Princesas del Blues
Entrevistas con Candice Ivory, Robbin Kapsalis y ZZ Ward: Princesas del Blues
Candice Ivory: New Southern Vintage. Agradecimiento a Mark Pucci Media. Fotos por Angie Lipscomp
Candice Ivory, cantante emergente de blues soul y nominada al Grammy, ha cautivado al público mundial con su dinámico enfoque del blues. Esta fuerza se refleja en su más reciente álbum New Southern Vintage (2025), de Nola Blue Records.
Musical, visual e intelectualmente, Candice Ivory despliega una triple creatividad, única y poderosa. Si bien su concepto de «new southern vintage» y su perspectiva fresca sobre la cultura negra en el sur de Estados Unidos se han estado desarrollando temáticamente durante más de un año, su casi coincidencia con el éxito de taquilla de la película Sinners, resulta familiar.
¿Cómo crees haber crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
Siempre he tenido que rendir al máximo nivel, ya que empecé a trabajar con artistas y showmen muy innovadores. Te hace crecer muy rápido y ser muy creativo. Diría que siento una nueva sensación de libertad en mi música en este momento, y eso es muy divertido, porque este crecimiento se basa en la libertad.
Mi proceso preferido de creación musical sigue siendo el mismo. Soy muy clásica y me encanta explorar a fondo los conceptos. La música es muy visual para mí, y tengo rutinas que me gusta seguir para componer o grabar. Tengo un régimen muy estricto que sigo cuando las condiciones y las circunstancias lo permiten.
Actualmente tienes un lanzamiento con Nola Blue Records. ¿Cómo surgió esa relación?
He estado colaborando bastante con el pianista Ben Levin, de hecho, hice una gira europea con él en el verano de 2025. Acababa de terminar un álbum con Lil’ Jimmy Reed en Nola Blue Records, y cuando se enteró de que Jimmy «Duck» Holmes quería grabar algunos temas conmigo, me sugirió que el sello sería perfecto.
Asociarme con un sello liderado por mujeres fue realmente emocionante para mí. Además, Nola Blue tiene un compromiso con los artistas legendarios y con la tradición, así que pensé que sería un lugar ideal para mi proyecto. Sallie Bengtson tiene un equipo fantástico, y sentí que su sello era un hogar ideal para New Southern Vintage. ¡Le hice un cuadro para su oficina porque me encanta la misión de Nola Blue!
¿Tienes alguna anécdota interesante sobre la creación del nuevo álbum, New Southern Vintage?
(Risas) ¡Tengo bastantes anécdotas sobre este álbum, y todas son interesantes! El álbum cobra más sentido si conoces un poco su historia de fondo. Es un álbum sumamente detallado, ya que cada aspecto tiene un significado: desde las imágenes (algunas aún no publicadas) y el arte gráfico hasta el personal y la selección de canciones.
Comencé a darle forma, poco después del fallecimiento de mi tío, Will Roy Sanders, de los Fieldstones, pero el concepto tardó un tiempo en evolucionar. Es más que un álbum, en cierto sentido, porque también es un documental y una obra de arte. La foto de portada es muy simbólica y especial para mí, sobre todo porque llevo la capa de mi bisabuela y estoy vestida como la gran Ma Rainey.
Esta foto fue tomada por Marilyn Stringer en la gala de los Blues Music Awards de 2024, donde me acompañaron el pianista Ben Levin y el guitarrista William Lee Ellis, quien ha sido un querido amigo y apoyo durante años. Ser la telonera en los Blues Music Awards e interpretar las canciones de Leadbelly para su familia fue un gran honor.
Ese fue un momento crucial que nunca olvidaré, y tenerlo plasmado en un álbum es súper especial. ¡Esa también fue la noche en que conocí a mi compañera de sello, Maria Muldaur! Sin duda, fue una inspiración para mi álbum Memphis Minnie, así que decidimos honrarla lanzando New Southern Vintage el día de su cumpleaños. Maria ha sido una gran defensora, al igual que todas las chicas de Nola Blue.
¿Cuáles fueron las razones que hicieron del sur de Estados Unidos el centro de experimentos musicales de la comunidad afroamericana?
Bueno, creo que la trata transatlántica de esclavos es probablemente la principal razón. Al adentrarnos en la Guerra Civil y la posreconstrucción, vemos una comunidad económica e internacional diversa aprendiendo a reinventarse. El territorio es tan vasto que se vieron obligados a trabajar juntos porque simplemente no había otra manera de sobrevivir. En el sur se podía ver a familias intergeneracionales trabajando juntas de maneras que rara vez he visto fuera del sur. Esta fusión cultural ha creado uno de los espacios más singulares para el arte y la cultura en el mundo.
Tu trabajo es conocido por reinventar creativamente la tradición del blues soul. ¿Cómo logras un equilibrio entre el respeto por las raíces y la experimentación?
Creo que hay que ser fiel a las raíces, y para ello hay que conocerlas de verdad. No se puede romper una regla que no se conoce. Simplemente se ignora la regla si se rompe sin conocerla. Crecí con varios maestros de la música como mis primeros profesores.
Si Calvin Newborn toca detrás de ti y decide que no quiere tocar en tu tono, ¡tienes que ser creativo! D’Angelo fue mi director de coro y mentor, y era muy preciso en ciertos aspectos de la interpretación vocal. Te obliga a mantenerte en una línea y luego preguntarte por qué estás limitado a ella. A medida que te acercas a tu propia maestría, descubrirás que tienes que ser creativo, y que la experimentación te hace mejor. Creo que todo se reduce al gusto, al fin y al cabo.
Si pudieras cambiar algo en el mundo de la música y se hiciera realidad, ¿qué sería?
Me encantaría reimaginar la forma en que se percibe la voz y a los vocalistas. Reimaginaría nuestra forma de ver las cosas, punto… pero dijiste una cosa, ¡y déjame ocuparme de mis asuntos! Empezaré por aquí: apenas estamos empezando a explorar la diversidad y el rango de ideas vocales. ¿A quién le sirve ser inaudibles, criaturas de palabras murmuradas? Le sirve a la gente que no quiere que escuches las palabras reales y, a veces, la nada que dicen.
Como vocalista, soy una música total. No me entenderás si no entiendes ese papel. Escribo. Toco. Actúo. Vivo la vida. Como bien. Hago ejercicio. Me gustaría cambiar la forma en que se ve a las mujeres. La forma en que se ve a los hombres. La forma en que se ve la guitarra. La forma en que se ve el piano. Etc. Me desvío del tema porque la realidad es que lo cambio, creando música y arte que valoro y en el que creo, y estoy trabajando activamente para hacer realidad estas ideas.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
He aprendido muchas lecciones importantes en este camino, pero la que estoy aprendiendo actualmente es el equilibrio. En la música, uno desempeña muchas funciones.
La pregunta es: ¿cómo equilibro y mantengo mi disciplina, y luego puedo mantener esto de forma manejable para mi vida y mis responsabilidades? Por ejemplo, también soy productora de New Southern Vintage.
Eso implica mucho trabajo administrativo y requiere habilidades diferentes a las de la interpretación. Una lección muy valiosa es que hay que adaptarse a la mentalidad del rol que se desempeña. En este caso, si tenía un problema, tenía que hablarlo con el productor, ¡pero era yo!
¿Qué estás haciendo para mantener la relevancia de tu música hoy en día, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
En cuanto a la tradición, creo en la tarea diaria y en su mantenimiento. En su preservación. En cuanto a mi propia música, mantengo la tradición para no tener que considerar la idea de la relevancia. Puedo contar mi historia, lo que la hará relevante de inmediato. El álbum New Southern Vintage se considera a la vez antiguo y nuevo. Ese soy yo. Soy como una ventana a una época de música y vida que ya no existe. Pero todos hemos recibido las llaves y herramientas para acceder al puente hacia el futuro.
Robbin Kapsalis: El Blues está en Casa. Agradecimiento especial a Lisa Primer. Fotos por Oliver Doran
La internacionalmente aclamada Robbin Kapsalis lleva el alma del Southside de Chicago en su voz. Nacida entre los ecos de la legendaria escena blues de la ciudad y posteriormente moldeada por la rica herencia musical de Atlanta, ofrece actuaciones que fusionan la fuerza del blues tradicional con el espíritu contemporáneo.
Su imponente voz ejemplifica la profundidad emocional del blues clásico, a la vez que aporta una sensibilidad fresca y moderna al género. El exitoso lanzamiento de su último álbum de blues, The Blues is in The House (2025), de Blues House Productions, demuestra por qué Kapsalis no solo preserva la tradición del blues, sino que también contribuye a forjar su futuro.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo?
El blues me ha hecho más comprensiva con las conductas en el mundo; entiendo que todos estamos pasando por algo.
¿Qué momento cambió más tu vida musical?
La pérdida de mi amigo y bajista Mark Chandler. Actuamos juntos durante diez años en Vintage #18 y él también era nuestro director musical y la fuerza creativa detrás de nuestro sonido. Fue un golpe muy duro cuando nos comunicó su diagnóstico de cáncer; realmente pensamos que teníamos más tiempo; falleció dos semanas después.
Estaba en una encrucijada en mi relación con mi esposo, ya que en ese momento éramos novios. Después de pensarlo mucho y hablar con los miembros restantes, Alex Kuldell y Bill Holter, acordamos terminar la banda después de diez años y dos álbumes. Los extraño mucho, y sin duda extraño tocar con ellos; fue muy especial.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música?
He crecido con la forma en que me comunico con la banda. Fue diferente cuando toqué con mi banda de más de 10 años, Vintage#18, porque como banda creamos los arreglos. Como solista, mi comunicación debe ser extremadamente clara sobre mis deseos y necesidades para cada canción, ya que no me gusta improvisar, salvo algún momento por aquí y allá.
¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
Mantenerme fiel a mi voz y estilo. Creo que ser fiel a lo que me funciona y ha sido bien recibido es importante cuando entro al estudio. No me gusta lo que se supone que es popular, ya que esto diluye la autenticidad; y esta es una de las cosas hermosas del blues: su autenticidad.
¿Cómo surgió tu relación con Blues House Productions?
Conocí a John Primer durante la gira Chicago Blues Legends en el Reino Unido y disfruté mucho nuestras conversaciones sobre música y de escuchar sobre su increíble pasado musical, que incluía a Magic Slim y al gran Muddy Waters.
Más tarde conocí a su esposa, Lisa, y se desarrolló una gran relación, ya que John y mi esposo, Giles Robson, suelen actuar juntos. Surgió la idea de lanzar a través de Blues House, y estoy encantada de contar con el apoyo de John y Lisa, un sello discográfico de mi ciudad natal, Chicago, Illinois, dirigido por una leyenda de Chicago. ¡Estoy orgullosa y agradecida por su apoyo!
¿Tienes alguna anécdota interesante sobre la creación de «The Blues is in The House»?
Conocí a los compositores Terry Abrahamson y Derrick Procell en los Blues Music Awards de 2023 en Memphis a través de Giles. Durante un excelente desayuno sureño, escuché un par de canciones que habían escrito y de inmediato me interesé en grabar «The Blues is in the House» y «Gotta Hear The Blues».
Debido a la gira y a todo lo relacionado con una mudanza al extranjero, no pude grabar mi álbum hasta el verano siguiente. Pensé que sería genial tener a Joe Louis Walker como invitado en la canción principal y, por suerte, tenía el dinero para hacerlo. Su aparición como artista invitado fue un regalo de bodas para Giles y para mí.
Tu trabajo es conocido por reinventar creativamente la tradición del blues. ¿Cómo logras un equilibrio entre el respeto por las raíces y la experimentación?
¡Me encanta cuando me enamoro de una canción lo suficiente como para grabarla! Hay muchísimas canciones de blues maravillosas, algunas populares, otras no tanto. Aunque muchos músicos prefieren grabar canciones originales, yo disfruto de ambas. Escribo y he sido reconocida por mis letras; sin embargo, siempre me emociona hacer versiones de canciones.
Mi primer pensamiento es asegurarme de que se ajusten a mi estilo, a mi voz y que pueda experimentar un poco con el arreglo original para hacerlas mías. Hay algunas canciones que solo deberían añadirse a tu repertorio, no a tu álbum, y hay que ser realista con esas decisiones. En mi último álbum, hago una versión de «The Comeback» de Memphis Slim, uno de mis artistas favoritos y el de mi esposo. Después de escuchar varias versiones, decidí cambiar el arreglo original de piano a armónica; ya iba a ser diferente con las voces femeninas, ¡y es una de mis favoritas!
¿Qué estás haciendo para mantener la relevancia de tu música hoy, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
Creo que la manera más efectiva de mantener la relevancia del blues es tocar en vivo; todo lo demás vendrá por añadidura. La visibilidad es clave, y si un joven disfruta de la música en vivo, especialmente en un festival, esto lleva al descubrimiento en línea y, ¡zas!, ¡al éxito! ¡Nada supera el boca a boca!
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Disfruta el momento… recuerda que sonreír no cuesta nada… trata a los demás como quieres que te traten.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música y los músicos en la sociedad actual?
En pocas palabras, es importante preservar y difundir el blues para mantenerlo vivo. El blues ya es un género con seguidores fieles y apasionados; sería una pena ver cómo esta tradición se transforma en algo que no es. Willie Dixon lo expresó a la perfección: «El blues es la raíz y todo lo demás es el fruto». Preservar el blues preserva todos los demás géneros, como el R&B, el rock, el country y el jazz.
Has trabajado en muchos entornos diferentes en Estados Unidos y Europa, desde clubes y bares hasta festivales al aire libre. ¿Cómo te mueves entre estos mundos tan diferentes?
Siento una predilección especial por cada entorno y país. Me encanta actuar en ambos lugares y he aprendido a través de mis actuaciones que Europa prefiere el blues más tradicional, mientras que Estados Unidos y el Reino Unido son más rockeros.
Los recintos más pequeños permiten improvisar, congraciarse con el público e interpretar canciones sencillas, mientras que las multitudes de los grandes festivales al aire libre devuelven una energía enorme, especialmente con canciones de llamada y respuesta. Cada escenario trae consigo una increíble sensación de realización y de que has compartido el blues.
ZZ Ward: Liberación… Bajo el Sol. Agradecimiento especial a Marco Polo Santiago/72 Music Management. Fotos por Charlie Ward.
El nuevo álbum de la artista de blues ZZ Ward, Liberation (2025), celebra su amor por el blues. Su tercer lanzamiento con Sun Records incluye temas originales como «Mother», una canción sobre su nuevo rol como madre trabajadora, con versiones de clásicos como «Grinnin’ In Your Face» de Son House. La audaz voz de ZZ también brilla en sus versiones de canciones del histórico catálogo de Sun, como «Cadillac Man» de The Jesters y «Something You Got» de Alvin Robinson.
Una de las lecciones más profundas que ZZ Ward aprendió al crecer escuchando a los grandes del blues fue ser auténtica con su historia. Cuando la cantautora y multiinstrumentista residente en Los Ángeles comenzó a componer nueva música, se encontró en medio de uno de los cambios más grandes que una persona puede experimentar en su vida: la maternidad.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿Qué momento cambió más tu vida musical?
¡Creo que ha hecho que el mundo sea más agradable para todos! Me ha dado una forma de expresarme y conectar con la gente.
¿Cómo describes tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿Cuál es la fuerza que impulsa tu continuo apoyo a tu música?
Creo que mi sonido es retro pero moderno, como blues de diferentes épocas con un toque fresco. Mis historias son muy auténticas porque escribir es mi liberación. Lo que más me gusta es crear música; es como hacer que algo surja mágicamente de la nada.
¿Por qué crees que el legado musical de Sun Records sigue generando tantos fieles seguidores?
Puedo decirte por qué soy un seguidor fiel del legado de Sun Records. Gran parte de la música de Sun era fantástica, con tantos artistas auténticos. Además, la música se grabó de una forma que ya no existe; tenía una crudeza y una autenticidad de las que creo que carece mucha música moderna.
¿Qué es lo que más extrañas hoy en día de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Echo de menos las imperfecciones de la música del pasado. Antes, todo estaba desafinado: una guitarra, un vocalista, algunas notas aquí y allá, pero no nos fijábamos tanto en ello porque nada estaba programado. Me vuelve loca cuando la música está tan afinada hoy en día que simplemente parece robótica y no se sostiene.
Desde Bob Dylan y Mike Bloomfield hasta Chess Brothers y Janis Joplin… ¿Cuáles fueron las razones que llevaron a muchos músicos judíos a conectarse con las experiencias del blues y el folk? ¿Cuál es el papel de la música en la sociedad actual?
Creo que el blues habla de algo universal. Como artista judío, siempre me he conectado con su sentido de anhelo y resiliencia, temas que también están profundamente arraigados en la historia judía. No se trata de religión, se trata de emoción. Tanto el blues como el folk convierten la lucha en fuerza, y eso sigue siendo relevante hoy en día. La música nos recuerda que, incluso cuando nuestras historias son diferentes, podemos entendernos.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Son tantas que es difícil resumirlas en solo unas pocas. Creo que una de las más importantes es hacer música porque te apasiona y nunca fallarás. No lo hagas por ninguna otra razón. No tengas miedo de preguntar sobre cada faceta de tu carrera.
¿Qué significa ser una artista femenina en un mundo de hombres, como decía James Brown? ¿Cuál es la situación de la mujer en la música?
Siento que ya no es un mundo de hombres. Cuando empecé a hacer giras, nunca habría visto a una ingeniera de audio en un local; ahora es mucho más común ver mujeres de gira y en el escenario, y es maravilloso.
¿Cómo puede una banda o un músico convertir el blues en un género musical comercial y popular para el público actual? ¿Por qué es importante preservar y difundir el blues?
No sé si existe una fórmula única para que el blues vuelva a ser «comercial», pero sí sé que es la base de casi toda la música moderna. Incluso cuando no está en la superficie, el blues siempre está ahí, oculto en el alma de cada género, y siempre encuentra su camino de regreso.
Preservarlo es importante porque el blues es como aprender a gatear antes de caminar; enseña a los músicos a sentir, escuchar y tocar verdaderamente con los demás. Es un lenguaje musical basado en la honestidad y la emoción, que prioriza la simplicidad sobre el negocio, y eso es algo que vale la pena mantener vivo.
