Planeta Blues alrededor del mundo
Entrevistas con Hideaki Tanaka, Kevin Borich y Steve Louw: Planeta Blues Alrededor del Mundo
Blues del sol naciente. Entrevista con Hideaki Tanaka
Hideaki Tanaka es un guitarrista de blues originario de Osaka, Japón. Profundamente influenciado por B.B. King, Albert King y Freddie King, ha desarrollado un estilo enérgico y contemporáneo, sin perder de vista la tradición del blues. Inspirado por Otis Rush, Tanaka se mudó a Chicago en 1999, donde pasó cuatro años inmerso en la escena del blues de la ciudad.
Durante ese tiempo, actuó con diversos artistas y bandas locales, presentándose en lugares tan reconocidos como en el Kingston Mines, Blues on Halsted y Rosa’s Lounge. En 2026, ha publicado “Blues – It’s Powerful Stuff”, un álbum en colaboración con Carlos Johnson, que reúne años de intercambio musical y una pasión compartida por el blues.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿Qué momento marcó un antes y un después en tu vida musical?
La música me enseñó que incluso los sueños que parecen imposibles pueden hacerse realidad si se tiene un corazón puro y una verdadera pasión por perseguirlos. Cuando conocí a Carlos Johnson en Chicago, me impresionó muchísimo su increíble talento. Pensé que era imposible que alguien como yo pudiera tocar con un músico de ese nivel. Pero veintiséis años después, pude lanzar este álbum, «Blues: It’s Powerful Stuff«, con Carlos, algo que jamás imaginé. A través de la música, aprendí que la pasión, la sinceridad y el trabajo duro pueden abrir puertas que nunca imaginé.
Uno de los momentos más importantes que cambiaron mi vida musical ocurrió cuando tenía 20 años. Antes de ir a Chicago, era un gran admirador de Otis Rush y llevaba tiempo estudiando su música. Una noche en Chicago, tuve la oportunidad de tocar con él. Estaba emocionado, pero en cuanto subí al escenario, me di cuenta de que no tenía nada original que ofrecer. Otis Rush estaba allí, tocando sus frases y licks. ¿Debía tocar los mismos? Claro que no.
Me sentí avergonzado y humillado porque no sabía qué más tocar. Fue entonces cuando me di cuenta de que necesitaba mi propia voz. Es importante aprender de los grandes artistas y asimilar su estilo. El blues no existiría sin los maestros que nos precedieron. Pero lo que más importa es hacer tuyas esas influencias y expresarlas a tu manera. Esa noche en el escenario, la música me enseñó lo importante que es ser uno mismo. Es una lección que nunca olvidaré.
¿Cómo describirías tu sonido y tu repertorio? ¿Qué mantiene a un músico apasionado por el blues a lo largo de los años?
Describiría mi sonido como arraigado en el blues tradicional, pero abierto a muchas influencias diferentes. Cuando tenía ocho años, mi tío me regaló dos CDs: Raise! de Earth, Wind & Fire y The Dude de Quincy Jones. Me engancharon enseguida los ritmos funky, los sonidos conmovedores y las pegadizas melodías pop, y los escuché una y otra vez.
De adolescente, me aficioné al hard rock, especialmente a bandas como Led Zeppelin, Extreme y Mr. Big. Intenté tocar sus canciones de oído y lo disfruté muchísimo. Aprendí mucho de su música. Siento un profundo respeto por el blues tradicional, pero siempre busco maneras de incorporar ideas nuevas a su esencia y crear un sonido moderno que conserve el alma del blues. Mi pasión nunca se desvanece porque el blues siempre revela nuevos descubrimientos.
La primera vez que escuché la guitarra de Carlos Johnson en Kingston Mines, sentí como si me hubiera entregado una antorcha encendida, una llama que nunca se apaga. Su forma de tocar me mostró la profundidad y la alegría de expresar el blues. Cada vez que escucho a leyendas como B.B. King, Albert King y Freddie King, su música me conmueve y me inspira. Mi pasión por el blues no necesita mantenimiento, me alimenta y crece con más fuerza cada año.
¿Por qué crees que el blues sigue generando muchos seguidores en Japón?
No estoy seguro, pero creo que una de las razones por las que el blues tiene tantos fans devotos en Japón es que mucha gente aquí es sensible a fuerzas invisibles y misteriosas. Algunos géneros musicales nos impresionan por su técnica, y eso puede ser asombroso. Pero el blues va más allá de la mera técnica. El bending de las notas, o el virtuosismo de Albert King, son difíciles de medir. El blues conecta con nosotros a un nivel más profundo, llegando a nuestros corazones y almas y despertando sentimientos que no siempre podemos explicar. Creo que sentimos y acogemos con agrado esta energía poderosa y misteriosa.
¿Qué echas de menos del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Lo que más echo de menos son los verdaderos gigantes: Elmore James, Muddy Waters, Otis Rush. Eran más que grandes músicos. Cada uno tenía un alma y un sonido tan singular y único que nada puede llenar el vacío que dejaron. Su pérdida es incalculable. Sin embargo, dejaron un tesoro que el mundo aún ama: el blues. Su música perdura, trascendiendo el tiempo e inspirando a cada nueva generación. Así que no me preocupa el futuro porque sé que mientras la gente escuche blues, seguirá vivo.
¿Hay algún recuerdo o momento destacado de tu carrera que te gustaría compartir con nosotros?
El lanzamiento del álbum “Blues – It’s Powerful Stuff” con Carlos Johnson es uno de los momentos más importantes de mi carrera. Tocar junto a alguien que influyó en mi música fue como ver un sueño hecho realidad. Me enorgullece compartir nuestra música con gente de todo el mundo.
Sin embargo, uno de mis recuerdos favoritos son los días tranquilos que Carlos y yo pasamos en su casa después de que salió del hospital. Teníamos mucho tiempo, y él, con mucha paciencia, me enseñó a tocar la guitarra durante horas cada día. Aprendí mucho de él, pero lo que más valoro es la simple felicidad que compartimos. Esos cálidos momentos juntos significan más para mí que cualquier emoción que haya sentido en el escenario. Puede que no parezca un hito, pero sigue siendo uno de los momentos más importantes de mi vida.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en la escena del blues japonés?
Una lección clave que aprendí de la escena del blues japonés es el valor de proteger y preservar la tradición. En Japón, muchos músicos de blues prefieren el estilo tradicional. Su profunda devoción por el sonido clásico me hizo comprender la importancia de estudiar la tradición. Del blues de Chicago aprendí que la tradición también puede conducir a la libertad y al progreso.
La primera vez que vi a Chico Banks tocar en vivo en Chicago, me asombró lo moderno que sonaba su estilo de guitarra. Era tan técnico y su enfoque se sentía muy diferente al blues tradicional, lo cual fue increíble de presenciar.
Ese momento me demostró que tradición e innovación pueden ir de la mano. Los músicos de blues de Chicago respetan sus raíces, pero no temen experimentar con cosas nuevas. De estas dos escenas del blues aprendí que es importante respetar las raíces y las tradiciones, pero también tener el valor de avanzar.
¿Qué haces para mantener tu música vigente hoy en día, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones en Japón?
Quiero hacer música blues que se sienta viva en este momento. Por ejemplo, en el álbum, le damos a «I Just Want to Make Love to You» un toque funky. Si alguien la escucha y pregunta: «¿Quién escribió la canción original?», Y luego descubrir a Muddy Waters, eso sería el mayor honor. Al darle un toque moderno a mi música, espero inspirar a la próxima generación. Ahora mismo estoy trabajando en nuevas canciones y arreglos para mi próximo álbum, que planeo lanzar el año que viene. El reto es lograr que la música suene moderna sin perder esa esencia primitiva, salvaje y cruda del blues. Pero sé que el blues no perderá su fuerza solo porque le añada mi toque personal. Al fin y al cabo, el blues es algo poderoso,
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música y los músicos en la sociedad actual?
Preservar el blues como parte de nuestra cultura e historia es importante, pero la gente de todo el mundo también necesita y disfruta de esta música. Por eso muchos la siguen escuchando y apreciando hoy en día. Festivales de blues, conciertos y jam sessions se celebran por todo el mundo. La gente se reúne para tocar, bailar y escuchar. Esto demuestra lo poderoso y enérgico que es el blues, y por qué es importante. En cierto modo, el blues sigue vivo porque inspira a la gente, no solo porque intentemos preservarlo.
La música tiene un enorme poder para conmover los corazones. Como músicos, solo somos una pequeña parte de eso. Si mi música puede alegrarle el día a alguien o ayudarle a olvidar sus preocupaciones por un momento, entonces creo que es cuando nuestro trabajo realmente importa.
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La Magia del Rock and Blues. Entrevista con Kevin Borich. Fotos por Pauline Bailey
Kevin Borich de The La De Das en los años 60. Fue miembro fundador de la exitosa banda neozelandesa «The La De Das» y dio el salto a las listas australianas con su éxito «Gonna See My Baby Tonight» y su álbum «Celebration», que alcanzó el top 30, con su grupo Kevin Borich Express. También fue miembro fundador de la legendaria banda australiana «The Party Boys», con el número uno «He’s Gonna Step On You».
Kevin ha actuado y compartido escenario en vivo con artistas de la talla de Carlos Santana, Elton John, AC/DC, Taj Mahal, Status Quo, Renée Geyer, Living Colour, Joe Walsh, Leo Sayer, Peter Frampton, Buddy Guy, Jeff Beck, Bo Diddley, John Mayall, Jimmy Barnes y Ritchie Blackmore. Kevin Borich Express ha sido el vehículo musical de Kevin a lo largo de los años 70, 80, 90, 20 y hasta ahora, mientras realiza una gira por Australia en 2024 con su álbum DUETS.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿Qué momento marcó más tu vida musical?
Nací el 24 de octubre de 1947 en Nueva Zelanda, de padres dálmatas croatas. De niño, solo escuchaba música pop en la radio, luego bandas de gaitas escocesas y bandas de metales en la feria agrícola local de Kumeu. Las bandas de gaitas eran mis favoritas; el sonido característico de esas gaitas me fascinaba y más tarde resurgió en la música india que George Harrison nos presentó.
A los 13 años, cuando mi tía Joni me puso a Ray Charles y un álbum de blues con Muddy Waters y John Lee Hooker, el «Tupelo Blues» de Hooker me impactó profundamente. Esa canción sobre la poderosa inundación del Mississippi abrió una puerta a una emoción pura y cruda, como también lo hicieron Ray y Muddy, llevándome a comprender la opresión social que sufrían los afroamericanos. «Big Boss Man» de Jimmy Reed trata sobre esa esclavitud.
…Luego, “El blues tuvo un hijo y lo llamaron rock and roll” (Sonny Terry & Brownie McGhee)… Me aficioné a Elvis, Fats Domino, Bo Diddley, Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Gene Vincent y Little Richard, quienes realmente me inspiraron. Y la evolución de la música sin duda me abrió las puertas del mundo: desde Inglaterra, Cliff Richard y The Shadows, junto con la destreza guitarrística de Hank Marvin, fueron toda una lección.
Después, los blueseros británicos Alexis Korner, John Mayall, The Rolling Stones, The Yardbirds, Eric Clapton, Jeff Beck, Jimmy Page, Manfred Mann, etc., nos trajeron el blues a través de las transmisiones de la BBC a Nueva Zelanda, y por supuesto, Jimi Hendrix llegó a nosotros desde el Reino Unido. El calipso de Harry Belafonte tuvo un hijo y lo llamaron Reggie; la actuación de Carlos Santana en Woodstock introdujo los ritmos latinos cubanos y sudamericanos.
Sí, la música lo hizo todo. Debo mencionar que, cuando era niño, los hermanos Marx hacían películas de comedia donde la energía era desbordante, disparatada y divertidísima… luego Harpo encontraba una armónica y tocaba, transformando la locura en un hermoso silencio angelical, una explosión de paz y calma que envolvía a todos en el pequeño Kumeu Hall, donde organizaban las noches de cine. Eso, en sí mismo, fue una clara lección sobre el poder de la música.
¿Qué mantiene a un músico apasionado después de seis décadas de carrera? ¿Por qué crees que la escena del blues rock australiano sigue generando muchos fieles seguidores?
La música me arrastró a lo largo de este camino. Me encanta descubrir nuevas canciones que quieren ser escritas, y las actuaciones en vivo siempre son un reto constante para lograrlo, para conectar con el público y que te devuelvan la energía generada, y entonces vuelas. Sí, teníamos un terreno muy fértil aquí en Australia entre los 70 y los 90… tocábamos cinco noches a la semana. Di 366 conciertos en un año. En aquella época se introdujeron los conciertos dobles, a veces incluso a mediodía en las universidades. Y a la mayoría de la gente le gustaba salir y disfrutar.
Así que sí, las bandas podían tocar constantemente, perfeccionando su técnica gracias a ese maravilloso circuito de bares, donde cada local contaba con su propio equipo de sonido e iluminación. Un músico podía tener una profesión y pagar la hipoteca. Desafortunadamente, esos buenos tiempos se han esfumado debido a la ineficacia de los gobiernos. No queremos limosnas. Lo único que necesitamos es una buena economía, algo que parece estar muy por encima de sus capacidades y habilidades.
¿Hay algún recuerdo o momento destacado de tu carrera que te gustaría compartir con nosotros?
En el concierto de Rock Arena en el Calder Raceway de Victoria, ante 60,000 personas, el técnico de Carlos Santana me subió al escenario diciéndome: «Te quiero ahí», dándome una guitarra para improvisar. Fue una experiencia increíble. Pasando tiempo con el increíble y muy adorable Joe Walsh, quien después de tocar el 50 aniversario de la Fender Stratocaster en Londres, voló a Brisbane, lo recogí a él y a Smokey, su roadie, dejé a Smokey en un hotel de Brisbane y luego llevé a Joe a nuestra casa en el interior de la Sunshine Coast, en el monte, donde durmió durante dos días (había oscurecido la habitación como si viniera Elvis).
Ensayamos las canciones que Joe quería tocar, las cuales les había enviado a mis entonces músicos Harry Brus (bajo) y Mick Skelton (batería). El próximo concierto era en el pequeño festival privado Longview, con capacidad para 500 personas, propiedad de Luke Everingham, donde la producción del escenario, etc., estaba montada en uno de sus establos. Así que cuando llegamos al final de nuestro set y Joe subió al escenario, el público quedó completamente atónito. ¡Joe fue la sorpresa especial! Más tarde, cuando mi esposa y yo salíamos del camerino de Joe antes del último concierto de los Eagles en Brisbane, Joe me dijo: «Oye, si alguna vez quieres que toque en algo, ¡mándamelo!». Así que lo hice, una canción llamada «The Fires», y efectivamente, Joe cantó conmigo a dúo y también tocó la guitarra en mi álbum de duetos de 2003. También tuve el gran honor de tocar con Bo Diddley y con el increíble Richie Blackmore; otras dos historias que mencionaré en mi próximo libro, que actualmente está en proceso de edición.
¿Qué es lo que más extrañas de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Las malas decisiones del gobierno laborista aquí en Australia han provocado que el costo de vida siga aumentando, por lo que la música en vivo está sufriendo. La regularidad de las presentaciones ha disminuido; sí, tuvimos grandes momentos, pero ya pasaron.
¿Cuáles fueron las razones por las que la década de 1960 se convirtió en el centro de desarrollo del rock and roll?
Menos interferencia gubernamental, menos burocracia para los locales, los pequeños negocios prosperaron entonces, ahora están fracasando y cerrando.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a las personas?
La música en vivo es saludable en cuanto a la interacción social; la gente sale, se reúne, disfruta de la música, se divierte bailando, etc. ¡Eso es saludable!
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Mantén una actitud positiva incluso cuando las cosas se pongan difíciles y aprende de tus errores.
¿Qué haces para que tu música siga vigente hoy en día, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
Componer nuevas canciones y seguir haciendo lo que me apasiona: tocar en vivo. Cuando un joven se me acerca y me dice que le encantó nuestra actuación con mi banda, es una sensación maravillosa.
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Huellas de la Inundación. Entrevista con Steve Louw. Fotos por Jacqui Van Staden
Steve Louw es un músico y cantautor sudafricano especializado en rock, blues rock, country rock y música americana. Nació en La Haya y lleva activo como músico desde 1981. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock Sudafricano en 2003. Louw, cuyo nombre de nacimiento es Stephen Geoffrey Louw, aprendió a tocar la guitarra inspirado por la música de Bob Dylan, The Rolling Stones y Neil Young.
Su carrera como músico profesional comenzó a principios de la década de 1980 con la formación de la banda All Night Radio. Posteriormente, formó la banda Big Sky y lanzó seis álbumes. Louw alcanzó reconocimiento internacional tras colaborar con Brian May (Queen) y Dave Stewart (Eurythmics) en el tema «Amandla», grabado para el proyecto 46664 de concienciación sobre el sida, inspirado en la labor de Nelson Mandela. En 2026, Louw lanzó su cuarto álbum como solista, Traces of the Flood, producido por Kevin Shirley.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿Qué momento cambió más tu vida musical?
La primera vez que escuché a Duane Eddy en vinilo tocando Peter Gunn, sentí que había algo más profundo en el mundo que lo que veía a diario. Desde entonces, la música me ha conectado con esa energía que emana del universo.
¿Cómo describirías tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿Hay algún mensaje que intentes transmitir con tu música?
La música que creas representa quién eres; tus sentimientos, experiencias y canciones reflejan esa energía. El oyente obtendrá sus propias sensaciones de tu música.
¿Qué mantiene la pasión de un músico después de seis décadas? ¿Cómo influye tu ciudad natal en tu música?
Vivo en un entorno rural, y la naturaleza y sus ciclos tienen un profundo impacto en mí. Amo lo que hago y la llama sigue encendida.
¿Por qué crees que el blues sigue generando muchos seguidores en Sudáfrica?
El blues, sus ritmos y estructuras, se originaron en África y se extendió a América. Es un lenguaje universal que todos pueden sentir si lo escuchan con atención.
¿Qué es lo que más extrañas hoy en día de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Me encanta el sonido del vinilo y todavía lo escucho. Espero que el vinilo se vuelva aún más popular.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que la música afecte a las personas?
Cada persona escucha música de manera diferente y extrae una visión y un mensaje distintos de una canción. Si puedo transmitir un mensaje sincero, el oyente también obtendrá su propio mensaje sincero.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Vivir una vida creativa es una experiencia plena.
¿Qué haces para que tu música siga siendo relevante hoy en día, para desarrollarla y presentarla a las nuevas generaciones?
Sigo intentando ser sincero y auténtico.
