Jovin Webb, Sonny Gullage y Amani Burnham
Entrevistas con estrellas emergentes de Blind Pig Records: Jovin Webb, Sonny Gullage y Amani Burnham
Agradecimiento especial a Jeff Schroedl (Blind Pig Records)
Jovin Webb: Ídolo del góspel sureño. (Fotos por KVSH Productions & J.B. Lawrence)
Seis años antes de deslumbrar a millones de espectadores en el programa televisivo American Idol con su mística sureña, su humildad y su inconfundible voz ronca, el músico Jovin Webb, de toda la vida, estuvo a punto de renunciar a sus sueños musicales. Llevar el soul de Louisiana al famoso concurso de talentos resultó ser un punto de inflexión en su carrera.
El artista de Baton Rouge se presentó con su crudo y emotivo álbum debut, Drifter (2024), publicado por el icónico sello de blues Blind Pig. Esta colección de 12 canciones es una vibrante mezcla de blues profundo y visceral, la armónica desgarradora de Jovin, sentidas baladas soul y rock ‘n’ roll enérgico al estilo de Little Richard.
¿Cómo te ha influenciado la música en tu visión del mundo? ¿Qué momento cambió más tu vida musical?
La música me ha influenciado de muchas maneras porque siempre ha formado parte de mi vida desde niño. Desde cantar hasta tocar música y bailar, siempre la he sentido de forma innata. La música y el ritmo siempre han corrido por mis venas, lo que me llevó a mi primer amor: la batería. El momento en que escuché a Michael Jackson por primera vez fue trascendental. Tanta belleza y perfección, amor y dolor en su música. Su música me sigue cautivando hasta el día de hoy.
¿Cómo describirías tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿Qué mantiene a un músico apasionado por el góspel, el blues y el soul?
Realmente no puedo describir mi sonido, pero si pudiera intentarlo, diría que es «conmovedor y auténtico«. Creo que la música debe ser un espacio libre para expresarse. Una historia o una imagen pintada en tres o cuatro minutos. Es un concepto descabellado, pero debe tener significado. Expresión auténtica. Nada complicado, simplemente agradable al oído.
Eso es lo que pienso cuando escucho una buena canción o compongo una propia. Una vez que conoces el góspel sureño, no hay escapatoria. El buen góspel nace de la emoción pura. Una vez que conectas con ese sentimiento, nunca te abandona, sin importar lo que decidas cantar. El góspel tiene todos los elementos necesarios para cualquier género, ya sea blues, soul, rock, jazz o country. Lo tiene todo.
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de esa música?
Lo que más extraño de la música del pasado es esa emoción que transmitía en aquel entonces. Significaba algo. Extraño lo atemporales que eran esas canciones. Treinta o cuarenta años después, siguen siendo geniales. Mucha de la música que escuchamos hoy está aquí y mañana ya no. Quiero crear música atemporal. Los últimos 10 o 15 años han sido una época muy interesante para la música, como un renacimiento. La gente está volviendo a las raíces de la música. Música auténtica, tangible.
Por ejemplo, los vinilos han vuelto. La gente está cansada de toda esta música en streaming que suena en el aire y empieza a querer algo que pueda sentir de nuevo. Algunos artistas nuevos e increíbles han estado trabajando, creando y abriéndose camino en la escena con un talento increíble. Es refrescante. Los jóvenes están volviendo a tocar instrumentos. Es un gran comienzo. La IA no puede replicar eso.
¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora? ¿Tienes alguna anécdota interesante sobre la creación de tu álbum debut, Drifter (2024)?
No puedo elegir un solo momento destacado de mi carrera hasta ahora porque todo ha sido increíble. Lo bueno y lo malo forman parte del camino. Desde el karaoke hasta American Idol, salir en televisión, aparecer en la portada de mi primera revista, firmar un contrato discográfico, lanzar mi primer álbum, ir de gira por Europa, participar en la banda sonora de una película. Todo ha sido una bendición; un sueño que nunca pensé que se haría realidad, pero me alegra haberlo intentado y no haberme rendido.
No hay nada especialmente interesante sobre la creación de Drifter. Era algo que llevaba mucho tiempo pendiente. Lo necesitaba. Grandes canciones, un estudio y músicos increíbles, y para rematar, un gran productor, Tom Hambridge.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
La lección más importante que he aprendido en todo este viaje musical es que hay que empezar por algún lado. Hay que darse a conocer y nunca rendirse. Esta profesión no es para los indecisos. Hay que estar literalmente loco para dedicarse a esto. ¡Yo encajo en la descripción!
Crecer y establecer contactos es fundamental en esta industria. Cantar es la parte fácil, pero aprender el negocio es la clave. Todavía estoy aprendiendo y tratando de entenderlo todo. El boca a boca es genial, pero las redes sociales son el verdadero impulso para cualquier artista. Hay tantos otros aspectos relacionados con ser un artista, con un contrato discográfico y de gira que nunca imaginé que existieran. Para triunfar, rodéate de gente en la que confíes. Es una industria dura.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música y los músicos en la sociedad actual?
Es importante preservar el blues, pero creo que se mantendrá vivo, tanto si lo intentamos como si no. El blues está presente en prácticamente todo lo que escuchamos. Nombra un género y seguro que está ahí o influenciado por él. Es nuestro deber como músicos difundir alegría y diferentes emociones, y hablar de temas importantes. La música es muy poderosa y tenemos ese poder en nuestras manos y en nuestras voces. Seamos conscientes. Hablemos de las cosas que nos afectan o que podrían ayudar a alguien más. La música debería unirnos a todos, no separarnos. Miren lo que Michael Jackson hizo con el mundo solo con su música. Es algo hermoso cuando se usa bien.
¿Qué has hecho para que tu música siga siendo relevante hoy en día, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
No creo que esté haciendo nada específico para presentarla a las nuevas generaciones. Simplemente estoy siendo auténtico. Tengo 35 años, así que no soy joven, pero tampoco viejo. Todavía tengo algo fresco que aportar al blues. Cuando escuchas mi música, percibes diferentes matices en la mezcla. Todavía recibo halagos de gente de 16 años o menos que dice que les gusta mi música. No sé cómo la escuchan, pero de alguna manera, la música les llega de forma espontánea.
¿Cómo influye tu ciudad natal (Baton Rouge, Louisiana) en tu música? En cuanto a la autenticidad en el blues, ¿crees que la raza marca la diferencia?
Soy del sur de Louisiana. Cuando escuchas blues o jazz, piensas en nosotros. La rica cultura de la comida, la música y la gente de todos los colores se refleja en mi canto y actuación. Un crisol de tantas personas diferentes —negras, blancas, indígenas, de cualquier raza— han contribuido a que Louisiana sea lo que es. El soul y el blues nacen del alma. No se pueden enseñar. O se tienen o no se tienen.
Kevin «Sonny» Gullage: sabiduría de Nueva Orleans. (Fotos por Ingrid Nacole Williams)
El álbum debut Go Be Free del cantautor y tecladista de blues de Nueva Orleans, Kevin «Sonny» Gullage, lanzado por el legendario sello Blind Pig Records, fue producido por Tom Hambridge, ganador de cuatro premios Grammy y nominado nueve veces, y cuenta con la participación especial de Christone «Kingfish» Ingram, revelando así a las nuevas generaciones a estos destacados artistas de blues.
Nacido con lo que podríamos llamar sabiduría del blues —una mezcla de empatía, sensibilidad y aguda capacidad de observación—, Sonny escribió su primera canción sobre los devastadores efectos del derrame de petróleo de la BP (British Petroleum con sede en Londres), con tan solo 12 años. Ahora, a los 28, Sonny se nutre de una vida inmersa en la riqueza del blues y el góspel, profundamente influenciado por sus raíces en Nueva Orleans y una familia con una arraigada tradición musical.
¿Cómo crees que has evolucionado como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué aspectos de tu proceso creativo se han mantenido iguales desde el inicio?
La mayor evolución que he experimentado como artista desde que empecé a hacer música ha sido encontrar la manera de conectar con los demás. De joven, uno empieza haciendo música para entretenerse y espera que los demás la disfruten porque a ti te gusta. Al crecer, empiezas a componer música que te entretiene y que, además, conecta con los demás. Ahora, al crecer, aprendes a conservar lo mejor de ti. Creo que muestro al Sonny más auténtico que puedo ofrecer, y eso marca la diferencia. Si intento aparentar ser alguien que no soy, no conectaré con ellos, porque, en realidad, ni siquiera yo lo soy.
¿De dónde surge la inspiración para tus letras? ¿Hay algún mensaje que intentes transmitir con tu música o tus canciones?
Intento escribir de una manera que dé vida a las palabras en la página. Al empezar a escribir, pienso en cómo me gustaría que me contaran algo. Quiero ser oyente de mi música como compositor. Eso la hace personal. Intento plasmar la vida en mi música: lo bueno, lo malo, los momentos difíciles y los momentos divertidos. La vida puede ser de muchas maneras, con tantos sentimientos y emociones diferentes, y quiero hablar de todo ello. Quiero que todos lo experimenten. Creo que todos vivimos vidas que valen la pena vivir y, a veces, solo necesitamos que alguien nos ayude a sentirnos menos solos en el proceso.
Tu primer lanzamiento fue con Blind Pig Records y Tom Hambridge. ¿Cómo surgió esa colaboración? ¿Tienes alguna anécdota interesante sobre la creación del álbum Go Be Free?
Cuando mi banda, The Blues Groovers, y yo estábamos de gira el año pasado, tocamos en el Grolsh Blues Festival y, gracias a ese festival, me ofrecieron un contrato discográfico con Blind Pig. Jeff Shrodle (CEO de Blind Pig Records) contrató a Tom Hambridge para producir Go Be Free. Enseguida surgió una gran sinergia entre Tom Hambridge y yo. Eso hizo que el proceso fuera muy divertido y sencillo. Incluso la idea de quiénes podrían participar en el álbum, e incluso la oportunidad de tocar una de las guitarras de Buddy Guy, ¡Tom Hambridge me hizo sentir muy bienvenido en todo momento!
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
Tengo que decir que viajar ha sido lo que más ha cambiado mi vida musical. Dondequiera que voy, veo a muchísimos músicos increíbles que llevan mucho tiempo en esto. La mayoría comparte consejos útiles, palabras de aliento o alguna anécdota de cuando estaban en mi misma situación. Desde mi paso por American Idol, donde pude hablar con Lionel Richie, hasta mis experiencias más recientes con Tom Hambridge y todos los músicos que participaron en el álbum. Todos tienen algo que enseñarme, lo cual es bueno porque siempre quiero aprender algo nuevo.
¿Qué te ha hecho reír y qué te ha emocionado de trabajar con tu padre, el veterano músico Tony Gullage?
¡Trabajar con mi padre siempre es una experiencia increíble! Siempre hay risas que compartir y algo que aprender. La primera vez que volé a Brasil, mi padre nos contó su primera vez allí. Fue a su habitación de hotel y llamó a un montón de gente diciendo: «…sí, estoy de gira, tocando en Sao Paulo». Y al final del viaje, había acumulado una factura telefónica de hotel enorme. Nos reímos muchísimo cuando nos lo contó, pero detrás de esa divertida historia había una lección: No dejes que tu ego te haga imprudente. Las facturas de teléfono de los hoteles son carísimas, ¡así que llamar a larga distancia es una mala idea!
¿Cómo te preparas para tus grabaciones y presentaciones para mantener tu resistencia tanto espiritual como musical?
Me preparo de muchas maneras. Antes de subir al escenario, la banda y yo a veces nos reunimos para rezar. Creo que para mí, gran parte de esto consiste en recordar que no estoy solo ahí fuera. He tenido la suerte de contar con grandes amigos y familiares que me apoyan. Mi padre siempre está ahí, apoyándome. Tengo la gran fortuna de tener la oportunidad de tocar en lugares increíbles. Siempre doy las gracias por la oportunidad. Eso fortalece mi espíritu. En cuanto al aspecto mental, diría que depende de lo que permito en mi vida. Practico depositar mi confianza en lugares donde sé que estoy a salvo. Mantengo una vida bastante libre de estrés, lo que me permite encontrar vías de expresión que nutran mi música.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música afroamericana en la sociedad actual?
Es importante preservar todas las formas de música, pero el blues es música estadounidense. Gran parte de la cultura estadounidense es una mezcla de influencias de otras culturas, pero el blues nació de la lucha estadounidense. Nació de la experiencia estadounidense. Es tan único y está tan lleno de historia y tradición que debe preservarse como un verdadero testimonio de la historia. Creo que la música estadounidense ha cambiado el rumbo del mundo. Soy negro, soy estadounidense, soy músico, pero cuando ya no esté y lo único que perdure de mí sea mi música, no quiero que se me vea como alguien que hizo grandes avances en la «música afroamericana».
Quiero que la gente de todos los ámbitos de la vida diga: «¡Guau! Fue uno de los más grandes músicos del mundo». Quiero que la gente piense en mí como piensa en Bach o Beethoven. Quiero conectar con ellos como lo hizo B.B. King con la gente de todo el mundo. Es estupendo reconocer que el origen del blues está en la música afroamericana, y es importante asociarlo con la autenticidad del blues, pero cuando ya no esté, quiero ser recordado como un músico que hizo sonreír a todo el mundo.
Amani Burnham: raíces & alas. (Fotos por J.B. Lawrence)
Setenta años después de su grabación original, el artista de blues rock Amani Burnham publicó un video de sí mismo interpretando «Hoochie Coochie Man» de Muddy Waters. Fue surrealista ver a un joven de 19 años en Instagram empuñando una Fender Stratocaster blanca con tal destreza y carisma sensual. Allí estaba Amani, sentado en el suelo con el atuendo típico de la Generación Z: pantalones deportivos y sudadera con capucha, sosteniendo la guitarra como una espada entre sus piernas y tocando con una maestría impresionante. Hoy, Amani sale de detrás de la pantalla con su álbum debut, Roots & Wings (2026), lanzado por el aclamado sello independiente de blues Blind Pig Records.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿Qué momento marcó la mayor diferencia en tu vida musical?
La música me ha mostrado cuánto han cambiado las cosas en el mundo, tanto en el pasado como en el futuro. Cada uno tiene su propia perspectiva, pero la música puede ofrecerte una visión diferente de cosas que quizás nunca habías notado. Un momento que cambió mi vida musical para siempre fue, sin duda, escuchar a The Beatles por primera vez. Fueron ellos quienes me iniciaron en la música.
¿Cómo describirías tu sonido y tu repertorio? ¿Qué mantiene la pasión de un músico por el blues rock a lo largo de los años?
Mi sonido actual es potente. Me gusta mucho tocar en un trío porque puede ser muy sencillo al oído y no resulta abrumador. Mi repertorio está lleno de riffs enérgicos y canciones folk sencillas de tres acordes. Intento componer canciones de todos los géneros porque me ayuda a aprender sobre acordes y otros estilos musicales.
¿Qué es lo que más echas de menos de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de esa música?
Echo de menos lo sencillo que era antes. La música ahora tiene muchos apoyos como el auto-tune y los loops MIDI, pero antes a veces las bandas grababan todo en vivo y tenían que incrustar la toma vocal. Espero que la gente empiece a darse cuenta de que el hecho de que tengamos la tecnología para hacer una canción perfecta no significa que debamos hacerlo. Lo que hace que algo sea perfecto es su imperfección.
¿Por qué crees que el legado musical de Blind Pig Records sigue generando muchos fieles seguidores?
Creo que es porque el blues sigue presente en el corazón de la gente, e incluso si no escuchas blues, puedes apreciar la buena música cuando la oyes.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Si te esfuerzas por perfeccionar tu técnica con cualquier instrumento, la gente lo notará. La práctica es fundamental.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a la gente?
Haz que la música se centre más en lo que sucede en la vida o el punto de vista de alguien, en lugar de ser simplemente una buena canción, lo cual no es malo. Cuanto más sentimiento pongas en una canción sobre una causa, mejor resultará. No diría que quiero que afecte a la gente de una manera específica, pero dependiendo de la canción, debería ofrecer una respuesta o una comprensión de lo que está sucediendo, o simplemente una buena sensación.
¿Qué haces para mantener tu música vigente hoy en día, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
Intento mantener la música vigente hoy en día a través de mi Instagram y TikTok, porque ahí es donde se encuentra la mayor parte de mi generación. Como dije antes, la gente siempre apreciará la buena música, así que intento publicar lo más que puedo. Siento que una de mis funciones como artista es mostrarle a esta generación que esta forma de arte sigue siendo importante.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? En cuanto a la autenticidad en el blues, ¿crees que la raza influye?
Es importante porque el blues fue el origen de todo. Así es como llegamos hasta aquí en lo musical. No creo que la raza influya en el blues. Entiendo que el blues trata sobre las dificultades que uno puede enfrentar como persona, y hay todo tipo de personas en este mundo; por lo tanto, cualquiera puede cantar y tocar blues.
