Angela Strehli: La Dama canta el Blues
Angela Strehli: La Dama canta el Blues. Fotos por Paul Moore
Durante más de 55 años, la voz de Angela Strehli (La reina del blues de Texas), ha recorrido el género con la misma intensidad que la sangre recorre un corazón. Su influencia se siente en el legado del Antone’s, el icónico club de blues de Austin que ayudó a fundar junto a Clifford Antone, y donde actuó y entabló amistad con figuras como Muddy Waters, Albert King, Otis Rush, Jimmy Reed y muchos otros.
Su álbum Ace of Blues (2022) rinde homenaje a los artistas que la inspiraron a lo largo de su carrera e incluye versiones de canciones que se hicieron famosas por Elmore James, Chuck Berry, Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Otis Clay y muchos más. Concluye con «SRV», un hermoso y personal homenaje a Stevie Ray Vaughan. Siendo la única canción original de este disco. Celebra su amistad, conexión creativa y vínculo musical con una de las interpretaciones más emotivas, hipnóticas y contundentes del material.
¿Qué significa el blues para ti?
Para mí, fue algo que, cuando lo escuché por primera vez, me impactó mucho. Estaba en la radio y no sabía qué era, no sabía cómo llamarlo, simplemente me atrapó. Así que tuve que descubrir qué era y dónde encontrarlo. Y eso fue lo que empecé a hacer.
Muchas experiencias en tu vida, y en la música, ¿cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de ellas?
En cierto modo, sentí que tuve algunas oportunidades cuando era joven, diría que a los veinte, de grabar, pero pensaba que no había tenido suficientes experiencias vitales para realmente poder cantar blues.
Aunque me atraía la música, sentía que necesitaba vivir un poco, para saber realmente de dónde venía y de qué estaba hablando, porque el blues realmente trata sobre la vida y la verdad.
Eres música y licenciada en sociología y psicología. ¿Cuál es el impacto del blues? ¿Cuál es el impacto de la cultura del blues en las implicaciones socioculturales?
Esa es una pregunta importante, gracias. Creo que, por un lado, desafortunadamente, crecí en una parte de Estados Unidos donde no estuve expuesta a ciertas cosas, como la música de la comunidad negra. Hasta que tuve la edad suficiente para descubrir cosas por mi cuenta, así que sentí que, especialmente en Europa y Japón, todas esas personas habían estado expuestas a la música que descubrí mucho más tarde de lo que hubiera preferido, ¿verdad?
Porque crecí en el oeste de Texas y allí no se escuchaba en la radio. Así que sentía que no se reconocía en ciertas partes del país y que la raza tenía algo que ver. Las cosas son diferentes ahora, gracias a Dios. Pero no cuando era joven. No era por prejuicios, simplemente no se reconocía algo que forma parte de la música estadounidense y que debería ser apreciado y respetado. Y ahora sí, por supuesto, pero tardó un tiempo.
¿Qué es lo que más extrañas hoy en día de la música del pasado?
¡Caramba! La gente. Mis ídolos que conocí. Fueron quienes realmente nos abrazaron, quienes solo intentaban aprender, y nos abrazaron porque querían que la música continuara, ¿sabes? Y que continuara de una manera respetuosa que, obviamente, nos enseñaron sobre las raíces, de dónde venía la música y a todas las personas que nos dieron esa maravillosa música. Tuvimos que descubrirla en mi época.
Hablas de todos estos grandes músicos y personalidades, y estoy seguro de que uno de los más importantes fue Clifford Antone. ¿Tienes algún recuerdo de Clifford que te gustaría compartir con nosotros?
Claro. Clifford era un apasionado del blues. Cuando empezó a salir y a escuchar a gente como yo, intentaba hacerlo y se dio cuenta de que ni siquiera teníamos un lugar adecuado para tocar nuestra música. Pensó: “Oh, eso está mal”. Y además: «Bueno, quizás si educo a la gente, invitando a los verdaderos maestros que aún viven, quizás a los músicos más jóvenes que intentan triunfar, puedan abrir el concierto de sus ídolos, compartir el escenario, conocerlos y todo eso«. Así que eso fue lo que hizo, lo que hicimos, debo decir, porque formé parte de la fundación de Antone’s, la sala y también del sello discográfico, la compañía musical.
¿Qué significa ser una artista, una música, en un mundo de hombres, como decía James Brown?
Es cierto, es un muy buen punto. No sé si quiero meterme en un aprieto. Y en el fondo pensaba: «No tengo ningún ejemplo a seguir«. Soy una mujer que intenta hacer esta música y, por supuesto, gente como Muddy Waters y muchos otros fueron mis ídolos, y eso fue reconfortante, pero no tenía muchos ejemplos como vocalista.
Había mujeres maravillosas en los años 30 y 20 que incluso hacían ese estilo de blues, pero yo nunca las había seguido, nunca me había cautivado tanto el clásico, creo que lo llamaban blues clásico en aquel entonces. Me gustaba la música que venía del campo y llegaba a lugares como Chicago, y eso fue lo que me atrapó, por alguna razón.
¿Qué es la felicidad para Angela? ¿Cuál crees que es la clave para una vida plena?
Para mí, la felicidad es poder trabajar con músicos maravillosos que me inspiran a cantar; de lo contrario, soy una intérprete muy reticente. Pero también es la gente la que quiere escucharla. No me gusta cuando estoy en el escenario y las luces me impiden ver a la gente a la que le canto; no me gusta eso. Me gusta mirar a la gente directamente a los ojos, porque les canto, canto para ellos, y esa es mi alegría.
Y además, los músicos que me rodean… Siempre he intentado contar con los mejores músicos posibles, porque no podía expresarlo sin que ellos lo hicieran surgir de mí con su maravillosa forma de tocar, así que he tenido mucha suerte. Y por eso, con este disco, seleccioné dos bandas diferentes, según el estilo, lo cual me resultó interesante.
¿Cuáles son las diferencias y similitudes en tu trayectoria musical?
Creo que tengo mucha más confianza en lo que hago. Además, mi esposo, su familia y yo tenemos un local, lo que ha sido un lugar maravilloso para interactuar con otros músicos de todo tipo. Además, formé un grupo de cuatro mujeres, «The Blues Broads«, que eran cantantes maravillosas y ahora somos muy buenas amigas. Fue una experiencia fantástica reunirlas y sentir que lo pasamos genial juntas en el escenario.
Hablábamos de mujeres y no podía sentir que yo hubiera tenido esa experiencia. Bueno, ahora la he vivido y he sido parte de ella, así que me emociona. Hay mujeres más jóvenes que me admiran, como Sue Foley, que es un buen ejemplo porque grabó algunas canciones mías. Es maravilloso pensar que la tradición continúa. Puede que se pierda gente por otras cosas, otros estilos de música o simplemente otras ocupaciones, pero no va a desaparecer; se mantendrá gracias a la gente joven que aún ve el valor de aprenderlo y tocarlo.
Ahora estás en California, pero tu nombre es sinónimo de Texas. Desde Blind Lemon Jefferson hasta Peppermint Harris, Johnny Winter, Albert Collins, los bluesmen de los 70, Kim Wilson, Jimmie Vaughan, SRV y muchos otros, ¿por qué crees que el blues texano sigue desarrollando una base de seguidores tan devota?
Esa es una gran pregunta. Creo que podemos estar muy agradecidos por nuestra historia allí. Texas es un lugar enorme con gente de todo tipo y, de hecho, yo estaba fuera de Texas estudiando en la universidad y me di cuenta de lo que me estaba perdiendo.
Extrañaba a toda la gente negra, a la gente latina, que eran parte de Austin tan importante como el resto de nosotros. Y tener esa mezcla cultural. Creo que ha sido maravilloso para Texas. Hay checos allí, gente de Checoslovaquia y de otros lugares que se asentaron en Texas y trajeron sus instrumentos, como el acordeón, la tuba, etc., y eso es popular y, mezclado con la música mexicana, realmente lo hizo posible.
Muchos jazzistas son de Austin y Dallas, así que fue difícil estar a la altura. Considero que fue una verdadera meta, una verdadera inspiración tener todos esos diferentes estilos musicales representados en un solo espacio. Y era algo a lo que aspirar, poder formar parte de ello.
¿Cuál es el equilibrio en la música, y especialmente en el blues, entre la técnica y las emociones del alma?
Sí, la tecnología ha avanzado mucho, pero no llego tan lejos. A ver si puedo explicarlo. Cuando estaba grabando este disco, una vez que la banda se sintió cómoda con la configuración y el sonido en el estudio, me lancé a la primera toma. ¿Sabes qué es una toma? Es la primera vez que la gente graba en el estudio, así que normalmente la primera toma es un desperdicio, diría yo.
Todavía están ajustando algunas cosas y te animan a seguir haciendo la misma canción porque quieren hacer más cosas. Bueno, yo lo había desaconsejado. Te decía: «Mira, a menos que haya algo terriblemente mal, vamos, vamos«, porque sentí la energía y la inspiración de la canción mejor cuando la canté por primera vez en el estudio. Y eso es lo que quería: esa primera idea, esa primera inspiración de la canción misma.
Después de hacer esto, si por alguna razón tienes que repetirlo, para mí se pierde algo cada vez. Y la mayoría de los artistas no son así; quieren hacerlo hasta que sienten que es perfecto, pero no pensé que la perfección fuera tan importante como la sensación y la energía que la canción me transmitió.
Has conocido a muchos músicos legendarios. ¿Cuáles han sido los encuentros más importantes y cuál ha sido el mejor consejo que te han dado y que mantienes como un lema en tu vida?
Bueno, Muddy Waters fue uno de ellos, y lo hizo. Nos tomó bajo su protección, es una frase que se usa a veces. Porque sabía lo serios que éramos al intentar interpretar esos estilos correctamente. Y por eso, se tomó un tiempo para observarnos y sugerir un par de cosas. Y para ser más específica, nadie me ha preguntado esto nunca, algo que Muddy me dijo fue: «Cuando cantes, necesitas fijarte en la última parte de la frase. No saltes a la siguiente frase, ni a la siguiente, simplemente fijate en ella unos segundos”. Y ese fue un consejo maravilloso.
Funciona, ahora tiene sentido, por supuesto. Fue una inspiración maravillosa para el resto de nosotros. Creo que él pensaba que era importante transmitir ese conocimiento a quienes iban a continuar con su música. Porque, para empezar, sus hijos, sus nietos, su generación, no estaban necesariamente interesados en aprenderlo, no estaban interesados en hacerlo. En dedicar sus vidas.
Claro, los jóvenes van a hacer lo suyo, así que no iban a seguir con el blues como lo llevábamos en el corazón. Eso fue lo que él reconoció: que haríamos todo lo posible por hacer esta música bien, ser respetuosos con ella y que perdure. Porque hay muchos jóvenes que simplemente no están interesados; así son los jóvenes, quieren hacer lo suyo.
¿Cuáles son tus esperanzas y tus miedos sobre la música, especialmente el blues?
Tengo mucha esperanza. Creo que mucha gente hace las cosas por las buenas razones. Creo que hay buenas discográficas. Me siento afortunada de tener una discográfica muy buena; no sabía qué iba a hacer con esta grabación.
Mi esposo simplemente me animó y me dijo: «Mira, deberías grabar, conoces a grandes músicos, tu voz está mejor que nunca y todo eso«. Así que me empujó a hacerlo y me dijo: «Mira, tus fans agradecerán saber de ti«. Así que, cuando lo planteó así, pensé: «Bueno, siempre he pensado que debería intentar devolver algo a la música, y aunque no tenga canciones originales que aportar, tengo todas estas otras canciones, y por supuesto, terminé teniendo una original mía inspirada en Stevie Ray Vaughan, un querido amigo».
Así que, aunque salió en un disco anterior, ese disco no se escuchó mucho, no se distribuyó bien ni se le dio tanta publicidad. Así que tuve otra oportunidad de que se escuchara esa canción, y eso significó mucho para mí en este disco. Y luego pude hacer una canción góspel, como siempre en cada disco tengo una canción góspel, porque esa música también es una gran inspiración; canciones que surgieron de una iglesia negra.
Así que eres música, empresaria, esposa, tienes tu propio rancho, eres una persona con múltiples talentos. ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Lo considero como una fuerza espiritual que te llega sin esfuerzo propio. Fue solo un toquecito afortunado en el hombro de alguien, en algún lugar. No puedo explicarlo. Me alegro de que haya sucedido y de haberlo hecho, pero nunca hubiera soñado con tener una carrera como cantante. Cuando los jóvenes cantantes se desaniman o algo así, les digo que no me querían en el coro del instituto, que no querían mi voz en el coro del instituto.
Podría haberme desanimado mucho, incluso de pensar en tener una carrera musical, pero simplemente lo dejé pasar, me pareció bien y recibí mucha ayuda en el camino. Otras personas y otros artistas me animaron, y eso es algo que asumo como mi propia responsabilidad ahora: animar a otros que lo tienen en el corazón, a quienes quieren hacer lo que quieren.
Viajemos en una máquina del tiempo ¿adónde quisieras ir en ella, al pasado o al futuro?
Bueno, en realidad, disfruto de un estudio un poco científico. Según entiendo, el tiempo, el pasado, el presente y el futuro existen ahora mismo. No necesariamente vemos el futuro, pero sí existe ahora. Creo que si dejas ir tu propio deseo de controlar las cosas, si lo dejas ir y permites que tus otros sentidos, que no necesariamente reconocemos, te lleven a algún lugar. Si simplemente te abres a esa posibilidad, hay otras fuerzas ahí fuera que pueden llevarte a los lugares correctos si las dejas. Intento hacerlo.
John Coltrane dijo: «Mi música es la expresión espiritual de lo que soy». Entonces, ¿cómo entiendes el espíritu, la música y el significado de la vida?
Creo que es muy difícil para un ser humano comprender quién es. Quizás alguien externo pueda mirarte y quizás entienda quién eres. Pero creo que es muy difícil para nosotros tener esa perspectiva. Así que tenía razón, porque esa es la forma de expresarlo; por ejemplo, en mi caso, la música blues revela quién soy, incluso a mí misma.
¿Cuáles fueron los momentos más destacados de tu carrera y cuáles los más difíciles?
Bueno, lo más destacado es que, incluso cuando empezamos a tocar blues, no mucha gente quería escucharlo. Es decir, incluso en la comunidad negra, el blues se había eliminado de la radio; creo que la música disco se había apoderado de las emisoras. Ya sabes, eso es lo que pasa: los estilos evolucionan en la cultura popular.
Así que todo eso había desaparecido de la cultura popular y la gente dudaba de lo que intentábamos hacer o por qué lo hacíamos. Pero quienes nos animaron, algunos de esos músicos de los que hablé, eran la comunidad negra y gente mayor que aún quería escuchar esa música. Nos recibieron con los brazos abiertos y fue divertidísimo.
Además, quiero mencionar que ningún otro local nos rogaba que tocáramos allí; la verdad es que no lo entendían; había otras cosas más populares en aquel entonces. En fin, fue una experiencia maravillosa pasar tiempo con la gente negra que nos animaba, disfrutaba de lo que hacíamos y nos hacía sentir como en casa. Es una experiencia indescriptiblemente maravillosa.
Sabes, fui corista en una banda liderada por un músico maravilloso llamado James Polk, quien tocaba cualquier instrumento imaginable, diversos estilos de música. Sabía muchísimo de todo, y esa fue mi oportunidad de cantar en una banda con un líder profesional; creo que acababa de dejar su puesto como líder de Ray Charles. Tenía muchísimos conocimientos y fue generoso al transmitirnoslos.
Tuvimos la oportunidad de abrir un concierto de James Brown porque era amigo suyo. Fue un momento memorable, poder abrir ese concierto. Porque nadie abría para James, si lo piensas, si alguna vez ibas a un concierto de él, no había teloneros. Eso no formaba parte del contrato, así que fue uno de los honores.
También me sentí honrada porque Stevie Ray Vaughan apreciaba tanto nuestra amistad que, cuando se hizo famoso y, por ejemplo, fue a tocar al Carnegie Hall, sin duda estuve en el concierto. Eso es algo que puedo contarles a mis padres: pude actuar en ese escenario.
¿Cómo quieres que tu nuevo álbum impacte a la gente?
Bueno, además de mi deseo de cantar un par de blues intensos, estaba el aspecto divertido. Canté esa canción de Chuck Berry; era un poeta, eso fue lo que me impresionó de él. No sé si puedo responder a eso correctamente.
Porque creo que cada persona se identifica con ella de forma diferente por diferentes razones, así que para mí eso es fascinante en sí mismo. Y la gente quiere contarte, hablarte de tu disco y de cómo les impactó. Así que siempre me asombra. Porque podría haber pensado que transmití algo de cierta manera, y que significó algo específico.
Bueno, créeme, cada persona recibe este tipo de cosas de forma diferente; no se puede predecir ni explicar qué les aporta. Creo que es muy cierto. No se puede estar seguro de lo que alguien sintió al escucharme hacer eso. Creo que los oyentes contribuyen tanto como yo. “I love the life I live” (Willie Dixon) es quizás la canción más filosófica del mundo.
¿Cuál ha sido el obstáculo más difícil de superar como persona y como artista que te ha ayudado a convertirte en una mejor música de blues?
Lo único que mencioné fueron los llamados puristas que decían que no podíamos hacer esa música bien o que no debíamos. No estábamos tan cualificados de donde veníamos. Hablé de ser de clase media y de no haber pasado por la miseria como mucha gente que cantaba blues. Pero sabía lo suficiente sobre la miseria como para que significara mucho para mí, e intenté adentrarme en ella. Y lo que salió es lo que esperaba que saliera, para que otras personas pudieran identificarse realmente con lo que hacía.
