Casady, Bennett, y Morganfield
Raíces, Frutas y Flores: entrevistas con Jack Casady, David Bennett Cohen y Mud Morganfield
Jack Casady: Caminando con las estrellas. Fotos © por Barry Berenson
Uno de los innovadores más singulares en los sesenta años de historia del bajo, Jack Casady dejó su impetuosa huella melódica, ayudando a crear el “Sonido San Francisco” con el legendario grupo de rock, Jefferson Airplane. Jack siguió su carrera con Jimi Hendrix, Crosby, Stills, Nash & Young, Warren Zevon, miembros de Grateful Dead, John Lee Hooker y Gov’t Mule.
Casady, considerado uno de los mejores bajistas del rock, es sin duda uno de los más originales. Su música es atemporal y eterna. Su sonido es una exploración de patrones y ritmo. ¡Jack recibió recientemente una estrella por tocar el bajo en Jefferson Airplane en el Paseo de la Fama de Hollywood! Es uno de los bajistas más influyentes de su generación. Se encuentra entre los “25 mejores bajistas de todos los tiempos”, para la revista Bass Player.
El bajo Epiphone de Jack es uno de los bajos más vendidos del mundo. Hot Tuna, Jorma Kaukonen y Jack Casady actúan con una potencia sólida y bien afinada, siempre al ritmo de años de experiencia e inspiración mutua. Comenzado como un proyecto paralelo durante sus días en Jefferson Airplane, la constante, la definición misma de Hot Tuna, siempre ha sido por Jorma Kaukonen y Jack Casady.
Los dos amigos de la infancia nunca han titubeado con una de las amistades más duraderas en la historia del rock. En los Grammy de 2016, ambos fueron honrados con los premios Lifetime Achievement Awards.
¿Cuál es la diferencia entre un set eléctrico y uno acústico de Hot Tuna?
Jack. Bueno, a veces el material es ligeramente diferente. Por supuesto, con la eléctrica podemos hacer ciertas cosas con el volumen y los amplificadores, y tocar las canciones que pretendemos hacer con la guitarra eléctrica. Aunque todavía hacemos mucho del material de fingerpicking que hacemos con el Hot Tuna acústico. Siempre es interesante interpretarlo en formato eléctrico. En el formato acústico, es mucho más íntimo, solo estamos Jorma y yo. Esta gira se acerca y la audiencia se verá atraída a este mundo privado de tocar.
¿Cuál es el secreto de tu larga amistad y colaboración musical con Jorma Kaukonen?
Jack. Jorma siempre dice: “El secreto es que nunca hemos tenido una banda unida” (risas). Regresemos un largo, largo camino. Nos remontamos a cuando éramos niños en Washington D.C. y creo que eso sentó las bases de una amistad y también de un punto de referencia que se basa en las cosas que haces en tu carrera. Creo que nos da una visión más amplia de nosotros mismos a nivel individual y colectivo, para que sepamos lo que los demás hacemos bien y nos respetemos mutuamente. Pienso que ambos disfrutamos de lo que podemos obtener el uno del otro de una manera positiva. Es mucho más interesante explorar la amistad a través de la música que de otros intereses que tenemos.
Estás enseñando bajo en el Fur Peace Ranch de Jorma Kaukonen. ¿Cuál es tu filosofía sobre la enseñanza?
Jack. Creo que es mi trabajo tomar al estudiante y ver si puedo encontrar sus debilidades y desarrollar algo de fortaleza en eso. Para que pueda salir de esa tarde de taller con algunas herramientas nuevas para aplicar a su propio trabajo físico. Enseño a través de canciones, y enseño a través de todas las canciones que he tocado con Hot Tuna y Jefferson Airplane.
Pero al final del día, los músicos a los que enseño no solo tocarán mi música, pueden tocar su propia música o cualquier música. Intento sentar una buena base para su trabajo en el bajo, pero también una buena base musical.
¿Cuánto ha cambiado tu estilo de tocar a lo largo de los años?
Jack. Esa pregunta es bastante interesante. Tan pronto como exploramos nuestro catálogo y vimos lo que hemos hecho a lo largo de los años, me di cuenta de cuánto trabajo hice cuando era joven en la dirección que quería tomar con el instrumento. Creo que con los años, encontrarás y extenderás tu dirección. Siempre tratas de encontrar desafíos en tu forma de reinterpretar e interpretar tu dirección musical. Con suerte, intenta obtener una comprensión más profunda y amplia del oficio de ser músico primero y bajista en segundo lugar.
¿Qué recuerdos tienes de Woodstock?
Jack. (Risas) Mucha emoción, 300,000 personas, sin saber lo que iba a pasar después y compartiendo ese ambiente no solo con los compañeros de banda en el escenario y los demás músicos, sino con todo el público. Entonces, fue una experiencia genial. Bueno, es un poco extraño estar tocando al amanecer, pero también era una buena señal, porque llovió la mayor parte de la noche, así que nos alegramos de ver salir el sol.
¿Cómo fue que tocaste en “Voodoo Chile” de Jimi Hendrix?
Jack. Eso sucedió porque Jimi estaba trabajando en su álbum en la ciudad de Nueva York en el momento en que el avión de Jefferson estaba allí. Estábamos haciendo un programa de televisión, llamado The Dick Cavett Show y después de haber hecho ese programa temprano en la noche, fuimos a ver a Traffic, una banda que estaba tocando en un pequeño club llamado Steve Paul’s The Scene. Ahí entró Jimi.
Jorma y yo conocíamos a Jimi de tocar en el Fillmore y tener una amistad allí con Mitch Mitchell y él, allá en San Francisco. Entonces, Jimi nos invitó cuando Traffic terminó su set, Steve Winwood y esos muchachos regresaron al estudio. Vimos a Jimi grabar durante el resto de la noche y temprano en la mañana dijo: “Toquemos todos un blues”. Entonces, los cuatro: Mitch Mitchell, yo, Steve Winwood y Jimi Hendrix tocamos “Voodoo Chile”.
¿Disfrutaste la gira europea de 1968 con The Doors?
Jack ¡Absolutamente! Pudimos tocar en muchos excelentes lugares. Sabes, fue muy emocionante dejar los Estados Unidos y venir a ver lo que estaba pasando en los otros países de Europa. Todos esos muchachos eran geniales. Disfruté a The Doors. Todos los músicos tenían mucho talento y todos disfrutamos de la compañía de los demás. Nos la pasamos muy bien.
¿Fue una experiencia interesante para ti ver a Otis Redding actuar en el Monterey Pop Festival en 1967?
Jack ¡Oh sí! Siempre he sido un gran admirador de Booket T y los MG, desde que grabaron la canción “Green Onions” en 1962. Habían apoyado a muchos músicos en Stax Records. Pero ver a Otis Redding con la banda de la casa Stax, creo que fue absolutamente lo mejor.
Cuando terminaste “Surrealistic Pillow” en 1967, ¿te diste cuenta de que habías creado uno de los mejores álbumes de todos los tiempos?
Jack. No en ese momento (risas). En aquel tiempo, ese álbum fue básicamente una ruptura con la grabación de una banda en vivo. El primer álbum que hicimos, “Jefferson Airplane Takes Off” (1966) es más o menos la forma en que tocamos en vivo, pero en “Surrealistic Pillow” pudimos trabajar en algunas de las canciones en el estudio y trabajar dentro de esa atmósfera del estudio. Entonces, ese fue realmente el comienzo de hacer buenos discos de estudio.
¿Es cierto que Jefferson Airplane quería que Frank Zappa produjera el disco “Crown of Creation” (1968)?
Jack. Frank era un tipo tan talentoso y me encantaban los músicos de su banda. Me gustaba su enfoque de mucha música que hizo y tenía un ingenio tan mordaz que creo que Spencer Dryden (batería), Grace y yo, estábamos tratando de que tal vez nos ayudara con algo, pero creo que nuestros horarios no funcionaron.
¿Crees que los conciertos son más importantes que los discos de estudio?
Jack. Es solo un formato diferente. No creo que sea más importante. Creo que tocar en vivo siempre es esencial para la carrera de cualquier músico porque ahí es donde comenzó todo. El álbum es un momento en el tiempo que se captura y puedes hacer muchas cosas geniales en el estudio para crear una atmósfera, como lo haces cuando creas una película. Pero cuando tocas en vivo, creo que ahí es donde realmente estás en el momento de la música, y llevas a la audiencia a esa atmósfera particularmente única en esa noche o ese día. Y creo que ahí es donde siempre dura la prueba del tiempo.
Llegaste a conocer bastante bien al gran Jerry García. ¿Cómo era él, dentro y fuera del escenario?
Jack. Jerry García era un hombre muy talentoso y muy buen narrador. Podía entretener, regocijarse y hablar para siempre. Simplemente tenía una forma interesante de ver la vida, pero sobre todo, era un gran músico. Le encantaba tocar y trabajar con otros músicos. Realmente disfrutaba la música y es una pena que nos haya dejado tan pronto. Me encantaría tenerlo vivo y tocando ahora mismo.
David Bennett Cohen: un Buda de la música. Fotos © por Joseph A. Rosen
David Bennett Cohen ha sido músico profesional durante más de 50 años. Mejor conocido por su forma innovadora de tocar el teclado como miembro original de la banda de rock de los años 60, Country Joe and the Fish, es un guitarrista igualmente consumado que ha estado involucrado en numerosas escenas musicales a lo largo de su variada carrera.
Tuvo la suerte de haber escuchado en vivo a Otis Spann, Professor Longhair, Meade Lux Lewis y otros maestros del género. Además de Country Joe and the Fish, a lo largo de los años, ha tocado y/o grabado con The Blues Project, Mick Taylor, The Luther Tucker Blues Band, Elvin Bishop, Hubert Sumlin, Melvin Van Peebles, Happy and Artie Traum, Arlen Roth, Eric Anderson, David Blue, Tim Hardin, Norton Buffalo, Jerry Miller, Jimi Hendrix, Johnny Winter, Buddy Miles, Canned Hear, John Cippolina, Huey Lewis, Michael Bloomfield, Bob Weir, John Kahn, Johnnie Johnson, Jimmy Vivino, Jay Owens, Debbie Davies, Byther Smith, Bobby Kyle, Bill Perry, Rocky Lawrence, Johnny B. Gayden, Sandra Feva y otros.
¿Cómo ha influido la contracultura del blues y el rock en tu visión del mundo y en los viajes que has realizado?
David. La música y el estilo de vida de los años 60 era Peace and Love (Paz y amor). Ese concepto resonó conmigo entonces y todavía lo hace. Mi concepto del Blues es que proviene de un sufrimiento profundo y, sin embargo, tiene el poder de transformar ese sufrimiento en alegría. Creo que mi práctica budista lo dice muy bien: convertir el veneno en medicina. Cada vez que toco, trato de tocar la vida de las personas y ayudar a hacer esa transformación.
¿Cómo describe su filosofía musical? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica y el alma?
David. Ah, filosofía de la música. Como fue mi respuesta a la anterior pregunta. Mejor, lo que sigue…
necesitas técnica y alma para ser un músico completo. Sin técnica, no puedes tocar lo que escuchas. Sin alma, no puedes oírlo. Déjame explicarlo.
Conozco a varios músicos que pueden tocar muchas notas. Casi como si les pagaran por nota. La mayoría de las veces, eso me parece aburrido. Y luego están los músicos, particularmente los guitarristas, que insisten en tomar 10 o incluso 20 vueltas de una canción como sus solos. Siento que si no puedes decir lo que quieres en 2 o 3 vueltas de una canción, necesitas volver atrás y mirar tu filosofía de la música.
Creo que tu música debe contar una historia, ya sea en un solo, una canción, un instrumental o un set completo. Un comienzo, un medio y un final. Si estás tocando en un grupo, ¡DEBES escuchar! La mejor música es una conversación. Por lo tanto, tienes que permitir que todos los participantes se expresen. Tocar en conjunto es un requisito previo. Por ejemplo, su solo debe ser apropiado para el resto de la música, y si alguien más está haciendo solos, debe aprender a apoyar. ¡No interfiera en el camino!
¿Qué encuentros han resultado las experiencias más importantes para ti? ¿Hay algún recuerdo de conciertos, jams, presentaciones y sesiones de estudio que te gustaría compartir con nosotros?
David. Cuando era un adolescente, involucrado en la escena folklórica de Washington Square, la gente que conocí realmente dio forma a mi filosofía musical. La cantidad de personas que me influyeron en ese entonces son muchas para nombrarlas. Tom Paley me enseñó la importancia de estar afinado. Paul Prestopino me enseñó la importancia del gusto. Pete Seeger. Dave Van Rock. Izzy Young. ¡Fue una educación musical y filosófica!
Muchos conciertos durante tantos años. Monterey Pop fue lo más destacado de mi actuación. El mejor concierto que he tocado. Realizada por músicos, para músicos. Como decíamos, era una reunión de las tribus. Pero era más que la música, aunque eso era central. También se trataba de la comunidad hippie.
Recientemente toqué en la celebración de mi 80° cumpleaños en el Bitter End en Nueva York. Fue memorable porque estaba tocando con algunos de mis músicos favoritos, haciendo mi material, para una audiencia agradecida. Además, ¡a todos nos pagaron! No se puede pedir más que eso. Permítanme agregar que disfruto mucho de mis conciertos. Los que fueron un problema son realmente mucho más fáciles de recordar porque son muy pocos. Como dijo mi querido amigo, Glen Bob Allen: “Bueno, nadie recibió un disparo, no hubo peleas y nos pagaron. Fue un buen concierto…“.
¿Por qué crees que la música de Country Joe & The Fish continúa generando fieles seguidores?
David. Yo mismo me pregunto eso. Todo lo que puedo decir es que fue música tocada con el corazón. Realmente no sabíamos lo que estábamos haciendo. Haciéndolo a medida que avanzábamos. Pero eso fue cierto para casi todas las bandas originales de esa época. Después de todo, ¿quién ha oído hablar de tocar música folclórica con instrumentos eléctricos y tambores?
Todas las bandas eran únicas, pero creo que CJF se destacó por la escritura de Joe y nuestra interpretación de ella. Hablando objetivamente, los primeros dos álbumes realmente definieron a la banda. Esa es la alineación en la que la gente piensa cuando piensa en CJF. No solo estábamos en esto por el dinero. Solo queríamos hacer música hermosa. Creo que eso es.
¿Qué es lo que más extrañas del blues del pasado? ¿Cuáles son sus esperanzas y temores para el futuro de la música?
David. Extraño a los chicos de Roots. Fui tan afortunado de crecer en Nueva York. Izzy Young solía dar conciertos en el Centro de Folclore en MacDougal St en Greenwich Village. Pude escuchar y conocer a personas como Mississippi John Hurt, al reverendo Gary Davis, Mance Lipscomb, Lightnin’ Hopkins. Escuché al profesor Longhair, Muddy Waters, Otis Spann, John Lee Hooker y a muchos otros.
En aquel entonces, cuando queríamos aprender algo que habíamos escuchado, tocábamos el disco una y otra vez hasta que lo “escuchábamos en nuestras cabezas” y luego tratábamos de duplicarlo. Compáralo con la forma de tocar de nuestros amigos. Desarrollamos nuestros propios estilos de tocar, que era solo una combinación de nuestras diversas influencias. En el proceso de aprender un lick, o una canción, si tuviéramos suerte y pusiéramos atención, también podríamos absorber su esencia.
Eso parece faltar en muchos de los músicos de hoy. Si quieres aprender a tocar como Jimi, simplemente conéctate a Internet y obtén la tablatura. Uno de mis antiguos alumnos, un adolescente, aprendió a tocar partes de varias canciones, pero nunca la totalidad. Simplemente “seleccionó a la perfección” las partes que le gustaban. Para mí, hay algo malo en eso.
Dicho esto, veo una nueva generación de músicos de Blues que lo entienden. Muchos han pasado por el Blues Jam de Big Ed Sullivan en NYC, donde toco en la House Band. Jason Green, Julián Primeaux. La lista continúa.Me siento alentado por la generación más joven de músicos de Blues. Por supuesto, la música está evolucionando, cambiando. Pero así es como crece.
¿Cuál es el impacto de la música (la música de tu generación) en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a las personas?
David. Hay un viejo dicho filosófico que pregunta: “¿El arte sigue a la vida o la vida sigue al arte?” Pero mi opinión es que todo es uno. El budismo lo llama “la unidad de la vida y el medio ambiente”. Casi se puede definir el tipo de sociedad por su Arte y su Música. En este momento, hay una enorme cantidad de confusión en la sociedad y, por lo tanto, gran parte de la música es cacofónica. Por eso me gusta volver a mis raíces y tratar de recordar por qué soy músico.
Quiero que mi música afecte a las personas de manera positiva. Sácalos de su sufrimiento e imparte alegría en sus vidas. Hazlos reflexionar. Ayúdalos a lograr lo que el budismo llama Revolución Humana. Por supuesto, este es un objetivo por el que me esfuerzo. Y cada concierto es nuevo. Cada público una oportunidad.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en los caminos de la música?
David. Tengo varias reglas que les digo a mis alumnos que he desarrollado a lo largo de los años: Posee una piel gruesa. Desarrolla buenos reflejos. No rechaces el trabajo. Aprende a escuchar. Orina antes de subir al escenario.
John Coltrane dijo: “Mi música es la expresión espiritual de lo que soy…”. ¿Cómo entiendes el espíritu, la música y el sentido de la vida?
David ¡Guau! ¡¡Profundo!! Entiendo completamente lo que dijo Coltrane. Es algo por lo que me esfuerzo. Incluso cuando estoy practicando escalas, trato de entender el “por qué”. Es a lo que me refería antes. Lo primero y más importante es la música en sí. Ya sea que ganes dinero o no, no debería ser tu motivo para tocar. Por supuesto, tiene que haber un equilibrio. Tienes que ser capaz de ganarte la vida en ello. Pero, si no viene de tu corazón, no tendrá el impacto que estás buscando. Hay una simplicidad y profundidad en lo que dice Coltrane. Encapsula lo que solo puedo llamar, la actitud correcta y la relación con tu música.
Ah, el sentido de la Vida. En el budismo, creemos que el significado de la vida es encontrar la felicidad justo donde y como estamos. Tomar todos los obstáculos como una oportunidad para crecer. Todos tenemos problemas. Eso es parte de la vida. Pero, si sufrimos o no a causa de ellos, depende completamente de nosotros. La esperanza es una elección. La forma en que logramos nuestra Revolución Humana es cantando Nam Myoho Renge Kyo y ayudando a otros a lograr su propia Revolución Humana. Es una práctica hermosa.
Mud Morganfield: Nada más que blues. Fotos © por Aigars Lapsa
Mud Morganfield, artista ganador del premio Mullti, es una estrella sólida en el mundo de la música de blues. El hijo mayor del legendario Muddy Waters, Mud creció rodeado de muchos de los mejores músicos del blues. El canto de Mud está firmemente en la mejor de las tradiciones del Chicago Blues, pero también es un escritor de grandes canciones nuevas y está respaldado por algunos de los mejores músicos que tocan hoy. Es aclamado tanto por la crítica como por artistas como Buddy Guy y Jools Holland por su propia habilidad musical. Su nuevo álbum Portrait (2022), ofrece catorce temas poderosos, incluidas dos canciones inéditas. Mud aparece rodeado de una constelación de músicos de blues de primer nivel. Todas las pistas han sido remasterizadas especialmente para este primer álbum de Mud Morganfield en Delmark Records.
¿Qué has aprendido sobre ti mismo del blues y qué significa el blues para ti?
Mud. Que era parte de mi… en herencia a través de mi padre.
¿Cuál fue el primer concierto al que fuiste?
Mud. Mi primer concierto fue con mi padre en el Quiet Night Club de Chicago.
¿Qué experiencias en tu vida te hacen un BUEN bluesman?
Mud. Crecer viviendo en el lado oeste de Chicago, a una calle de un lugar llamado ‘el balde de sangre’, el nombre lo dice todo.
¿Sabes por qué el sonido de Muddy está conectado con el blues y qué caracteriza el sonido de Mud Morganfield?
Mud. Porque él era el blues y yo soy el hijo del blues.
¿Qué es lo que más extrañas de la época del blues original con Willie, Muddy & Wolf?
Mud. Todo (jajaja).
¿Hay algún recuerdo de todos estos GRANDES MÚSICOS que te gustaría compartir con nosotros?
Mud. Que se les echará mucho de menos y no podrán ser reemplazados.
¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera y cuál el peor?
Mud. El mejor momento fue ver la sonrisa en el rostro de mi madre (Mildred) en mi primer show. Los peores momentos es no tener a mi papá cerca para que viera lo que he hecho.
¿Cuál es el período más interesante de tu vida y por qué? De todas las personas que has conocido, ¿a quién admiras más?
Mud. Todos los días, en general, son buenos días (jajaja). A Marie Dixion, la esposa de Willie Dixon, y a la esposa de Willie ‘Big Eyes’ Smith.
¿Qué consejo te dio Muddy Waters, qué recuerdo de tu padre te hace sonreír?
Mud. Siempre me dijo que nunca vendiera mi música directamente, son como tus bebés.
¿Cuál es el “pensamiento” que más extrañas de él?
Mud. Su canto y su efecto en el Blues.
¿Cómo describirías tu contacto con la gente cuando estás en el escenario?
Mud. Empecé a cantar para mostrarle al mundo lo que papá me dejó. Amo y estoy orgulloso de cantar sus canciones. Amo sus canciones y siempre estaré orgulloso de él. No soy Muddy Waters y ciertamente no estoy tratando de ser Muddy Waters. Soy Mud Morganfield, pero cuando estoy en el escenario, siempre siento que el público está conmigo y significa mucho que pueda subir al escenario y mantener viva su música en todo el mundo.
¿Qué consejo le darías a los aspirantes a músicos que están pensando en seguir una carrera?
Mud. Nunca uses drogas, nunca fumes y siempre trata de tener una actuación de clase.
¿Qué papel jugó la música en tu infancia?
Mud. Oh, la música lo era todo, todo, sobre todo por la carrera de mi papá, por supuesto.
¿Cómo te ha ayudado tu padre a formarte como músico?
Mud. En todos los sentidos, lo recuerdo comprándome una batería y otras cosas cuando era niño y, básicamente, Papá me brindó toda la educación y el equipo que necesitaba para comenzar.
¿Qué significa Chicago para ti?
Mud. Lo es todo. Nací aquí, vivo aquí y probablemente moriré aquí.
Cuéntanos algo sobre ti que no sepamos…
Mud. No bebo, no tomo drogas, no fumo y siempre trato de decirles a los nuevos artistas que es una tontería pensar que necesitas hacer esas cosas.
Algunos estilos musicales pueden ser modas, pero el blues siempre está con nosotros. ¿Por qué crees que es eso? Pide un deseo para el blues.
Mud. Todos pasamos por senderos y sufrimientos y esa es la tristeza. Ojalá hubiera más blues tradicional.
¿Quiénes fueron tus mentores en la composición de canciones, además de Muddy, obviamente?
Mud ¡Mi mamá!, el sol no brilla hasta que mi mamá se levanta conmigo, ella ha sido un brillo en la oscuridad para mí.
¿Cuál es tu SUEÑO musical “secreto”?
Mud. Ya estoy viviendo mi sueño, siendo parte de algo que mi papá hizo toda su vida.
