Pitchell, Cain y Forsyth
Entrevistas con Jeff Pitchell, Chris Cain y Guy Forsyth: Tierra del blues.
Jeff Pitchell: La música es la Sanadora – Fotos © de Maia Kennedy.
El cantante, compositor y guitarrista Jeff Pitchell alcanzó el reconocimiento nacional cuando su álbum, Heavy Hitter (2002), alcanzó el puesto número 7 en las listas de Billboard, superando en ventas a Delbert McClinton, Robert Cray, Etta James, Johnny Lee Hooker y Muddy Waters. Jeff ha grabado con grandes artistas como J. Geils, Rick Derringer, Dave Mason, James Cotton y Clarence Clemons. Recibió reconocimiento internacional cuando realizó una gira por Europa, tocando con The Commitments como invitado especial.
Jeff Pitchell ha encontrado una manera de abarcar una amplia gama de estilos en su último álbum, Brown Eyed Blues (2024). Presenta una ambiciosa colección de dieciséis pistas con más de una docena de canciones originales, remezclas y una toma extra en vivo. Pitchell reclutó a un grupo de amigos talentosos para ayudar con este proyecto, incluidos: Tom Hambridge (co-compositor, co-productor, baterista), Reese Wynans, Duane Betts, Rick Derringer y al gran Charles Neville (ya fallecido).
¿Cómo ha influido el blues y el rock en tu visión del mundo? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre técnica y sentimiento?
Jeff: Me siento agradecido y afortunado de hacer música. La amo y respeto. Como la mayoría de los músicos, parezco hipersensible. Las dificultades del mundo son reales y son más accesibles para nosotros a través de la tecnología actual. Nos impactan a todos profundamente. Tengo la suerte de expresar eso a través de mi música. La música de blues requiere técnica para ejecutarse y para transmitir emoción y alma. Espero poseer esas características.
Actualmente tienes un lanzamiento con muchos invitados. ¿Tienes alguna historia interesante sobre la realización del nuevo álbum Brown Eyed Blues?
Jeff: La historia más convincente, además de trabajar con amigos notables que también son famosos en este álbum, fue la historia detrás de la canción Brown Eyed Blues. Un querido amigo mío me llamó desconsolado por una chica que acababa de romper con él. Después de meses de una feliz historia de amor, ella le dijo que se apresuró a hacerlo y que todo sucedió demasiado rápido. Me sentí muy mal por él porque es una gran persona y un tipo muy sincero que no merecía que lo trataran así. Luego le pregunté qué color de ojos tiene. Estaba un poco bromeando, pero luego la canción se escribió sola a partir de ahí… “ella es una serpiente con lápiz labial”, “una bruja sin escoba” se lo escribí y le gustó mucho.
Otra canción del álbum que compuse se llama When We Kiss. Lo escribí después de tocar con Phil Lesh de Grateful Dead en California durante una gira con J Geils. Esa experiencia me inspiró a escribir una canción en homenaje a Grateful Dead. A Duane Betts y a mí se nos ocurrió una armonía de guitarra en esta canción para combinar deliberadamente los sonidos de The Allman Brothers y Grateful Dead. El resultado suena fenomenal en vivo y a la gente le encanta bailarlo. La canción fue producida por Tom Hambridge, un músico y productor de varios premios Grammy en Nashville, que también toca la batería en la pista.
La canción Brown Eyed Blues fue producida por Bruce Feiner, quien ha trabajado con Lucky Peterson y muchos otros prestigiosos artistas de blues. Rick Derringer, un amigo, produjo, pulió y tocó la guitarra en Got To Keep My Head Up, que trata sobre mi hijo Christian, quien falleció. Este álbum tiene muchas montañas rusas emocionales.
Charles Neville, de los Neville Brothers, canta en Meet Me With Your Black Drawers y es simplemente una mezcla edificante. La experiencia más inspiradora fue la canción Welcome to the Beat, que escribí sobre una utopía de música, baile y risas en un contexto de armonía mundial. Tiene un sentimiento santanaesco y mis padres cantan en griego en los coros sobre el amor. Esta es una canción multicultural que mis padres realmente le dieron vida junto con Bill Holoman, quien tocó la trompeta, el sax, los teclados y estuvo en los coros. Creo que esta es una de las canciones más edificantes y fuertes del álbum.
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de la música?
Jeff: Realmente extraño comprar álbumes y conectarme con artistas en muchos niveles. Extraño ver esos actos en vivo por un dinero razonable y sin asistencia técnica, temo que tocar instrumentos y cantar será cosa del pasado. Esperemos que no.
¿Cuál ha sido el obstáculo más difícil de superar como persona y como artista? ¿Te ha ayudado a convertirte en un mejor músico de blues?
Jeff: Los obstáculos más difíciles para mí han sido la pérdida. He perdido 11 tecladistas a lo largo de los años a causa de las drogas y el alcohol. He perdido a 20 amigos cercanos por el mismo culpable. Mi próximo álbum tratará sobre ayudar a las personas con drogas y alcohol, a los veteranos y a los enfermos mentales. Ya tengo nueve canciones escritas donde los temas y mensajes están entretejidos profundamente entre líneas. Hoy soy un mejor músico porque no doy por sentado la vida después del encierro por la pandemia y la pérdida de tantos colegas y amigos cercanos debido al alcohol y las drogas.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el camino musical?
Jeff: Yo diría que la lección más importante que he aprendido es que no te tomes a ti mismo demasiado en serio. Parece que la música es la sanadora para quien da y para quien recibe, así que tengo que cuidarme para poder ofrecer una interpretación consistente. Para ayudar a la gente y ayudarme a mí mismo.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que tu música afecte a la gente?
Jeff: Este álbum (Brown Eyed Blues, 2024) es muy positivo y edificante, la canción Every Day, parece ser la canción favorita de mis dos hijas. La canción trata sobre levantarse todos los días y hacer lo que tienes que hacer, te dice. Hay que olvidar el pasado y es muy honesta. Creo que mis hijas piensan que todas las canciones son buenas, pero hay muchos mensajes inspiradores y aleccionadores en esta colección de los que estoy orgulloso.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre las habilidades técnicas y el alma/emociones? ¿Cuál crees que es la clave para una vida musical bien vivida?
Jeff: Creo que en este tipo de música, todo es cuestión de emoción. No puedes fingir emociones. Sin embargo, se necesitan algunas habilidades técnicas para ilustrar esas emociones y hacer que tu voz y tu guitarra las transmitan. Siento que la mayoría de la gente y yo podemos descifrar si una emoción es sincera o no.
La vida es más que sólo música, ¿hay algún otro campo que tenga influencia en tu vida y en tu música?
Jeff: La música se ha apoderado de mi vida. Yo no la elegí. Me eligió y estoy agradecido. Sin embargo, mi papá siempre me instó a obtener un título universitario para tener algo a lo que recurrir. Obtuve mi título de la Universidad Estatal Central de Connecticut con una Licenciatura en Educación y una especialización en Psicología. Todavía hoy enseño y lo encuentro más gratificante que nunca. ¡Gracias por esta oportunidad!
Chris Cain: Las buenas intenciones salieron mal – Fotos © de Laura Crabone
Alligator Records lanzará Good Intentions Gone Bad, el primer lanzamiento después de tres años del galardonado guitarrista, vocalista y compositor Chris Cain. Good Intentions Gone Bad se publica el 19 de julio de 2024; es el segundo álbum en Alligator de Cain y el 16° de su carrera.
En el disco, Cain ofrece trece canciones originales con letras frescas, siete de las cuales añaden una sección de metales a la mezcla. El álbum fue producido por Christoffer “Kid” Andersen en su famoso Greaseland en San José, California. Con Cain a la cabeza en la guitarra, la banda ofrece actuaciones de primer nivel en cada pista. El nuevo álbum encuentra a Cain operando en la cima absoluta de su carrera, con Andersen empujándolo a nuevas alturas en cada paso del camino.
¿Cuáles fueron las razones por las que te iniciaste y experimentaste en el blues?
Chris: Sabes, tuve suerte de que mi padre me llevara a espectáculos. Quiero decir, vimos a B.B. King mucho antes de “The Thrill is Gone”, en estos pequeños clubes como el Swahili Room y cosas así, ya sabes, cuando yo era muy pequeño. Simplemente me llevaba a ver a estos chicos y me sentaba frente a la banda (y luego no decía hola, así ni nada. Pero ya sabes, simplemente se me contagió). Pero tuve mucha suerte porque pude conocer a mucha gente a la que realmente idolatraba gracias a mi papá.
Doy gracias a mi estrella de la suerte todos los días porque pude ver a B.B. todos los años. Solía tocar muchas guitarras. Cómo olvidarlo. Como sabes, en sus últimos años, le gustaba más simplemente contar historias y tocar un poco. Pero hombre, solía tocar distintas guitarras.
Recuerdo la vez que lo vi en Winterland con Freddie King. ¡Ambos estaban tocando juntos! B.B. lo hacía con mucha emoción. Tenía lágrimas corriendo por sus mejillas. Está grabado en mi alma. Nunca lo olvidaré.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el camino musical?
Chris: Las lecciones más importantes son la humildad y el aprecio por la corona, sea quien sea. Y simplemente trata a la gente, intenta tocar lo mejor que puedas, ahí es donde está la mejor manera de hacerlo.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre habilidades técnicas y alma/emociones?
Chris: Bueno, a mí siempre me ha encantado el jazz. Sabes, nunca pensaba que fuera algo técnico, solo lo pensaba como un poco más complicado de tocar con todos los cambios. Entonces, siempre tuve algunas técnicas solo porque me gustaba tocar junto con mis discos de jazz. Y me encanta eso, ese tipo de tocar la guitarra.
Entonces, hay cosas en mi estilo que son un poco más avanzadas técnicamente. Pero en realidad, todo se basa en simplemente doblar una nota y hacer que haga algo, ¿sabes a qué me refiero? Y eso es realmente todo lo mío. Pero sí rezo, si hay cambios en la interpretación, o lo abordaré muchas veces, más o menos con un sentido de los lugares, como un guitarrista, simplemente, si solo se trata de cambios involucrados. Me gusta hacer eso. Pero al mismo tiempo, cuando toco, aparecen pasajes lentos y cosas así. Realmente nunca entiendo el Technicolor, simplemente se que se separan y doblan la nota. ¿Tu sabes, ese tipo de cosas? Me gusta hacer ambas cosas.
¿Qué importancia tuvo la escena psicodélica de California en tu vida y en tu carrera?
Chris: Lo que pensaba que era importante, era el Fillmore West, y surgieron clubes como ese, y lo hicieron de esa manera. Entonces, en una noche cualquiera, podías ver mucha música durante un par de horas. Y creo que eso fue realmente maravilloso. Quiero decir, si quieres sentir más, puedes ver, amigo, que disfrutan el show con Who, y alguien más, ya sabes, son dos grandes bateristas diferentes, pero quiero decir, Graham claramente hizo cosas locas como esa. Eso fue maravilloso. Y creo que eso es lo bueno que surgió de ahí.
Simplemente sentí, después de ver cosas como Woodstock y otras cosas cuando era niño, y de ver a B.B. King, desde que tenía tres años, que tocar con cierto sentimiento es el camino por seguir, ya sabes, que te guste, lucirte. No pienses solo en estas notas. Aprovecha lo que siembras y observa qué sucede. Y para mí fue como un hola. Esto es lo más grande que he experimentado jamás. Porque una vez que me di cuenta no podía dejar salir todas mis emociones nada. Se volvió aún más especial para mí.
Actualmente tendrás un lanzamiento más con Alligator Records. ¿Por qué crees que Alligator Records sigue generando seguidores tan devotos?
Chris: Bueno, creo que es una mentalidad muy abierta porque realmente nunca me vi en el sello porque sentía que no siempre tocaba ese tipo de estilo tradicional, sino que tocaba más bien, como B.B. King, pero había algo de jazz en las cosas. No se trataba sólo de slides totalmente tradicionales. Sabes, no pensé que serían interesantes. Pero creo que a medida que los tiempos han cambiado, también han cambiado las formas en que lo ven. Y estoy realmente honrado y emocionado de que me hayan dado la oportunidad de hacer esto porque es la primera vez en mi vida.
Alguna vez tuve un sello discográfico en el que unos simples zapatos hacían cosas más allá de simplemente hacer un disco y realmente fueron fantásticos para mí. Quiero decir, a mis 67 años. Fue maravilloso tener un sello que realmente cree en lo que intento hacer y, ya sabes, están contentos. Simplemente me entusiasma. Estoy tan orgulloso de este disco que sé que nunca he cantado ni tocado mejor.
Las ideas de los compañeros, la vibra que se creó. Te hace sentir mucho mejor mientras te la pasas genial. Este álbum es el siguiente paso lógico después de mi lanzamiento debut en Alligator, Raisin’ Cain. Todo lo que esperaba se duplicó. El mejor álbum que he hecho jamás, gracias a Kid.
¿Cuál es el impacto del blues en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quisieras motivar a la gente?
Chris: Creo que el impacto es perfecto. Es como una medicina. A la gente le gusta, aunque acostumbren a escuchar música en Bluetooth cuando se trata del blues ya sabes, dien nunca pensé que me gustara esta música, pero me hace sentir bien. Siempre me alegra oír eso. Sabes, creo que va en la dirección correcta. ¡Es como una segunda medicina!
¿Qué te ha hecho reír y qué te ha impactado más, las giras o el tiempo en el estudio?
Chris: Me siento cómodo en ambos. Solía estarlo, porque siempre pensaba que cuando no iba al estudio, ya intentaba hacer cosas. Y realmente estaba pensando en ello, y era como si me la estuviera pasando muy bien, pero era un poco tenso. Y con el tiempo, he aprendido a disfrutar ambos escenarios, por igual, así que me encanta tocar en vivo. Pero me encanta ir al estudio. Y ya sabes, lo que puedes hacer con esta idea. Y eso realmente se vuelve como si yo intentara hacer eso.
¿Hay algún recuerdo de los grandes bluesmen de los “Three Kings”, B.B., Freddie y Albert King, que te gustaría compartir con nosotros?
Chris: Conocí a B.B. y pude abrirle un show alguna vez y él fue muy amable conmigo. Cuando era niño pensaba que él era lo mejor porque se veía bien, siempre sonaba genial y para mí simplemente era una gran persona. Escucharlo tocar siempre fue emocionante.
Albert King era algo que todavía hoy no puedo creer. Una vez abrí un show para él y la gente que dirigía el club estaba hablando con él, tratando de que me dejara tocar, ¡y él dijo que no! Sabía que lo estimaba y no quería que se enojara conmigo ni nada por el estilo. Hicimos nuestra presentación y pude oler el humo de su pipa… él estaba parado allí mientras tocábamos, me estaba mirando. Él me dijo ajá, ajá… así que me dejó levantarme y tocar.
Fue una gran noche; mi padres estaban allí y fue muy hermoso. Después de eso, cada vez que iba a Memphis por algo, él siempre iba a mis conciertos. Traía a Otis Clay a mis conciertos; él era simplemente hermoso para mí. Sé que a veces a algunos tipos y a pequeños guitarristas, quieres aplastarlos como a insectos, pero por alguna razón él fue muy amable conmigo y han sido algunos de mis mejores recuerdos. Fui a su funeral y no pude escuchar sus discos durante unos dos años y medio porque era muy devastador para mí.
Sí, conocí a Freddie, pero él era diferente a los otros cuates, solo quería hablar sobre mujeres, y yo era solo un niño. Me encantaba su estilo y cada vez que tenía la oportunidad quería ver todo lo que pudiera de él, eran cosas emocionantes para mí… ¡todavía lo son!
¿Qué es lo que más extrañas del blues del pasado?
Chris: Sabes, que podía ser algo hermoso. Quiero decir, también hay cosas malas al respecto, porque la gente puede hacerte cosas malas allí y cosas así. Eso no es bueno. Cuando compré mi primera computadora, un amigo mío me trajo una y me dijo que debía tener una de estas. Recuerdo haber visto a B.B. King en su cumpleaños en el Festival de Jazz de Monterey tocando con T-bone Walker. Quería verlo de nuevo, para ver si era tan bueno como lo recordaba. Entonces lo busqué y ahí estaba. Lo vi y fue tan bueno como lo recordaba.
Con suerte, gracias a la tecnología, tendrás más gente que nunca queriendo verte cuando vuelvas a viajar. Al menos, si nunca vuelvo a tocar, ya he tenido un hermoso viaje. Realmente me he divertido muchísimo e hice cosas que nunca habría hecho, a menos que me uniera a la Marina o algo así.
¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro del blues?
Chris: Espero que esto continúe, que todos los cuates que tocan blues sean reconocidos. Ahora mismo tiene muy buena pinta. Hay muchos grandes artistas recorriendo las carreteras, trabajando muy duro, esperando obtener reconocimiento. Es de esperar que la audiencia sea cada vez más grande.
Creo que es realmente ecléctico. Tienes muchachos que tocan de manera muy tradicional, suenan como discos de Muddy Waters, quiero decir, casi puedes escuchar los scratchs, lo tienen tan marcado, ya sabes. Y luego están los cuates del tipo blues-rock. Un millón de cosas diferentes están sucediendo, todas bien.
¿Qué reuniones con personajes conocidos han sido las experiencias más importantes para ti? ¿Cuál fue el mejor consejo que alguien te haya dado?
Chris: Lo principal que creo que aprendí al observar a otras personas y hacer esto por un tiempo, es que no es tan difícil ser amable. Nadie está tan ocupado. Si alguien quiere saber algo, le mostraré lo que sé. No sé mucho, pero no es ningún secreto.
Guy Forsyth: El viajero de la música – Fotos © de Mark Del Castillo
Los primeros trabajos de Forsyth fueron de un blues eléctrico y crudo que no se mezclaba con nada. Sin inmutarse, fundó The Asylum Street Spankers, una banda irreverente que lo siguió en una exhibición acústica facinante, ecléctica y teatral de la historia musical estadounidense, como si el Rock and Roll nunca hubiera sucedido y que tomó a Austin por asalto, que no recibió el premio al mejor de lago, pero que actuó en los Austin Music Awards.
Mientras todo esto sucedía, Forsyth lanzó un disco en vivo en Holanda en un sello holandés (High Temperature, Lizard disk) que tuvo tal impacto que Forsyth realiza giras por Europa casi todos los años, con bandas de blues del norte de Europa versionando habitualmente sus canciones. Rider (2023) es el título de su reciente y primer EP, que resulta ser una historia de fantasmas.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo y en los viajes que has realizado?
Guy: La gente ama la música en todas partes, ningún país o cultura puede reclamar la propiedad de la música, pero la gente siente una fuerte conexión con la música que los moldea. Sentado en un pequeño club al aire libre en Katmandú, llegué a tocar con un anciano que tocaba un laúd inclinado sobre sus rodillas. Nos reímos mientras nos imitábamos el uno al otro, mi Gibson de seis cuerdas tocada con un cuello de botella y él con sus cubiertas con guantes de piel de cabra, Sarangi gimiendo frases vocales, encontrando el terreno musical común entre nosotros.
Era mucho mayor que yo y me dirigieron a él cuando pregunté a los lugareños sobre los artistas a quienes podría tener la oportunidad de escuchar. Él no hablaba inglés y yo no hablaba nepalí, por lo que un amigo nos presentó. En casi un instante estábamos tocando juntos como niños. Y como niños nos empujamos unos a otros, y nos reímos de los resultados poco convencionales. Me felicitó, a través de nuestro intérprete, y quería que supiera que era bueno. Pero también quería compartir la música personal, íntima y tranquila que era especial para él, colocaba su mano sobre su corazón mientras hablaba, que su música, su tradición, esta era su música soul. Esta música era su hogar.
Y esto es común en todas partes. Todos nos sentimos así, si es que somos capaces de sentir algo. Los humanos somos animales que hacen música. Crecí en Estados Unidos, hijo de un ejecutivo de una línea aérea de nivel medio cuyo trabajo nos mantenía moviéndonos por todo el país como un mocoso del ejército de clase media que iba de suburbio en suburbio sin conexión real con una cultura distinta a la televisión comercial común a la mayoría de los estadounidenses.
Mis padres se habían conocido en la Universidad de Arizona y tenían gustos musicales similares y por eso se casaron. Era una colección de música folk pop (The Kingston Trio, The Limelighters) y occidental (Frankie Lane, Marty Robins) y algunos musicales de Broadway. Mis padres habían tocado un poco de música cuando eran niños, lecciones de piano para mi mamá y ukelele y banjo universitarios para mi papá. Pero no fue algo que hicieran mientras yo crecía. Pero cantábamos con total abandono en el coche, sin edición ni moderación. Y la música, el canto, era alegría. Eso se ha quedado conmigo, ¡me encanta cantar!
Recuerdo cuando tenía unos ocho años y me sabía toda la letra de Time in a Bottle de Jim Croce. Es una canción de soul muy antigua, pero la cantaba en el patio de recreo y escuchaba el sonido de mi voz regresando a mí. Al saber que podía cantar esa canción, sentí como si tuviera algo mágico en mi bolsillo. No me entusiasmaba la mayoría de la música pop. Nunca sentí que hubiera mucho allí. Las canciones novedosas mantuvieron mi interés más que el top 40.
Recuerdo quedarme despierto cuando vivíamos en California para escuchar el programa Doctor Demento, un programa de radio que presentaba canciones novedosas, comedia y grabaciones extrañas o inusuales de los primeros días del sonido con tecnología de grabación. Aquí descubrí por primera vez un romance de toda la vida con la música antigua.
Escuché a Robert Johnson por primera vez en una biblioteca pública, buscando entre pilas de discos antiguos. Quizás porque estaba muy alejado de la música producida por una industria creada para vender la próxima gran novedad, sin conexión con el origen de la música, pero fue honesto y claro (incluso superó las limitaciones de la tecnología de grabación de 1936).
Sentí que me estaban hablando. Fue como ver un fantasma. No tenía un mentor que me dijera qué escuchar, así que descubrí lo que podía por mi cuenta. Las notas eran limitadas y la mayor parte de la historia que lo rodeaba era más poética que fáctica, pero se me quedó grabada. Era más humano que los Beatles, más duro que los Sex Pistols, más extraño que David Bowie.
Por esa época, recibí una armónica de mi papá para Navidad, incluida con un libro y una cinta de casete, Country and Blues Harmonica for the Musically Hopeless, de Jon Gindick. Llevaba esa armónica a todas partes y la tocaba en cada oportunidad, molestando mucho a quienes me rodeaban. El mundo de la música se abrió un poco y entró la luz.
Empecé a buscar discos de armónica y encontré High Compression de James Cotton. Vi a The Blues Brothers en la televisión, y con ellos vinieron John Lee Hooker, Big Walter Horton, Cab Calloway. La luz se hizo más brillante. un amigo me presentó la música de Sonny Terry y Brownie McGee. Luego, otro amigo (el armonicista de Kansas City, Jon Paul Drum) me dijo que John Hammond estaba tocando en el Jazzhaus de Lawrence Kansas. Eso fue todo, verlo cambió mi vida, eso era lo que quería hacer. Tenía toda la pasión del punk sin excesos, tenía el sexo del rock and roll sin poses, esta música era hogareña.
¿Cómo describes tu sonido, filosofía musical y repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Guy: La canción dicta el sonido, sin importar cuáles sean los instrumentos. Toca la cancion. Deja que la historia salga adelante. Cuenta la historia. Incluso con la música instrumental, los solos cuentan una historia. Crea tensión, libera tensión. Haz el viaje. La historia no tiene que ser real, pero sí tiene que ser Verdadera. La creatividad surge de querer algo Verdadero.
¿Qué momento cambió más tu vida musical? ¿Cuáles han sido los aspectos más destacados de tu vida y carrera hasta ahora?
Guy: Me mudé a Austin cuando cumplí 21 años. Ya había escrito canciones y tocado en algunos shows, principalmente en sesiones de micrófonos abiertos y presentaciones de blues en las que comencé a colarme antes de ser mayor de edad, en Kansas City. Pero tenía familia en Houston y pasábamos allí la mayoría de los veranos. Pero había oído historias sobre Austin y su escena musical, y estaba escuchando a The Fabulous Thunderbirds y al sello discográfico Antone. Lee McBee dijo que ese era el lugar para estar.
Pasé de escuchar a James Cotton a fumar marihuana con él detrás del Antone’s Night Club (el hogar del blues de Austin). Comencé a tocar en el Main Drag de la Universidad de Texas y ascendí en la cadena alimentaria hasta llegar a dar conciertos en Sixth Street, comencé una banda de blues eléctrico The Guy Forsyth Band, que ganó muchos premios en Austin, consiguiendo un contrato de grabación y tocadas de fijo en el Antone durante diez años. Hicimos una gira por Estados Unidos, Europa y Japón. Mi amor por la música de raíces antiguas y las canciones novedosas me llevó a formar otra banda, The Asylum Street Spankers.
Un conjunto totalmente acústico que incluye guitarra resonadora, banjo, ukelele, tabla de lavar, clarinete, contrabajo, flauta nasal, sierra musical, violín, armónica, imitaciones, chistes verdes, disfraces, letras improvisadas y un manifiesto que se negaba a utilizar electricidad “¡Música como Dios la quiso! ¡Sin electricidad demoníaca!”. Empecé mi propio sello discográfico para grabar mi música y hasta ahora me he ganado la vida con la música.
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de la música?
Guy: Gran parte de la música moderna se ha vuelto predecible, ya que compartimos la mayoría de las mismas influencias. No sólo los artistas, sino las formas de hacer música, o de grabar. El instrumento dominante del siglo pasado fue la guitarra (comenzó lenta, pero terminó fuerte). El instrumento dominante en éste momento es la computadora. Corrección de tono, cuantización rítmica, la omnipresente compresión, la uniformidad es ensordecedora.
Aunque en cierto modo la habilidad musical está en su punto más alto, se toca menos en conjunto, la producción musical es principalmente un ejercicio solitario. Hay menos creatividad en la interacción. Gran parte del enfoque moderno no se trata de tocar instrumentos y registrar lo que sucedió, sino de usar la computadora para regular el sonido del hablante. Eso puede estar bien, pero quiero estar dentro de la música. Quiero ponerme a tocar. ¿Has escuchado la expresión “Música Tradicional, mejor de lo que suena”?
Hay magia en trabajar juntos para crear belleza. Hombre, el animal que hace música ha logrado hacerla tan eficiente que ya no tiene que hacer su propia música. Es una lástima, pero me niego a renunciar a ello.
¿Cuál es el impacto de la música Blues y Roots en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a la gente?
Guy: El racismo es el pecado capital de Estados Unidos. No es que lo hayamos inventado nosotros, pero ningún otro país se benefició como Estados Unidos. Y ningún otro país se ha aferrado a su historia falsificada sobre el tema como nosotros. Mi amor por la música me conecta con otras personas y es imposible separar la historia de la música estadounidense y el racismo.
La música que llamamos Blues proviene de que Estados Unidos no es solo un crisol sino es un crisol, donde a los negros se les negaba el reconocimiento con fines de lucro, el peor de los crímenes. El hecho de que esto nos haya traído la música es el colmo de la ironía, pero también habla de la mejor cualidad posible de la humanidad: la capacidad de ser resiliente y crecer bajo presión, y compartir algo hermoso. La lección está ahí para que cualquiera la vea. Sólo puedo esperar llegar a estar a la altura de tales héroes. No quiero perder nunca la oportunidad de hablar sobre esto.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el camino musical?
Guy: No tienes que dejar de aprender. Puedes mejorar. Puedes tener la habilidad que deseas, pero no hay atajos.
Un secreto profundo y oscuro sobre mi camino musical es… Yo era ese tipo sentado al borde del escenario tocando la armónica con la banda que no me lo pedía. Tenía tanta hambre de música, de la experiencia, que haría cualquier cosa por ello. Lo quería de la peor manera, que es tocar la armónica con una banda que no te lo pidió. Se cuentan chistes sobre ese tipo. Sé que quieres unirte a la fiesta. ¡Aplaude, canta, grita! Pero no empieces simplemente a tocar. Deja que otros toquen. Escucha, da el espacio, sea testigo y espere su turno. El mundo fue amable conmigo, espero que lo sea contigo también.
La vida es más que sólo música, ¿hay algún otro campo que tenga influencia en tu vida y en tu música?
Guy: La crianza de los hijos, estando casado. Además, el Tai Chi.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre técnica (habilidades) y alma/emociones? ¿Por qué es importante preservar y difundir el blues?
Guy: El equilibrio no es la forma correcta de pensar en esto. Las habilidades son buenas, pero el alma/emoción tiene que estar ahí. Preferiría ver a personas que son armaduras divirtiéndose antes que el maestro llamando por teléfono.
No tienes que esperar para ser lo suficientemente bueno. Todavía eres digno de la música.
Creo que cuanto mejor es la música, más divertida es. Y esa es la razón por la que practico, lo hace más divertido. Diversión, emoción, conexión es lo que buscamos. La música es una herramienta para la trascendencia. El blues muestra el camino hacia allí. Hay una manera de convertir tus luchas en belleza. Que al ser testigo creas el camino para que otros hagan lo mismo. Esta es nuestra historia (humana, no sólo blanca/negra). El blues merece ser honrado.
