejo en el escenario como los veteranos! Me encanta conservar la esencia del blues clásico, pero añadirle mi toque personal, en cualquier pequeña medida posible. En mi mente, todavía estoy intentando alcanzar el nivel de ese blues clásico, y solo deseo añadir mi propio toque. ¿Sabes? Si eras músico en la antigüedad, tu trabajo consistía en practicar 8 horas al día. Cuando Earl Hooker salía de gira, se subía a la camioneta y se iba sin fechas fijadas, simplemente tomando lo que encontraba en lugares conocidos. Esto es un negocio de fe y dedicación.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica (habilidades) y el alma/emociones? ¿Por qué es importante preservar y difundir el blues?
Porque el blues nos ayudará a crecer y ampliar nuestro alcance, en lo que podemos hacer y sentir de la música. Siempre surgen cosas nuevas cuando piensas que todo es igual; algo nuevo surgirá. Escucha los cambios de acordes de Tab Benoit: son frescos, sencillos y bien ejecutados. Es una base que sentaron los maestros y podemos seguir con ella el resto de nuestras vidas.
JB Hutto dijo: “El blues será blues hasta el fin del mundo”. Y tenía razón. Observa a Jimmy Reed y el espectro de emociones que te transporta con una técnica más simple pero enormemente efectiva. Puede hacer más con menos. Es más difícil hacer más con menos, pero cuando llega al alma y conmueve a la persona, sabes que el artista está dando en el clavo.
¿Qué mantiene a un músico apasionado, después de cinco décadas en el blues? ¿Cómo influye esto en tu ciudad natal y en tu música?
Intento mantenerme al día con Delmark y los altos estándares de calidad de su música y composición. También intento mantenerme con buena salud. Big Walter decía que el artista debe cuidarse, y para mí eso era dejar de beber. Era un hábito demasiado grande, consumía mucho tiempo y era peligroso para conducir. Llevo 42 años sin beber. Solíamos sentarnos en un coche quemado en un terreno baldío, bebiendo ginebra con mucha fuerza, y al volver al club (Boss Joe’s en W Lake) pensábamos que éramos geniales, pero en realidad éramos un desastre.
Requiere mucha disciplina y hay que elegir qué practicar. No puedes tocar solo cuando estás inspirado, porque es un trabajo creativo. Kim Simmonds, de Savoy Brown, dijo que solía practicar dos horas al día, todos los días. Eso es lo que se necesita. Y un poco de café. Sintonizo a mis artistas favoritos en YouTube y toco con ellos.
También trabajo con gente que me gusta. Mi banda actual es maravillosa, con el amor de mi vida, Monica Myhre, a mi lado, cantando con todo su corazón. Jeff Taylor, uno de los grandes, trabajó con prácticamente todo el mundo, es una leyenda y aporta muchísimo a la banda. Y ahora Dave Service al bajo, quien ha estado con grandes grupos y aporta frescura. Roger Randle en el sax, que puede tocar con los mejores, y en la ciudad, Harry Yaseen al piano, quien ha estado aquí desde el principio.
También hay metas, como tocar en ciertos locales y festivales. Luego hay cierta terquedad, cuando ves que a otros les va genial y a ti te niegan, pero sigues intentándolo. Pero a la larga es porque lo disfrutas y realmente tienes que hacerlo. ¡Porque tú no elegiste este estilo de vida, él te eligió a ti! Una vez que lo aceptas, puedes, como dijo Paul McCartney, «tomar una canción triste y mejorarla«.
En cuanto a hacer ejercicio, intentar planificar las finanzas, porque recuerda que Muddy fue pintor por un tiempo, al igual que JB Hutto. Un trabajo con horario flexible, o a tiempo parcial, te ayuda a triunfar como artista. También te ayuda a ser humilde y te mantiene en movimiento, con tus metas en mente. Siempre he producido un poco, y grabar tus propias grabaciones te enseña mucho, así que cuando llega el momento estás listo. ¿Cómo dicen? «Me mantengo listo, así que no tengo que prepararme«. Me parece lógico.
¡Muchísimas gracias por este tiempo juntos! ¡Tengo muchas ganas de verte en algún concierto!
