Entrevistas con Ronnie, Elliott y Bob
La huella genética del blues. Entrevistas con Ronnie Baker Brooks, Elliott Sharp, y Bob Angell.
Ronnie Baker Brooks: Blues en mi ADN
Alligator Records ha publicado Blues In My DNA (2024), el nuevo y asombroso álbum del galardonado guitarrista, compositor y vocalista de blues rock Ronnie Baker Brooks. En este material, Ronnie ofrece una obra maestra orgánica y actual. El álbum, el quinto de su carrera y el primero para Alligator, está firmemente arraigado en el blues y Ronnie incorpora su propia marca de rock, funk y soul a la mezcla.
Blues In My DNA pasa sin esfuerzo de sonidos de rock funk al soul profundo de Memphis y a improvisaciones épicas, que complacen al público y están inspirados por la guitarra. Producido por el famoso mago del estudio Jim Gaines, el disco es una declaración que define la carrera de Baker Brooks, y cada una de las 11 canciones originales es su propio capítulo en una historia en constante evolución.
Para Ronnie, hijo del legendario Lonnie Brooks, nominado a varios premios GRAMMY, miembro del Salón de la Fama del Blues y estrella de grabación de Alligator Records, el proceso de escribir canciones para Blues In My DNA fue muy divertido y emocionante como lo es tocar en vivo.
Agradecimientos especiales por la entrevista a Ronnie Baker Brooks y Marc Lipkin (Alligator Records). Fotos por © Paul Natkin.
¿Cómo ha influido la gente del blues en tu visión del mundo? ¿Qué significa el blues para ti?
Ronnie: Tuve la suerte de crecer rodeado de grandes artistas de blues… y muchos de ellos han influido enormemente en mi vida y mi carrera. Para mí, el blues es una emoción que se puede expresar con música… ¡y también puede curarte!
¿Cómo describes tu sonido, filosofía musical y repertorio? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica y el sentimiento?
Ronnie: En cada disco que hago, trato de construir una plataforma para crecer musicalmente, ya sea a través de mi forma de tocar la guitarra, cantar, escribir y encontrar una forma de expresarme a través de la música que no había hecho antes. Intento que la música sea auténtica y fresca para mí. El gran Junior Wells, ya fallecido, me dijo una vez: “Tienes que sentir la música que estás tocando para que el público también la sienta“. Así que aprendí algo de vocabulario musical en la guitarra para expresar lo que siento.
Tu primer lanzamiento fue con Alligator Records. ¿Cómo surgió esa relación? ¿Tienes alguna historia interesante sobre la creación de “Blues In My DNA”?
Ronnie: Simplemente… ¡por mi padre Lonnie Brooks! Grabó varios discos con Alligator y me permitió tocar la guitarra rítmica y principal, al mismo tiempo que me permitió escribir y cantar en algunos de esos discos. Conozco a Bruce Iglauer (fundador de Alligator Records) desde que tenía unos 10 años, así que crecí musicalmente en lo que respecta a la grabación gracias a esa plataforma.
Cuando comencé mi carrera como solista, grabé 3 álbumes y un DVD en vivo de forma independiente en mi propio sello Watchdog Records. Durante la pandemia, mi manager John Boncimino organizó una reunión con Bruce, para hacer un disco con Alligator… después de varias reuniones… me sentía como si me estuviera llendo de casa, luego firmé un contrato.
Mientras grababa el nuevo álbum Blues In My DNA … ¡me sentí honrado de trabajar con el legendario productor Jim Gaines! Conocí a Jim en 1993 cuando trabajamos juntos en el álbum de mi padre “Roadhouse Rules” en Alligator Records, ¡así que fue genial volver a conectarnos en el estudio!
¿Por qué crees que el legado musical de los Brooks sigue generando fieles seguidores?
Ronnie: Mi hermano Wayne Baker Brooks y yo… ¡los dos aprendimos de nuestro padre sobre la música y la vida! Nuestro padre pasó mucho tiempo enseñándonos profesionalismo, ética laboral y respeto. Lonnie tenía una vibra natural que atraía a la gente… al igual que todos en la familia… ¡y vivíamos con él! Espero que algo de eso se nos haya pegado a nosotros también.
¿Qué momento cambió más tu vida? ¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
Ronnie: Ahora que mis padres han fallecido, me doy cuenta de que he sido muy afortunado por haber tenido a Lonnie Brooks (Lee Baker Jr.) y a Jeannine Baker como mis padres. ¡Poder viajar por el mundo tocando música con mi padre fue un honor absoluto! Nuestra madre y nuestro padre nos apoyaron a todos en nuestras propias carreras individuales… esos fueron siempre momentos increíbles para mí.
¿Qué es lo que más extrañas actualmente del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de este género?
Ronnie: Estoy orgulloso de haber crecido rodeado de algunos de los mejores del blues… muchos de ellos ya han fallecido. Los extraño a todos… porque han sido muy importantes para mí y para mi crecimiento… así que hay un vacío. La energía de crecer en Chicago llena de grandes del blues y viajar por el mundo siendo testigo de muchos otros artistas de blues en su mejor momento… fue una experiencia impactante para mí.
Así que es agridulce… porque tenemos algunos artistas más jóvenes que están surgiendo y son emocionantes… es parte de la evolución de la música. Solo espero poder llevar algunas de mis experiencias musicales para inspirar a alguien como me pasó a mí.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el camino de la música?
Ronnie: Mantente fiel a ti mismo y a la música. Para mí… ¡el blues es un sanador! El blues me ha ayudado a superar algunos momentos difíciles y también me ha traído algo de alegría. Disfruto viendo a la gente Un buen momento… Si puedo hacer eso mientras toco mi música… ¡es el doble de placer para mí!
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música afroestadounidense en la sociedad actual?
Roonie: En mi opinión… el blues es la raíz de mucha música estadounidense… Puedo sentir el blues en diferentes géneros musicales de todo el mundo también. Creo que ha inspirado y evolucionado para crear diferentes géneros musicales… así que está en todas partes. Todos tenemos que cuidar la música y recordar respetar de dónde viene… permitirle crecer porque seguirá inspirando algo nuevo.
Elliott Sharp: Cambios psicoacústicos
Elliott Sharp es un multiinstrumentista, compositor e intérprete estadounidense. Figura central de la escena musical experimental y de vanguardia de la ciudad de Nueva York durante más de 30 años. Ha publicado más de ochenta y cinco grabaciones que abarcan desde música orquestal hasta blues, jazz, noise, no wave rock y música techno.
Lidera los proyectos Carbon y Orchestra Carbon, Tectonics y Terraplane y ha sido pionero en la aplicación de la geometría fractal (Un fractal es un objeto geométrico caracterizado por presentar una estructura que se repite a diferentes escalas. En cierto modo, se trata de un patrón sin fin), la teoría del caos y las metáforas genéticas a la composición y la interacción musical.
Terraplane de Elliott Sharp sintetiza la intersección del blues urbano y country con las bandas de pífanos y tambores de Mississippi, el jazz post-Mingus/Ayler, las innovaciones sonoras del ensamble de larga trayectoria de Sharp, Carbon y la fuerza rítmica del groove, desde el shuffle hasta la música de baile contemporánea.
Terraplane ha pasado por muchas permutaciones con artistas invitados como Hubert Sumlin, así como los cantantes y poetas Eric Mingus y Tracie Morris. Delmark Records lanzó “Twenty Dollar Bill” (2024), el nuevo sencillo de blues de Terraplane de Elliott Sharp con Eric Mingus en la voz; Elliott Sharp en guitarras y teclados; Dave Hofstra en el bajo; y Don McKenzie en la batería.
Agradecimientos especiales por la entrevista a Kevin Johnson y Delmark Records. Fotos por © Andreas Sterzing.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Elliot: Improvisar música, es decir, crear música en tiempo real, es uno de los mejores preparativos que uno puede tener para poder negociar los cambios que la vida te hace pasar. Profundizar en la música me permitió vislumbrar el infinito, el vacío, la fuente de la creatividad. Todas las criaturas tienen la capacidad de acceder a su impulso creativo: se convierte en una cuestión de traducirlo a la parte adecuada del espectro, ya sea música, sonido, arte visual, cocina, trabajo científico, ¡cualquier cosa y todo!
¿Cómo describes tu sonido y filosofía musical? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica y el sentimiento?
Elliot: Veo la música como un cambio químico psicoacústico y espero que mi música abra los oídos, los ojos, los corazones y los cerebros de las personas. Defino la “técnica” como el conocimiento necesario para manifestar la música que deseas crear. La técnica no es mutuamente excluyente con el sentimiento. Toda música “real” refleja el alma de su creador.
¿Qué momento cambió más tu vida musical?
Elliot: A los 17 años, la primera vez que me encontré mirando al vacío mientras improvisaba música con una guitarra eléctrica usando pedales que había construido. Fue entonces cuando entendí por primera vez lo que era crear música en resonancia con algo fuera de uno mismo.
¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
Elliot: He sido muy afortunado, ¡con muchos momentos destacados! Un encuentro casual con Jimi Hendrix en una tienda de música de Nueva York, estudiar con Roswell Rudd, conocer y trabajar más tarde con Cecil Taylor, tocar con Nusrat Fateh Ali-Khan, conocer y trabajar más tarde con Hubert Sumlin, escuchar mis primeras piezas de cuarteto de cuerdas y orquesta, actuar en el programa de televisión Night Music de David Sanborn, conocer a mi esposa Janene y celebrar el nacimiento de nuestros gemelos.
¿Qué es lo que más echas de menos actualmente de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de la música?
Elliot: Echo de menos los numerosos lugares para tocar música en vivo. La música en vivo es incomparable. También echo de menos a los músicos que se esfuerzan por crear sonidos y canciones nunca oídas, intentando trascender. Temo que las entidades corporativas que controlan la vida de la mayoría de las personas utilicen la IA para reducir a los humanos a la monotonía y permitir que las IA creen “contenido” que marginará por completo el verdadero trabajo creativo y conmovedor hecho por los humanos.
¿Cuáles fueron las razones que hicieron que Nueva York fuera el centro del surgimiento y la experimentación artística y musical?
Elliot: Fue una combinación de alquileres bajos y espacios disponibles para la experimentación y la posibilidad de presentar los resultados a otros artistas y a aquellos interesados en las artes, muchos de los cuales venían de Europa o Japón.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a las personas?
Elliot: La música puede inspirar a las personas a cambiar sus vidas para mejor; incluso puede proporcionar modelos para eso. Y, por supuesto, también puede aliviar el dolor de la existencia y brindar esperanza y permitir que las personas piensen con más claridad.
Espero que mi trabajo pueda brindar perspectivas y claridad, abrir nuevos caminos no solo para escuchar, sino para la reflexión no solo sobre la música y el arte sino sobre la naturaleza de nuestra existencia (y no de una manera didáctica o sermoneadora, ¡solo abriendo algunas puertas!).
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en los caminos de la música?
Elliot: Una de las lecciones más importantes es escuchar al mundo que nos rodea, a los músicos con los que tocamos, a las esperanzas y los miedos de las personas que nos rodean y escuchan lo que hacemos. La música no es sólo un resultado, es un circuito de retroalimentación multidireccional.
John Coltrane dijo: “Mi música es la expresión espiritual de lo que soy…“. ¿Cómo entiendes el espíritu, la música y el sentido de la vida? ?
Elliot: Lo más cercano que puedo llegar a describir mi comprensión es que tiene que ver con vislumbrar el vacío, que también es el infinito, ya sea que lo definamos como matemático o en el sentido cósmico. Con esa comprensión, muchos de nuestros problemas se vuelven triviales y esa idea de libertad nos permite encontrar soluciones a los problemas del mundo real que todos experimentamos.
Bob Angell ¡Tenemos Nuevo Blues para ti!
El guitarrista Bob Angell fundó Blues Outlet, la primera banda de blues eléctrico que surgió de su natal Rhode Island (Estados Unidos), en 1966, tras haber estado muy influenciado por los discos de Chuck Berry y Jimmy Reed que se reproducían regularmente en las estaciones de radio locales. Ver a Muddy Waters en el mundialmente famoso Festival de Jazz de Newport en 1960 selló el trato.
Bob Angell fue incluido en el Salón de la Fama de la Música de Rhode Island en 2015. El segundo lanzamiento de Bob Angell por Rawtone Records, titulado Brand New Blues (2024), presenta al maravilloso Kelly Knapp y otras estrellas invitadas de gran impacto: Duke Robillard, Buddy Whittington, Doug James, Joe Yuele, Mark Cole, Chris Stovall Brown y Charlz Ruggerio.
Profundamente arraigada en el fértil suelo musical de la forma clásica del blues, esta colección también desafía los viejos límites y abre nuevos caminos. Cada músico que contribuyó al álbum trajo consigo su propia personalidad distintiva, su propia visión individual del blues.
Fotos por © Steve Rizzo
¿Por qué crees que la escena del blues de la Costa Este sigue generando un público tan fiel?
Bob: Creo que la Costa Este siempre ha sido una zona bastante hospitalaria para el blues por varias razones, una de las cuales no es la menor de ellas, los festivales de jazz y folk de Newport, Rhode Island. Fue aquí donde los gigantes de la escena del blues, desde Mississippi John Hurt y Ray Charles hasta Muddy Waters y B.B. King, eran visitantes habituales. Esto se trasladó a la activa escena de los cafés y, más tarde, a los clubes.
Además, había una verdadera presencia en la radio para ese tipo de música. Recuerdo que, cuando era un niño, escuchaba a Chuck Berry, Jimmy Reed e incluso a Slim Harpo en las ondas. ¡Eso fue clave! para mí (y estoy seguro de que para muchos otros músicos) fue gracias a Chuck y Jimmy Reed.
Desde los años 60, las bandas locales y los artistas solistas han proliferado e incluso dominado la escena musical. Los nombres son evidentes para los observadores del mundo de la música, por supuesto. Y sigue así hasta el día de hoy. El blues está vivo y bien en innumerables lugares y bares de esquina en todo el noreste.
Actualmente tienes un lanzamiento más con Kelly Knapp, Duke Robillard, Doug James, Joe Yuele, Bobby Whittington, Mark Cole y otros. ¿Cómo surgió esa idea de tener esos invitados y el título del álbum Brand New Blues?
Bob: Mi nuevo álbum se llama Brand New Blues por una buena razón. Por mucho que me guste la vieja música de blues, siento que es hora de ampliar un poco los límites del estilo. Y eso es lo que está sucediendo en el álbum. El ejemplo más claro se puede escuchar en un tema llamado “A Woman Alone Without Love” con la voz de la magnífica Kelly Knapp. Pero, en realidad, todo el álbum tiene un enfoque nuevo y fresco.
Por supuesto, no está de más que haya contado con la ayuda de algunas de las principales estrellas del blues del mundo. Junto con Kelly, que tiene mi voto como la nueva cantante de blues más emocionante del mundo, he tenido la suerte de contar con mi amigo de toda la vida, Duke Robillard, que se ha unido a mí para hacer un tributo con dos guitarras al gran Hubert Sumlin. Un tema de una sola toma, y genial. Ambos amábamos y venerábamos a Hubert. Simplemente fluyó de nosotros. Un momento verdaderamente mágico.
Luego hay dos gigantes del blues de los Bluesbreakers de John Mayall: el maestro de la guitarra de Texas Buddy Whittington y en la batería el contundente Joe Yuele. Fue muy divertido… y un placer escucharlos.
Doug James (Roomful of Blues / banda de Jimmie Vaughan) añade sax tenor y barítono al tema principal, y realmente lo refresca, en algún lugar entre Eddie Shaw y Bobby Keys. Una interpretación brillante. Mark Cole, mi compañero de sello en Rawtone Records, voló desde el Reino Unido especialmente para contribuir con una armónica de blues de primera clase a varios temas. Un trabajo magistral.
Chicago Vinny Earnshaw y Jack Moore, que fueron mi banda habitual durante varios años, formaron una sección rítmica potente. Lamentablemente, Vin falleció, por lo que este corte es un triste recuerdo de su forma de tocar. Y Charlz Ruggerio, que tocó y grabó conmigo a mediados de los setenta, regresa para aumentar los graves con algunas líneas de bajo finas y burbujeantes en algunos cortes.
Realmente hace que la música avance. La mejor parte de toda la experiencia es que pasamos más de un año preparando este álbum y realmente nos concentramos en romper el molde. Es música emocionante para tocar… y espero que también para escuchar. Como dice en la etiqueta: “Para obtener los mejores resultados, tócalo fuerte”. Es, de lejos, el mejor trabajo que he grabado. Es blues completamente nuevo… de ahí el título.
¿Tienes alguna historia interesante sobre la realización del nuevo álbum Brand New Blues?
Bob: ¿Historias interesantes? Todo el proceso de creación de este álbum daría lugar a una película excelente y alocada. Es muy divertido trabajar con el ingeniero y jefe del estudio Steve Rizzo. Él tomaba mis ideas desorganizadas y de alguna manera las hacía funcionar brillantemente.
Un momento que recuerdo claramente fue cuando Kelly terminó su voz en “A Woman Alone”, me di vuelta y vi a los otros músicos y al ingeniero, todos allí de pie, en silencio y con la boca abierta. El suyo fue un momento musical poderoso. Impresionante e innovador. Espera a que escuches ese tema. Probablemente tú también te quedarás atónito. Es un tema completamente nuevo, pero Inmediatamente identificable, aborda el blues…
¿Cuál ha sido el obstáculo más difícil para ti como persona y como artista que te ha ayudado a convertirte en un mejor músico de blues?
Bob: Bueno, siempre es importante escribir e interpretar tu propio blues. Solo tiene sentido cuando el tema surge orgánicamente de tu propia vida. Así que, hasta cierto punto, este tipo de forma musical casi requiere que el artista se inmiscuya un poco en el material. O que se ría a carcajadas de las absurdeces de la vida. Tiene que ver con sentirlo. Y no tener miedo de gritar a viva voz.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuál es la fuerza impulsora detrás de tu continuo apoyo a tu música?
Bob: Los momentos que cambiaron y potenciaron mi música y mi dedicación al blues se pueden rastrear hasta los maravillosos gigantes musicales que han sido tan geniales para mí, personal y musicalmente. Entre ellos se encuentran el legendario Hubert Sumlin y la figura imponente del blues británico John Mayall. Ambos caballeros se esforzaron mucho para alentarme y ofrecerme pautas en cuanto a composición, guitarra y a nivel personal. Lamentablemente, ambos se han ido a su recompensa, pero siguen vivos en mi corazón y espero en mi música. Benditos sean.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica (habilidades) y el alma/emociones? ¿Por qué es importante preservar y difundir el blues?
Bob: La técnica tiene que estar en un distante segundo lugar después del sentimiento. Quiero decir que podemos entrar en casi cualquier bar en cualquier lugar y ver a tipos tocando riffs súper rápidos. Un montón de habilidades y una técnica deslumbrante.
Pero para mí, los mejores momentos siempre ocurren cuando alguien llega a lo más profundo de sí mismo y dice algo de verdad. Con alma. Con sentimiento. Con emoción sincera. Y la técnica al diablo. Pregúntale a cualquiera de los músicos de este álbum y te dirán lo mismo. Garantizado. Pero no necesitamos preservar el blues. La música vive dentro de sí misma. Mientras la gente viva, ame y sienta, el blues estará con nosotros.
¿Crees que hay un público para la música blues en su estado actual? ¿O al menos un potencial para que los jóvenes se conviertan en futuros públicos y fanáticos?
Bob: En lo que respecta al público del blues, siempre está evolucionando. No importa dónde se encuentre la entrada a esta música, una vez que estás dentro, te atrapa. Si fue B.B quien habló a tu corazón por primera vez o The Rolling Stones, SRV o Bonamassa, es tu propio viaje el que debes emprender. Consigue toneladas de discos… y deja que el blues te lleve lejos. Mejorará tu vida de la misma manera que lo hace la literatura o las bellas artes.
La vida es más que música, ¿hay algún otro campo que tenga influencia en tu vida y en la música?
Bob: ¿Realmente lo es? Mis primeros recuerdos de la infancia están todos relacionados con la música. Cantando, el viejo piano familiar… Siempre música. Pero tienes razón, hay más en la vida que la banda sonora. Las palabras son muy poderosas. Es por eso por lo que las letras y las grandes obras literarias nos hablan a un nivel tan grandioso. ¿Qué sería la vida sin música… y libros?
