Inducidos al Salón de la Fama del Blues 2025
La ceremonia de inducción al Salón de la Fama del Blues se llevará a cabo este año, el miércoles 7 de mayo de 2025 en el Cannon Center For The Performing Arts (255 N Main St, Memphis, TN). Los nominados de este año en las cinco categorías: Artistas, Personajes no artistas, Literatura clásica de blues, Grabaciones clásicas de blues (Sencillos) y Grabaciones clásicas de blues (Álbum), siguen demostrando cómo el blues se cruza con una amplia variedad de estilos musicales: Soul, Blues, R&B y Rock & roll.
Artistas
Bob Stroger. Robert T. Stroger, que a sus 94 años sigue en activo, está cosechando los frutos de sus décadas de sentar las bases para innumerables bandas de blues. Ningún intérprete ha sido incluido en el Salón de la Fama del Blues a una edad más avanzada. También fue el destinatario del premio Blues Music Award de 2024 en la categoría: Instrumentista – Bajo, por quinta vez. Stroger había sido solo un bajista veterano con varios grupos pequeños de blues, R&B y jazz en Chicago antes de convertirse en una figura estable y reconocible en la escena internacional del blues, inicialmente gracias a su trabajo detrás de Otis Rush a partir de 1975. Incluso entonces, su apellido era tan desconocido para sus compañeros músicos y productores de discos, que las primeras veces que su nombre apareció en los créditos de un álbum figuraba como «Bob Strokes», la forma en que Rush y Sunnyland Slim lo conocían.
William Bell. William Henry Yarbrough, más conocido por su trabajo pionero en Stax Records de Memphis, ha mantenido vivo ese legado durante su larga carrera como cantante, compositor, productor y propietario de un sello discográfico lleno de soul. La música de Bell también ha abarcado Góspel, Doo-wop, Jazz, R&B, Blues, Reggae, Funk, Disco y colaboraciones con raperos, y en los últimos años ha sido un contendiente eterno en las categorías de Soul Blues de los Blues Music Awards.
Blind Willie Johnson. Willie Johnson Jr, nunca grabó blues, pero la música del evangelista de la guitarra de Texas cautivó a una multitud de fanáticos y músicos de blues durante casi un siglo. Su género ha llegado a ser llamado «Blues sagrado» por sus similitudes con el formato del blues, su intensidad y la excelente técnica de la guitarra slide. «The Soul of a Man», un episodio de la serie documental de Martin Scorsese «The Blues», recibió su nombre de un disco de Johnson de 1930 y contó con el bluesman Chris Thomas King interpretando a Johnson, y el actor Laurence Fishburne prestando su voz a Johnson en la narración con guión. Y cuando se lanzaron las sondas espaciales Voyager 1 y 2 en 1977, cada una llevaba una grabación, «The Sounds of Earth», con pistas de audio que incluían «Dark Was the Night—Cold Was the Ground» de Johnson.
Henry Townsend. Henry Townsend, un colaborador clave del sonido del blues de St. Louis de la era anterior a la Segunda Guerra Mundial, disfrutó de una de las carreras más largas en la historia del blues. Grabó en todas las décadas desde 1920 hasta 2000 y se estaba preparando para actuar en un festival cuando murió el 24 de septiembre de 2006, a la edad de 96 años. Unos meses más tarde compartió un premio GRAMMY póstumo por el álbum «Last of the Great Mississippi Delta Bluesmen: Live in Dallas», grabado junto a otros veteranos como Robert Lockwood, Honeyboy Edwards y Pinetop Perkins.
Jessie Mae Hemphill. Jessie Mae Hemphill fue una figura única y pintoresca como reina de la escena del Hill Country Blues en el norte del Mississippi. Ganadora en tres ocasiones del premio a la artista tradicional de blues del año en los premios W.C. Handy Blues Awards de 1987, 1988 y 1994 (posteriormente rebautizados como Blues Music Awards), Hemphill provenía de una larga estirpe de músicos que se remontaba a su bisabuelo Dock Hemphill e incluía a sus padres y tías, así como a su abuelo, Sid Hemphill, que grabó para Alan Lomax y Lewis Jones en 1942. Su música rítmica y tosca era animada y áspera, sin adornos, en contraste con su ropa de lentejuelas, pelucas, sombreros de vaquero y otros accesorios atrevidos.
Grabaciones clásicas de blues (Sencillos)
Bessie Smith: “Nobody Knows You When You’re Down And Out” (Columbia, 1923). La emperatriz del blues Bessie Smith ofreció una de sus mejores y más expresivas interpretaciones en “Nobody Knows You When You’re Down and Out”, un clásico del blues de tiempos difíciles grabado para Columbia en Nueva York el 15 de mayo de 1929. Smith tarareó evocativamente algunas de las líneas con una banda que incluía al cornetista Ed Allen y al pianista Clarence Williams. La canción había sido grabada anteriormente por Pine Top Smith y Bobby Leecan, pero fue la interpretación de Smith la que se convirtió en un clásico influyente.
Ha sido grabada por cientos de artistas, entre ellos Nina Simone, Louis Jordan, LaVern Baker, Sam Cooke, Otis Redding, Eric Clapton y Bobby Womack. En su libro “Bessie”, el biógrafo de Smith, Chris Albertson, sugirió que sus emociones exacerbadas en el estudio pueden haber sido provocadas por las malas críticas de los periódicos esa mañana sobre su única obra de Broadway, “Pansy”. El artista de vodevil Jimmie Cox fue acreditado como autor de la canción. Sin embargo, algunas de sus letras clave habían aparecido anteriormente en partituras en 1906 en una canción llamada “All In Down and Out” con palabras de R.C. McClendon (Cecil Mack).
Sylvester Weaver: “Guitar Rag” (OKeh, 1923). Sylvester Weaver fue el músico de Louisville que introdujo la guitarra en las grabaciones de blues en 1923, primero acompañando a la cantante Sara Martin y luego en sus propios temas solistas, promocionados con una oleada de fanfarrias sobre su técnica innovadora por OKeh Records. Grabó «Guitar Rag» en su primera sesión el 2 de noviembre de 1923 y nuevamente el 1 de abril de 1927 para OKeh en Chicago. Martin recibió un crédito como coautora. El suave tema de slide ha sobrevivido como un estándar de la música country y del western swing, «Steel Guitar Rag», después de que Bob Wills & the Texas Playboys lo grabaran en 1936 con Leon McAuliffe en la guitarra de acero.
Irma Thomas: “Don’t Mess With My Man” (Ron, 1959). “Don’t Mess With My Man”, el primer disco de Irma Thomas, llegó a las listas de R&B de “Billboard” en 1960 y no solo la consagró, sino que también proporcionó a muchas cantantes una canción para darle vida a su repertorio en los años siguientes. Grabada en 1959 para Joe Ruffino y Ron Records en Nueva Orleans, la canción fue escrita por Dorothy LaBostrie, quien escribió “Tutti Frutti” para Little Richard. Los incondicionales de Crescent City, Justin Adams, Robert Parker y Eddie Bo tocaron en la sesión. La canción también se ha grabado y se conoce por su primera línea, “You Can Have My Husband”.
B.B. King: “Why I Sing The Blues” (ABC BluesWay, 1969). Bajo la producción de Bill Szymczyk, B.B. King actualizó su blues tanto en estilo como en temática en la versión del 5 de marzo de 1969 de “Why I Sing the Blues”. En la vibrante interpretación, impulsada por el bajo de Jerry Jemmott, King rastreó el blues y la vida afroamericana desde los barcos de esclavos hasta las condiciones del gueto y la asistencia social.
Dave Clark, más conocido por su trabajo promocional con Malaco y otros sellos, pero también periodista y compositor veterano, contribuyó a la obra como coautor. La banda de sesión de Nueva York estaba formada por Jerry Jemmott (bajo), Paul Harris (piano), Hugh McCracken (guitarra rítmica) y Herbie Lovelle (batería). King había grabado una versión inédita en Chicago en 1968 e hizo una canción diferente con el mismo título en Los Ángeles en 1956.
Su sencillo en el sello ABC BluesWay pasó 14 semanas en las listas de R&B de “Billboard” (15 en “Cash Box”) y también generó algo de fusión pop. La versión de “Live & Well” de King era cinco minutos más larga que la de 45 de tres minutos y medio y presentaba versos adicionales y solos de guitarra de un inspirado rey del blues.
Blind Lemon Jefferson: “See That My Grave’s Kept Clean” (Paramount, 1927). Blind Lemon Jefferson grabó “See That My Grave’s Kept Clean” para Paramount en Chicago en 1928, como continuación de una versión anterior que se publicó bajo un seudónimo religioso, Deacon L.J. Bates, 1927 “See That My Grave’s Kept Clean”. Sus apasionantes interpretaciones afectaron tanto al mundo secular como al sagrado para las generaciones venideras. Además de la imagen lírica de dos caballos blancos, una pala de plata y una cadena de oro, en una toma el maestro del blues de Texas tocó una cuerda de guitarra imitando una campana de iglesia.
A veces titulada “One Kind Favor”, la canción se inspiró en un antiguo espiritual popular y ha sido grabada por Bob Dylan, Lightnin’ Hopkins, Furry Lewis, Hank Williams Jr., B.B. King, Grateful Dead, John Lee Hooker, Mavis Staples (que ganó un GRAMMY por su interpretación) y muchos más.
En concordancia con el favor que Jefferson pidió en la canción, su tumba se mantiene limpia en Wortham, Texas. El primer verso está grabado en su lápida y el cementerio ahora se conoce como Blind Lemon Memorial Cemetery. B.B. King se sintió tan conectado con la canción que, por su deseo, su ataúd fue llevado por dos caballos blancos.
Grabaciones clásicas de blues (Álbum)
Lightnin’ Hopkins: Gold Star Sessions (Arhoolie CDs, 1990-91, originally released on Arhoolie LPs as Early Recordings, 1963, and Early Recordings Vol 2, 1971). Lightnin’ Hopkins grababa a un ritmo frenético para varias compañías a principios de los años 60, utilizando su asombrosa habilidad para improvisar nuevas canciones y adaptar las antiguas sobre la marcha. No tenía mayor fan que Chris Strachwitz, propietario de Arhoolie Records, que se unió a la lucha, no solo grabando a Hopkins de nuevo, sino reeditando los lados clásicos grabados para el sello Gold Star de Bill Quinn en Houston entre 1947 y 1950.
La mayoría de los temas, en los que Hopkins aparecía solo en la guitarra, se publicaron por primera vez en discos de 78 rpm Gold Star, pero varias pistas del LP “Early Recordings” de 1963 y del segundo volumen de 1971 nunca se habían publicado. Hopkins también se sentó al órgano en una sesión. Cada volumen contenía 16 pistas, que se ampliaron a 24 cuando más tarde se publicó en CD (ahora disponible en Smithsonian Folkways).
Las notas de portada de Strachwitz iluminaron la música de Hopkins y sus formas, que incluían ir al estudio de Quinn para grabar algunas piezas cuando necesitaba dinero. Estos son excelentes ejemplos del blues y el boogie texanos del hombre a quien Strachwitz elogió como “el poeta popular más creativo de nuestro tiempo, quien es sin duda el Rey del Blues”.
Literatura clásica de blues
Woman with Guitar: Memphis Minnie’s Blues by Beth and Paul Garon (1992). Paul y Beth Garon reconocieron el estatus icónico de Memphis Minnie como artista de blues de primer nivel y figura feminista simbólica en la publicación inicial de «Woman With Guitar: Memphis Minnie’s Blues» en 1992 por Da Capo Press. Una edición revisada de City Lights Books en 2014 agregó considerablemente a los capítulos sobre su vida y carrera que comienzan el libro, con un prólogo de Jim O’Neal y apéndices y documentación más detallados basados en gran medida en la investigación en línea de varios colaboradores en fuentes no disponibles en 1992.
La sección biográfica actualizó la investigación sobre Lizzie Douglas, cuyo seudónimo se convirtió en Memphis Minnie cuando comenzó a grabar en 1929. A menudo emparejada con su primer marido, Kansas Joe McCoy, o su segundo, Ernest «Little Son Joe» Lawlars, en Memphis y Chicago, se convirtió en una de las artistas de blues más prolíficas y consumadas de los años 30 y 40.
Famosa tanto por su habilidad con la guitarra como por las letras de sus canciones, fue una mujer fuerte, combativa e independiente que se las arregló para defenderse en el mundo del blues de su época, dominado por los hombres. Paul, que escribió el texto, y su esposa Beth, que colaboró en la crucial investigación y recopilación, también se ocuparon de los aspectos creativos de sus canciones y del significado de sus palabras, empleando tanto interpretaciones psicoanalíticas como surrealistas. El lenguaje y los análisis académicos desafiaron a los lectores a encontrar nuevas perspectivas al escuchar blues.
Personajes no artistas (Negocios, producción, medios y academia)
Bob Geddins. Bob Geddins produjo un tesoro de discos que definieron el blues y el góspel de la zona de San Francisco/Oakland en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Si bien el blues de la Costa Oeste suele asociarse con estilos urbanos más suaves y pulidos, los discos más memorables de Geddins a menudo eran crudas incursiones en la desolación y la tristeza; “Tin Pan Alley” de Roy Hawkins es un excelente ejemplo.
Sus producciones reflejaban las influencias y los gustos de muchos trabajadores y músicos negros que emigraron al Área de la Bahía en busca de trabajo durante y después de la guerra desde Texas, Oklahoma, Arkansas y Louisiana. La mayoría de los primeros discos de Lowell Fulson fueron grabados para Geddins, quien también grabó a Jimmy McCracklin, Roy Hawkins, K.C. Douglas, Johnny Fuller, L.C. “Good Rockin’” Robinson, Mercy Dee Walton, Juke Boy Bonner, Saunders King, Sugar Pie DeSanto, Big Mama Thornton y muchos grupos góspel. Los discos a menudo destacaban las hazañas con la guitarra de Lafayette Thomas, Ulysses James o Johnny Heartsman.
