Entrevista con Rod Piazza
Entrevista con Rod Piazza: La Armónica Ardiente del Poderoso Bluesman
Rod Piazza, líder de banda de blues, armonicista y cantante afincado en California, debe sus agudos y estratofónicos solos de armónica a Little Walter y George «Harmonica» Smith. Piazza comenzó su carrera profesional como miembro de la Dirty Blues Band a mediados de los 60, donde desarrolló su propia técnica y estilo, que culminaron en su álbum debut como solista, Bluesman, de 1973.
A partir de 1980, empezó a tocar con los Mighty Flyers, banda que formó con su esposa, Honey Alexander, tecladista. Su sonido boogie combina jump blues, blues de la Costa Oeste y blues de Chicago. Piazza creció en el sur de California, donde estudió discos de blues y perfeccionó su técnica con la armónica.
Originalmente empezó con la guitarra, instrumento que comenzó a tocar a los siete años. A mediados de los 60, Piazza formó su primera banda, House of DBS, que más tarde cambió su nombre a Dirty Blues Band. La banda se disolvió en 1968, y Piazza formó Bacon Fat con su ídolo y mentor, George «Harmonica» Smith, creando un sonido de armónica dual.
Durante la siguiente década y media, Piazza y Smith actuaron juntos con frecuencia y también grabaron ocasionalmente. En 1969, Bacon Fat lanzó su álbum debut homónimo con el sello Blue Horizon. Mientras actuaba con Smith, Piazza también publicó sus propios álbumes como solista.
Muchas experiencias en tu vida y en la música. ¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia?
La más importante la aprendí cuando me uní a la banda Bacon Fat y trabajamos juntos durante años. Me enseñó el significado de conectar con el público en el escenario y emocionarlo con la música que toco. Simplemente interpretar canciones que habías aprendido, fusionarte con la música, ser capaz de transmitir la emoción. Esa fue una de las lecciones principales que aprendí. Diría que otra es que nunca se acaba. Siempre he dicho que cuando tienes que decir algo en un solo, es hora de terminarlo. En tercer lugar, diría que mantenerse dentro de tus límites es fundamental.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica y la emoción?
Creo que debe ser alrededor del 70%, o digamos el 60%, de pasión y sentimiento, y el otro porcentaje de técnica. Ahora, nos estamos centrando demasiado en la técnica, dejando la música en segundo plano.
¿Qué significa el blues para ti?
Para mí, el blues ha sido una forma de música, una manera de expresar mi habilidad para interpretar las canciones que he amado y una forma de conectar con la gente y hacerla sentir bien. Ya fuera que vinieran a verme a un festival o si lograba alegrar a la gente con mi música. Creo que eso es lo que el blues ha significado para mí.
De Chicago Flying Saucer a Mighty Flyers, ¿cuál es la historia detrás del nombre de la banda: Mighty Flyers?
Bueno, Chicago Flying Saucer Band era demasiado largo. Tuvimos un nuevo mánager y nos dijo: «Cambiémoslo a Flyers«. Y yo le dije: «Bueno, démosle algo más específico, que sea Mighty Flyers«. Y así fue como, en 1980, ese se convirtió en el nombre de la banda.
Has viajado por todo el mundo: Europa, Estados Unidos, Japón. ¿Encuentras alguna diferencia o similitud entre las escenas locales de Estados Unidos, Japón y Europa?
Solo trabajé en Japón una vez, pero la respuesta fue fantástica. Realmente apreciaron la música. He dado muchísimos conciertos en Europa, siempre con respeto e interés, escuchando atentamente todo. Diría que con la misma profundidad que en Estados Unidos. Sigue siendo genial. Creció en los años 60 y 90. Había un auge del blues, y obviamente hoy en día también, pero creo que en Europa se apreciaba muchísimo todo lo que hacías en el escenario.
¿Qué es la felicidad para Rod? ¿Qué crees que es clave para una vida plena?
Creo que si encuentras la felicidad en quien eres, en lugar de añorar quien no eres, puedes encontrar la felicidad en el alma, yo estoy contento con quien soy ahora. Bueno, no tanto como antes. La clave es la música. Tengo otros pasatiempos. Mi tiempo y mi amistad han sido lo más importante. Y lo siguen siendo.
Tuviste la suerte de trabajar con Mike Vernon. ¿Cómo surgió esa relación con Mike?
Mike Vernon tenía Blue Horizon Records y acababa de perder a Peter Green y Fleetwood Mac. Se fueron a otra gran discográfica. Así que vino a Estados Unidos buscando a alguien para firmar con su sello, Golden Bear y Huntington Beach. Me vio a mí y a George Smith abriendo para Blue Horizon y me pidió que firmara un contrato discográfico con Blue Horizon y que fuera de gira por Inglaterra en 1970.
Eso sería alrededor del 68. También le pregunté si le gustaría George Smith, y dijo que sí. Así que grabamos el disco No Time for Jive justo después de terminar el disco Bacon Fat, el mismo día. Y así fue como empezó todo. Luego fuimos a Europa y estuvimos allí cinco semanas, y creo que grabamos otro álbum mientras estábamos allí.
Creo que no tuvo muy buena acogida en Estados Unidos con Polydor. Ellos trajeron Blue Horizon aquí e hicieron un excelente trabajo. Así que me fui a otra discográfica. Y, por supuesto, todo este álbum se grabó en el estudio de Johnny Otis. Creo que era en Vine Street, Hollywood.
¿Por qué California siempre fue la meca, el centro de experimentación del blues, el jazz y el swing?
Con mis escasos conocimientos, solo te diré lo que pienso. Muchos artistas del Medio Oeste y del Sur vinieron a California de gira, ya fuera por su música o por la recomendación de alguien sobre el clima. Y se quedaron. Eso creó un estilo, especialmente en Los Ángeles. En Avenue, donde toqué, me uní a George «Harmonica» Smith. Con Big Mama Thornton, T-Bone Walker, y muchos más. Todos se establecieron aquí. Era su hogar. Continuaron grabando aquí.
Y, por supuesto, Johnny Otis promocionando a todos sus artistas. Hacía calor, mucha gente no sabía todo lo que había en California. Empezamos a hacer giras en 1980. Fue un reto, porque el público joven solo había escuchado surf rock y música playera californiana. No sabían que había bandas como la nuestra. Así que tuvimos que presentarles el blues con influencias de jazz swing que tocábamos, y que finalmente se popularizó enormemente en Estados Unidos y también en Europa. Y ahora se toca ese estilo por todas partes.
¿Qué es lo que más echas de menos hoy en día del sentimiento del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
No extraño tanto estar de gira. Extraño la emoción de poder ensayar. Todavía espero, a través de la improvisación, poder llevar a los miembros de la banda a un nivel en el que yo tampoco tenga preocupaciones. Extraño eso, porque lo que busco es simplemente sentirme vivo mientras me quede un poco de vida.
¿Qué tan importante fue Debra “Honey” Piazza en tu vida y tu carrera?
Creo que ella fue probablemente la pieza clave para que la banda alcanzara el nivel que llegó a tener. Gracias a su forma de tocar y a su ayuda con la mano izquierda, creamos nuestro propio sonido y forjamos algo con lo que nos identificamos. Extraño la oportunidad de estar en una banda con músicos que sobresalían y se mantenían firmes sobre la base que ella nos brindó. Y luego, en sus giras en solitario, probablemente fue el núcleo de la banda. Sin ella, habría sido solo una banda de guitarras más armónica. Así que creo que nos dio a todos una ventaja en la competencia de su nivel de popularidad.
¿Qué recuerdo de las giras con la gran Big Mama Thornton te hace sonreír?
Bueno, te puedo decir que tengo muchos recuerdos que compartir de ella. Yo era el telonero cuando salíamos de gira. Big Mama abría el concierto, Smith tocaba algunas canciones y luego Big Mama tocaba. Así que, aunque ella dejaba a la banda en el escenario, yo estaba a un lado, compadeciéndome de los demás, que tenían que aguantar la paliza. Obviamente, ella era única, grabó discos increíbles y yo tenía 18 o 20 años, o la edad que fuera, y era un niño tan pequeño el que estaba de gira con ella.
¿Qué te inspiró a tocar la armónica?
Ver a Jimmy Reed tocar la armónica me inspiró, y me aficioné a ella gracias a él, ¿sabes?, y a todos los que intentaban tocar como él. Eso me llevó a George Smith, con quien terminé en un grupo durante la década de 1960, y por supuesto, a mi favorito de todos los tiempos: Little Walter.
El gran Jimmy Reed, que ya no está entre nosotros, te dio algo especial… ¿verdad?
Sí, Jimmy Reed me regaló una armónica. Fue hace muchísimo tiempo, probablemente en el 57 o algo así. Ni siquiera sé si todavía funcionaba.
¿Qué es lo que realmente te emociona del sonido de la armónica? ¿Cuáles son sus secretos?
Bueno, los músicos a los que admiro por sacarle el máximo partido a la armónica eran los trompetistas de la banda. Teníamos dinero para comprar un saxofón y un amplificador. El sonido de la armónica amplificada era, ¿cómo decirlo?, adictivo. Cuando oía el amplificador, era tan adictivo, mucho más que la guitarra o cualquier otro instrumento. Me encantaba su timbre; pensaba que era lo más parecido a la voz humana, y por eso creo que me sentí atraído por ella.
¿Echas más de menos a bandas como Dirty Blues Band, Bacon Fat o Mighty Flyers?
Sí, obviamente a los Mighty Flyers. Dirty Blues apenas estaba empezando. Bacon Fat era un nivel superior, y en ese entonces George «Harmonica» Smith era un referente para todos los artistas negros y mucho más. Luego, cuando empezaron, yo estaba desde el 75 o el 76, por ahí formé la banda y seguimos hasta los 2000 y pico.
¿Tienes algún recuerdo con Smokey Wilson que te gustaría compartir con nosotros?
Sí, ya sabes, yo tocaba para Smokey, no tenía banda. Acompañaba a Smokey Wilson en su Pioneer Club. Él conducía 60 millas de ida y vuelta, los viernes y sábados por la noche, para tocar en ese club que era suyo. Años después, nos fue muy bien en un festival en Estados Unidos. Wilson también estaba en el cartel.
Creo que yo encabezaba el cartel o justo antes, y él estaba un poco más abajo en el cartel. Así que salió antes que yo y, bromeando, fui a decirle eso a Smokey Wilson, Rod dijo, cuando a él solo le pagaban 50 dólares por noche, lo que él decía. Luego vi al tramoyista y le pregunté: «¿Le dijiste a Smokey Wilson lo que te dije?». Me respondió: «Sí, se lo dije«. ¿Y qué te dijo? «Hasta hoy trabajarás«.
¿Tienes algún recuerdo con Muddy Waters que quieras compartir con nosotros?
Eso fue en 1975. Toqué con él un par de veces cuando Paul Oscher tocaba la armónica en diferentes conciertos. Después, toqué con el grupo de Otis Spann en un par de conciertos en Nueva York cuando Muddy estaba en el programa después de que Spann se fuera.
Así que él me había oído y George Smith había tocado con Muddy dos o tres veces, así que cuando Paul se fue, Muddy llamó a George Smith y le dijo: «Sé que no te vas a quedar, ¿dónde está Rod? Necesito un armonicista«. George le dijo: «Bueno, Rod tampoco va a ir porque está en el hospital». Me estaban operando de úlceras y me perdí esa oportunidad. Él (Muddy) siempre fue muy amable conmigo y con Honey.
Recuerdo que después de escucharla tocar, le dijo a Honey: «Parece que le cortaste las manos a Otis Spann y se las pintaste de blanco». Fue un gran halago para ella en aquel entonces. Eso fue allá por principios de los 80, creo, o incluso antes.
¿Cuál es la diferencia entre Rod Piazza y otros músicos de blues blancos como Charlie Musselwhite, Paul Butterfield…? ¿Cuál es la diferencia en el sonido?
Bueno, sabrías cómo describir la diferencia en su mentalidad. Todos son buenos. Su sonido depende de lo que son capaces de hacer. Creo que la creación de tu sonido final está limitada por lo que piensas y por tus habilidades. Todos dicen que alguien es mejor que otro porque es muy… ¿Cómo se dice? Ya sabes. Ahora mismo no puedo decirlo, pero… Oh, cuando escucho un disco… Pero si él está tocando en un disco… Si soy yo… soy yo, me reconozco enseguida. Mientras que con otros músicos, puede que no puedas distinguir quién es.
