Dave Specter, Kim Field y Josh Smith
Caballeros y genios del blues. Entrevistas con Dave Specter, Kim Field y Josh Smith
Dave Specter: ¡Blues… en el Space!
El guitarrista, director de banda y productor de blues Dave Specter, se ha labrado una reputación internacional como uno de los talentos más destacados de la escena blues de Chicago. Desde 1985, Specter ha actuado regularmente en los mejores clubes de blues y jazz de Chicago, además de en festivales y salas de conciertos de todo Estados Unidos. Desde 1989, Dave ha realizado giras internacionales, con actuaciones en Argentina, Brasil, Israel, Europa, México y Canadá. Antes de formar su propia banda en 1989, Specter realizó extensas giras por Estados Unidos y Europa acompañando a grandes del blues como Son Seals, The Legendary Blues Band, Hubert Sumlin, Sam Lay y Steve Freund.
Specter también ha tocado y grabado con artistas de blues y jazz como Buddy Guy, Junior Wells, Otis Rush, Jimmy Rogers, Robert Jr. Lockwood, Jimmy Johnson, Jack McDuff, Johnny Adams, Snooky Pryor, Kim Wilson, Tad Robinson, John Primer, Johnny Littlejohn, B.B. Odom, Mighty Joe Young, Valerie Wellington, Magic Slim, Lonnie Brooks, Willie Kent, Ronnie Earl, Eric Alexander, Otis Clay, Floyd McDaniel, Pinetop Perkins y Sunnyland Slim.
Ahora, en su 14° álbum con Delmark, Dave Specter Live at Space (2025), él y su excepcional banda escriben un nuevo y emocionante capítulo en esta larga y armoniosa historia. En su casa, en el SPACE, el principal recinto de Evanston, Dave y su impecable banda ofrecen un espectáculo de blues en vivo, capturado con gran intensidad en esta grabación. Es el blues de Chicago del siglo XXI, arraigado en la tradición y abierto al futuro.
Agradecimientos especiales a Dave Specter, Kevin Johnson, Julia A. Miller y Elbio Barilari. Fotos por Ren Picco-Freeman
Recientemente publicaste un álbum en vivo grabado en el Space de Evanston, Illinois. ¿Tienes alguna anécdota interesante sobre la creación del álbum «Live in Space» del 19 de marzo de 2024?
Estoy muy orgulloso de que el álbum se grabara en un solo set, en una sola noche. También creo que el blues y el jazz se capturan mejor frente a un público en vivo y estoy muy contento de tener otro álbum en vivo.
¿Qué te emocionó de las canciones de Magic Sam, Sonny Boy Williamson, Don Nix, Allen Toussaint, Dave Clark y Shelton Brothers que tienes en tu lista de temas?
Magic Sam siempre fue uno de mis bluesmen favoritos de todos los tiempos, ya que su estilo de guitarra combinaba todo lo que me encanta de la guitarra eléctrica de blues: un tono hermoso, fraseo, intensidad, economía y un profundo sentimiento bluesero. Su canto era simplemente increíble.
He grabado «Bluebird Blues» de Sonny Boy varias veces en los últimos 35 años y se ha convertido en una de nuestras canciones emblemáticas. Un blues lento clásico al estilo de Chicago, la canción que dio título a mi primer álbum. Escuché por primera vez la grabación original de Otis Rush de «Homework» hace décadas y siempre me encantó. Peter Green grabó una de mis versiones favoritas en los estudios Chess con Fleetwood Mac, y mi amigo Peter Wolf también la ha interpretado y grabado en sus propios álbumes y con J. Geils.
Mi hermano John Kattke incorporó «Same Old Blues» de Don Nix a nuestro repertorio y, por supuesto, nos encanta la versión clásica de Freddie King. Hermosos cambios de acordes y una letra genial que cuenta una historia cautivadora.
La composición de Allen Toussaint está a un nivel que pocos pueden igualar. Es un rey de la música estadounidense y me enorgullece haber versionado una de sus canciones, que también cuenta una gran historia con importantes lecciones de vida. «Deep Elem Blues» es una canción que escuché por primera vez con The Grateful Dead y luego descubrí muchas versiones anteriores que se remontaban a unos 100 años atrás, interpretadas por una gran variedad de artistas. Tiene un ritmo genial con letras geniales y divertidas.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
El crecimiento artístico es un viaje que dura toda la vida y, después de más de 40 años tocando la guitarra, siento que mi crecimiento se refleja en el desarrollo de mi forma de tocar, en un estilo y un sonido personal y característico. Realmente no veo mi música en términos de «proceso», sino más bien en términos de sentimiento.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuál es el equilibrio entre la técnica (habilidades) y el alma (emociones) en la música?
No puedo nombrar un solo momento, pero después de 4 años acompañando a artistas como Son Seals, Sam Lay, Steve Freund y The Legendary Blues Band, supe que necesitaba formar mi propia banda para expresar lo que realmente tenía que decir como músico.
¿Qué estás haciendo para mantener tu música relevante hoy en día, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
No pienso en esos términos, pero pocas cosas me hacen más feliz que tocar para un público más joven y ver lo bien que reaccionan y aprecian mi música.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música en la sociedad actual?
Como dijo Otis Spann: «El blues nunca muere». Probablemente haya más bandas de blues hoy en día en el mundo que nunca, y no creo que tengamos nada de qué preocuparnos, salvo por la calidad de la música. Es muy importante que el blues se presente mucho más a un público más joven. Ojalá más promotores organizaran giras por universidades para llegar a un público más joven.
Kim Field: El perfecto caballero del blues
Kim Field, armonicista, guitarrista y cantante de renombre internacional, comenzó su carrera musical en Nueva York, donde trabajó con los Sting Rays, grupo dirigido por el ganador del Grammy Phil Schaap. Al regresar a su ciudad natal, Seattle, formó equipo con Isaac Scott, colaborando en dos álbumes con el legendario guitarrista. A lo largo de su extensa carrera, Field ha colaborado con leyendas del rhythm and blues como Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan, Robert Cray, los Fabulous Thunderbirds, Gregg Allman, James Cotton, Otis Rush, John Lee Hooker, Albert Collins, los Righteous Brothers, Walter Horton y Big Mama Thornton.
Field también es autor del libro Harmonicas, Harps and Heavy Breathing (Rowman y Littlefield) y coautor de The Blues Dream of Billy Boy Arnold (University of Chicago Press). En “Don’t Need But One” (2025), el álbum debut de 11 canciones de Kim Field and the Perfect Gentlemen, la banda continúa consolidándose como uno de los grupos de R&B más prestigiosos del noroeste del Pacífico. Este lanzamiento es un álbum extraordinario que combina magistralmente canciones enérgicas y conmovedoras con un aire bluesero.
Agradecimientos especiales a Kim Field y Frank Roszak. Fotos por Debra Penk
¿Cómo ha influido la contracultura del blues y el rock en tu visión del mundo y en tus experiencias? ¿Qué significa el blues para ti?
Soy un hombre blanco estadounidense. La música, especialmente el blues, me ha abierto las puertas a la cultura afroamericana, una de las más ricas del mundo. Mi vida habría sido mucho más pobre sin mi exposición a la cultura afroamericana. El blues ha tenido más influencia en mi visión del mundo que cualquier otra cosa en mi vida. Mi amor por el blues me llevó a adentrarme en otras músicas estadounidenses influenciadas por él, como el jazz, el rock and roll y el country & western, así como en la música indígena de otras culturas.
El blues es una música afroamericana. Los ritmos, las tonalidades y el enfoque narrativo del blues provienen de la música africana, pero los afroamericanos crearon el blues con instrumentos occidentales como el piano y la guitarra. Y, musicalmente, el blues es una fascinante combinación de escalas mayores y menores. Fundamentalmente, el blues obtiene su poder, su popularidad y su profunda belleza porque se centra en la narración. Es, ante todo, música vocal.
¿Cómo describes tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿Cuál es el equilibrio entre técnica y soul en la música?
Me gusta formar parte de una gran banda. Me gusta un sonido de conjunto, una banda con identidad musical. Creo que es importante tocar con músicos que sean mejores que tú. The Perfect Gentlemen son una banda de verdad. Todos saben tocar de verdad y todos se comprometen a que la banda suene bien. Todos somos diferentes, pero el blues es nuestro punto en común, así que Don’t Need But One, es esencialmente un álbum de blues.
Todos tenemos buen oído y apreciamos y podemos tocar muchos de los estilos que se engloban en el blues, así que en el álbum ofrecemos piezas con un sonido hardcore de Chicago, instrumentales con influencias de jazz, baladas soul, shuffles con sección de vientos, etc. Tienes que aportar tu propia contribución al género, así que todas las canciones de Don’t Need But One, menos una son originales escritas por mí o por Vyasa Dodson. Una colección genial e interesante de material original de una gran banda con un sonido único: así es como describiría el álbum.
¿Por qué crees que el legado musical de Billy Boy Arnold sigue generando muchos fieles seguidores?
Billy Boy es un gran artista que siempre se ha centrado en la música original interpretada de forma original. Está profundamente imbuido de los estilos clásicos del blues de figuras como su ídolo musical, John Lee Williamson, pero esas influencias le enseñaron, de niño, que la clave para una carrera musical sólida era contar tu propia historia y tener tu propio sonido. ¡Y los discos de Billy Boy suenan fantásticos! Es un tesoro nacional y un gran ser humano. Trabajar con Billy Boy en sus memorias fue una de las mejores experiencias de mi vida.
¿Qué encuentros han sido las más importantes para ti? ¿Cuál fue el mejor consejo que te dieron?
Tenía 17 años y era trompetista cuando vi a James Cotton por primera vez. Tocó «Blues in my Sleep», un instrumental de blues lento con armónica, y fue el sonido más hermoso que jamás había escuchado. Compré mi primera armónica al día siguiente.
Tuve la inmensa suerte de conocer a Paul Oscher y Walter Horton cuando era joven y estaba empezando. Conocí a Paul a los diecinueve años, y él pasó tiempo conmigo y me explicó los fundamentos de la armónica de blues. Ambos vivíamos en Nueva York, y tuve la suerte de ver a Paul tocar en vivo bastante por aquel entonces, y me causó una profunda e imborrable impresión. Paul era un genio. Uno o dos años después, me fui de aventón hasta Boston dos o tres veces para ver a Walter Horton, quien tocaba allí a menudo con Johnny Nicholas. Era simplemente fenomenal.
Pasé una tarde en Nashville con DeFord Bailey, uno de los mejores armonicistas de la historia. Fue la primera gran estrella del programa de radio Grand Ole Opry, lo cual es fascinante porque era un hombre negro. DeFord tenía un estilo absolutamente único, extremadamente difícil técnicamente, pero también conmovedor. Lo encontré durante un viaje por todo el país y simplemente llamé a su puerta. Fue increíblemente amable. Ese día tocó la armónica, la guitarra y el banjo clásicos para mí. Fue como conectar con otra era musical.
¿Tienes algún recuerdo de conciertos, improvisaciones, actuaciones y sesiones de estudio que te gustaría compartir con nosotros?
Una vez abrí un concierto de Walter Horton en Seattle y me invitó al escenario para tocar el último set con él. Fue la mejor experiencia musical de mi vida. Toqué con Otis Rush tres noches seguidas en un club de Seattle. Era un guitarrista increíble, pero estar a su lado en el escenario mientras cantaba fue una experiencia increíble.
¿Qué es lo que más extrañas hoy en día de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Me gusta mirar hacia el futuro, pero extraño el verdadero blues. Tengo la edad suficiente para haber visto a Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Lightnin’ Hopkins, John Lee Hooker y a otros artistas en vivo y en persona, y aunque todos tenían estilos muy diferentes, todos se centraban en la narrativa, tocaban ritmos increíbles y nunca apresuraban el ritmo, y su música tenía mucho espacio.
Ese es un enfoque que casi ha desaparecido. Gran parte de lo que hoy se conoce como blues tiene mucho más que ver con el legado del rock and roll que con la historia del blues. No me siento resentido por eso. Simplemente me hace apreciar aún más el verdadero blues con el que crecí. Me preocupa el envejecimiento del público del blues. Creo que esperaba que hubiera un Stevie Ray Vaughan cada década, más o menos, que introdujera una nueva inyección de energía y pasión al género, pero no ha sido así.
¿Cuáles fueron las razones que hicieron de la década de 1960 el centro experimentación sobre psicodelia, folk, rock y blues?
Los sesenta fueron especiales en cuanto a música porque todos los géneros que acabas de mencionar se popularizaron a pesar de la industria musical, y no gracias a ella. Con el tiempo, el negocio se puso al día y tomó el control, pero en los sesenta no existían las categorías comerciales que surgieron poco después.
La radio FM era nueva, y esas emisoras estaban dirigidas por jóvenes disc jockeys hippies que ponían todo tipo de música al aire. Y cuando ibas a conciertos, veías una triple cartelera con Albert King, Janis Joplin y el Sexteto de Charles Lloyd. Cada programa de radio y cada concierto en vivo, parecía, te exponía a música totalmente nueva, y parte de ella era pegadiza. Vi a Ike y Tina Turner porque abrieron para los Stones. En aquella época, el panorama musical parecía muy abierto.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a la gente?
Lo bueno de la música es que los oyentes pueden disfrutar de lo que los músicos ofrecemos como quieran. Supongo que me encantaría pensar que algo que toqué hizo que un joven trompetista del público esa noche cambiara a la armónica.
Josh Smith: ¡Blues de verdad, vida de verdad!
El virtuoso de la guitarra de blues rock, cantautor y productor, Josh Smith, es aclamado mundialmente como un maestro de la guitarra con un talento innato y una potencia desbordante. Combinando su emblemática mezcla de blues, rock y jazz en dinámicas canciones originales, Smith es conocido por sus incendiarias actuaciones en vivo, ya sea en los Premios Grammy o en los Kennedy Center Honors con Mick Jagger, Raphael Saadiq y otros. Además de realizar giras mundiales, grabar y actuar con artistas de renombre como Joe Bonamassa, Eric Johnson, Andy Timmons, Kirk Fletcher y otros, Smith también es productor y propietario de Flat V Studios en Los Ángeles.
Agradecimientos especiales a Josh y Niki Smith. Foto © por Mackenzie Lenora
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué se ha mantenido igual en tu proceso de creación musical?
Espero que lo que se haya mantenido igual sea la ética de trabajo, el empuje y la pasión. Sigo amando hacer música y espero que eso nunca cambie. Todo lo demás ha evolucionado a través de la experiencia, el crecimiento y los retos que nos imponemos a lo largo de una vida dedicada a una sola actividad. Toda la producción, las sesiones, los arreglos, la composición, el trabajo con otros artistas, etc., me han convertido en un artista mucho mejor y más completo.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
Para mí, no hay un solo momento que destaque como el más crucial. Han sido una serie de momentos a lo largo de mi vida. He tenido la suerte de tener muchos momentos destacados. Tocar con Raphael Saadiq durante años y conocer a mis amigos Calvin Turner y Lemar Carter han sido fundamentales en mi vida musical. Acompañar a Mick Jagger en los Grammy es un momento inolvidable. Grabar un álbum de Big Band fue un sueño hecho realidad. Tocar con mi hermano Joe Bonamassa con orquesta completa en el Hollywood Bowl. Son cosas que nunca daré por sentado.
Actualmente has publicado tu segundo libro, «Modern Blues Guitar Phrasing». ¿Cómo surgió la idea? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica (habilidades) y el alma (emociones)?
La idea del libro me pareció genial. Abarca cómo aprendí y crecí escuchando a mis ídolos. Muestro a los lectores los ejemplos o la chispa inicial que obtuve de todos ellos y cómo esas ideas se convirtieron en elementos fundamentales de mi vocabulario personal. No creo que haya existido un libro con ese enfoque todavía.
Estoy muy orgulloso de él. Por supuesto, el equilibrio entre la técnica y el alma es un objetivo en constante evolución. Siempre estoy creando una mezcla de mi corazón, mi mente y mis manos. ¿Qué sé tocar, qué siento tocar y qué puedo tocar físicamente?
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música en la sociedad actual?
El blues es una música que nunca desaparecerá. Es, por supuesto, la base de toda la música popular. Debe ser respetada y preservada, a la vez que impulsada por nuevos artistas e ideas. La música en su conjunto parece haber cambiado su papel para las generaciones actuales. Ya no veo la misma dependencia de la música que observaba de niño. Ahora es solo un producto, algo gratuito que la gente escucha por diversión. Fácil de encontrar y fácil de olvidar.
¿Cuál ha sido el obstáculo más difícil de superar para ti como persona y como artista? ¿Te ha ayudado esto a convertirte en un mejor músico de blues?
El mayor reto siempre es descubrir cómo darlo todo por algo y también crecer como persona adulta. A veces se olvida que los artistas tienen todo lo que tienen los demás: familias, facturas, preocupaciones y conflictos. De eso se trata el blues y siempre se ha tratado. ¡La vida real!
¿Qué estás haciendo para mantener tu música vigente hoy, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
Nada. Simplemente toco y compongo la música que me llega. Agradezco si alguien de cualquier edad o generación está interesado y quiere escuchar o apoyar. Mi forma de promocionar las cosas ha cambiado con el tiempo, pero para mí la música siempre está impulsada por mi narrativa y mis deseos.
La primera gira europea bajo tu nombre. ¿Por qué crees que el blues sigue generando muchos fieles seguidores en Europa?
Europa siempre ha apoyado maravillosamente el blues. Me ha encantado ir de gira allí toda mi vida. Estoy muy contento de volver por primera vez como solista desde antes de la pandemia. Los fans de allí buscan la música que aman y la apoyan de una forma más parecida a como se hacía en Estados Unidos antes de que yo naciera.
Si pudieras cambiar algo en el mundo musical y se hiciera realidad, ¿qué sería?
Haría que la música en streaming desapareciera para que la gente volviera a comprar toda la música que escucha. Eso fue lo que permitió que todos los artistas que idolatramos de niños se convirtieran en las leyendas que son y cambiaran la suerte de sus familias. La música no debería ser gratis. Nunca lo fue. Era un privilegio ahorrar y comprar la música de los artistas que amábamos. La gente hacía sacrificios para lograrlo. Así de mucho amaban la música. Eso se ha ido para siempre y, por desgracia, nunca volverá.
