Nicky T, Chris O’Leary y Kenny Brown
Entrevistas con Nicky T, Chris O’Leary y Kenny Brown: Blues-O-Rama
Entrevista con Nicky T: Nada como el blues. Agradecimiento a Sarah French Publicity.
Nick Tabarias, conocido profesionalmente como Nicky T, es un guitarrista de blues experimentado cuyo sonido fusiona tradición y expresión moderna. Su nuevo álbum Ain’t Wasting Time (2026), se mantiene firmemente arraigado en la tradición, impulsado por el presente.
Inspirados por los grandes y perfeccionados a lo largo de años sobre el escenario, Nicky T and the Snake Charmers ofrecen un repertorio de temas originales moldeados por influencias atemporales y un profundo y duradero amor por el blues, rindiendo homenaje a B.B. King, Bobby “Blue” Bland, Magic Sam y Ronnie Earl.
Temas como “Mistreating Mama” y “Feel Like a Hundred” capturan el swing natural y la autoridad innata de la banda, mientras que “Ain’t Wasting Time” y “Life on Life’s Terms” revelan una faceta más introspectiva, basada en la convicción de que el momento de perseguir lo que importa es ahora.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿Qué significa el blues para ti?
La música ha desempeñado un papel fundamental en la formación de mi visión del mundo. Siempre he creído que la música tiene la capacidad única de unir a las personas, especialmente en tiempos difíciles. Con tanta negatividad, división y violencia en el mundo actual, la música nos recuerda que aún existe esperanza, compasión y comprensión.
Trasciende las diferencias y conecta a las personas a nivel humano. A través de la música, he aprendido que el mundo es mucho más que odio. En esencia, la música trata sobre la unidad, el amor, la aceptación, la empatía y la unión de las personas a través de experiencias compartidas.
El blues lo significa todo para mí. El blues cuenta una historia, cuenta la historia de la vida misma. Habla de lo bueno, lo malo y lo feo. Habla de lucha, perseverancia, triunfo, desamor, éxito y fracaso. El blues es honesto y auténtico, y eso es lo que lo hace tan poderoso. Más que un estilo musical, es un sentimiento.
Para mí, tocar blues es una forma de conectar con la gente, de compartir emociones y experiencias, y, con suerte, de influir positivamente en la vida de alguien. Es un arte muy altruista porque no se trata solo del músico, sino de crear una conexión con el público y hacer que se sientan comprendidos, inspirados y menos solos.
¿Cómo describirías tu sonido y tu repertorio? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre técnica y sentimiento?
En cuanto a mi sonido y mi repertorio, me describiría como un cantante, guitarrista y compositor de blues tradicional. Mi música tiene profundas raíces en la tradición clásica del blues y está influenciada por artistas como B.B. King, T-Bone Walker, Magic Sam, Ronnie Earl y muchos de las grandes leyendas del blues de Chicago, incluyendo a Muddy Waters, Buddy Guy y Earl Hooker. Estos artistas ayudaron a moldear no solo mi estilo, sino también mi comprensión de lo que hace que el blues sea tan poderoso.
Una cosa que todos estos músicos tenían en común era el sentimiento. Sin duda, había un alto nivel de técnica, pero lo que realmente los distinguía era el sentimiento que transmitían en cada nota. En mi opinión, la técnica y el sentimiento deben ir de la mano, pero si tuviera que elegir, el sentimiento es lo que la gente recuerda. Puedes tocar todas las notas correctas, pero si no hay emoción detrás de ellas, la música no conectará con el público.
B.B. King es un ejemplo perfecto de ese equilibrio. Tenía una técnica increíble, pero lo que lo hacía realmente especial era que se podía sentir su alma en cada nota que tocaba y en cada palabra que cantaba. A veces, podía decir más con una sola nota que otros con un solo completo. Eso es algo que busco en mi propia música: tocar con el corazón, contar una historia y crear una conexión emocional con el público. Al fin y al cabo, la buena música de blues no solo se escucha; se siente.
¿Qué mantiene la pasión de un músico a lo largo de los años? ¿Qué tan fácil o difícil es para la generación más joven conectar con el blues?
Creo que lo que mantiene la pasión de un músico a lo largo de los años es el deseo de llegar a la gente a través de su música. Se trata de difundir amor, marcar la diferencia y crear algo significativo que conecte con los demás. También se trata de la búsqueda constante del crecimiento, no solo como músico, sino como persona. Siempre hay algo nuevo que aprender, un nuevo desafío que superar o una nueva meta que alcanzar.
Para mí, grabar y lanzar este álbum fue la realización de un sueño largamente acariciado y una meta personal muy importante. Otro sueño es saber que personas de todo el mundo pueden escuchar mi música y que esta pueda tener un impacto positivo en sus vidas. Siempre he deseado viajar, actuar y compartir mi música con públicos de diferentes países y culturas. Esos objetivos me siguen motivando e inspirando cada día.
En cuanto a la generación más joven, creo firmemente que pueden identificarse con el blues. Las emociones que lo caracterizan: amor, pérdida, lucha, esperanza, perseverancia y alegría, son universales y atemporales. El reto no es si los jóvenes pueden conectar con el blues, sino asegurar que tengan acceso a él.
Como músicos, es nuestra responsabilidad guiarlos, presentarles la rica historia del género y compartir las historias de las leyendas que abrieron camino. Cuando los jóvenes oyentes descubren a artistas como B.B. King, Albert King y Freddie King, a menudo se dan cuenta de que los sentimientos expresados en el blues son tan relevantes hoy como lo fueron hace generaciones. El blues es atemporal porque habla de la experiencia humana, y eso nunca pasará de moda.
¿Qué es lo que más extrañas del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro del blues?
Lo que más extraño del blues del pasado es el profundo sentido de la historia y la autenticidad que lo rodea. El blues tiene una enorme importancia histórica. Sus raíces se remontan a las canciones que cantaban los afroamericanos durante la esclavitud, y evolucionó a través de las dificultades del sur segregacionista antes de encontrar una nueva voz en ciudades como Chicago con el surgimiento del blues eléctrico. Comprender esa trayectoria te permite apreciar verdaderamente lo que representa el blues y la resiliencia de quienes lo crearon.
Mi esperanza para el futuro es que más personas, especialmente las generaciones más jóvenes, se tomen el tiempo para descubrir y apreciar la música blues tradicional y a los pioneros que sentaron las bases de todo lo que vino después. El blues no es solo un género musical; es una parte importante de la historia cultural y musical, y encierra muchas lecciones e historias valiosas.
Mi preocupación es que, a medida que el género continúa evolucionando, a veces se aleje demasiado de los elementos tradicionales que lo hicieron tan poderoso en un principio. La evolución es importante y necesaria, pero espero que el alma, el sentimiento y la autenticidad que definen el blues nunca se pierdan. El reto consiste en encontrar un equilibrio entre avanzar y preservar las ricas tradiciones que han convertido al blues en una forma de arte tan significativa y perdurable.
¿Qué dirías que caracteriza la escena del blues de Ontario en comparación con la de Detroit?
Soy relativamente nuevo en la escena del blues de Ontario, ya que pasé la mayor parte de mi vida en el área metropolitana de Detroit. Fue en Detroit donde realmente me inicié como músico, tocando junto a muchos grandes artistas y aprendiendo de mentores increíbles. Una de las personas más influyentes en mi trayectoria musical ha sido mi mentor, Ronnie Earl, cuya pasión, alma y dedicación al blues han sido una tremenda inspiración para mí.
Detroit tiene una rica herencia musical y una enorme cantidad de soul. Detroit es la Ciudad del Motor y la cuna de Motown, una ciudad que ha tenido un impacto enorme en la música estadounidense. La tradición del blues en Detroit ha sido moldeada por artistas legendarios como Son House, John Lee Hooker y muchos otros que allanaron el camino para las generaciones futuras. Hay una cierta crudeza, autenticidad y profundidad emocional en la música de Detroit que refleja la historia y el carácter de la ciudad.
Lo que he llegado a apreciar de Ontario es que comparte muchas de esas mismas cualidades. Existe un profundo respeto por el blues y sus tradiciones, junto con un fuerte sentido de comunidad entre los músicos. Ontario ha producido y apoyado a muchos artistas talentosos que se han dedicado a estudiar el blues y a mantener viva la música.
Si bien las escenas musicales pueden tener sus propias identidades únicas, tanto Detroit como Ontario están unidas por un amor genuino por el blues, un compromiso con el arte y una pasión por crear música que conecte con la gente a un nivel más profundo.
¿Cuáles consideras personalmente que son los momentos y las piezas decisivas en tu trabajo y/o carrera?
Ha habido varios momentos decisivos en mi carrera que me han ayudado a formarme tanto como músico como persona. Uno de los más significativos fue conocer a Ronnie Earl.
Ronnie ha sido un mentor y una inspiración extraordinarios para mí, y tener la oportunidad de grabar en cinco de sus álbumes fue un honor increíble. También tuve el privilegio de tocar con él en varios conciertos con entradas agotadas, experiencias que me enseñaron mucho sobre la maestría musical, el profesionalismo y el poder emocional del blues.
Otro momento destacado fue mi actuación en los Blues Music Awards. Compartir el escenario en un evento tan prestigioso fue una experiencia memorable, y fue especialmente emocionante cuando las leyendas del blues Kim Wilson y Bob Margolin se unieron a nosotros durante nuestra presentación. Momentos como ese te recuerdan la increíble comunidad que existe dentro del mundo del blues y la importancia de preservar sus tradiciones.
También considero que mis años con The Alligators, la banda de blues más longeva de Detroit, fueron un capítulo muy importante en mi trayectoria musical. Tocar con un grupo tan consolidado me permitió desarrollar mis habilidades, adquirir una valiosa experiencia y profundizar mi comprensión del blues.
Más recientemente, formar mi propia banda, Nicky T and The Snake Charmers, ha sido uno de los logros más significativos de mi carrera. Me dio la oportunidad de asumir un rol de liderazgo, ser el vocalista principal y compartir mi propia visión musical. Me permitió encontrar mi voz como artista, compositor e intérprete, y finalmente me llevó a crear mi propia música y a cumplir metas por las que había estado trabajando durante muchos años. Para mí, eso es lo que lo convierte en un momento tan especial y decisivo en mi carrera.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Una de las lecciones más importantes que he aprendido es que el éxito en la música proviene del trabajo duro, la perseverancia y la paciencia. No hay atajos. También he aprendido la importancia de la humildad, de tratar a los demás con respeto y de construir relaciones auténticas a lo largo del camino. La música es un viaje que dura toda la vida, y no importa cuánta experiencia tengas, siempre hay algo nuevo que aprender. Lo más importante es que he aprendido a ser fiel a mí mismo y a mi visión musical. Si eres auténtico y te apasiona lo que haces, la gente conectará con ello.
¿Cuál es el impacto de la música en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo quieres que tu música afecte a las personas?
La música siempre ha desempeñado un papel importante al unir a las personas y ayudarnos a comprendernos mejor. A lo largo de la historia, la música ha sido un reflejo de la sociedad, dando voz a la gente, preservando la cultura y ayudando a las comunidades a afrontar tanto los buenos como los malos momentos. El blues, en particular, cuenta historias que de otro modo podrían olvidarse y nos recuerda las luchas, la resiliencia y la humanidad que nos unen a todos.
Como artista, espero que mi música una a las personas sin importar su origen, creencias o circunstancias. Quiero que quienes la escuchen sientan conexión, esperanza y comprensión. Si mi música logra hacer sonreír a alguien, ayudarlo en un momento difícil, inspirarlo o simplemente hacerlo sentir menos solo, entonces habré cumplido mi propósito. Al fin y al cabo, la música se trata de amor, compasión y de crear conexiones significativas, y ese es el impacto que espero tener a través de ella.
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Entrevista con Chris O’Leary: Un tipo de clase trabajadora que toca blues. Agradecimiento a Marc Lipkin (Alligator Records). Fotos por Joey Wharton.
Blue Collar, el segundo álbum de Chris O’Leary, autoproducido y lleno de energía, ofrece once canciones originales e inolvidables, que van desde lo cómico hasta lo profundamente serio. El álbum cuenta con una voz emotiva y una armónica potente. La música está impulsada por su buena banda, que irradia confianza y carisma. Como los artistas de antaño, Chris lo hace todo: lidera la banda, compone un sinfín de canciones originales, ofrece una voz excepcional, toca la armónica de forma magistral, organiza sus conciertos y viaja a más de 160 fechas al año de costa a costa. Lleva casi una década haciendo esto, construyendo su fiel audiencia fan a fan.
¿Cómo crees que has evolucionado como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué aspectos de tu proceso creativo se han mantenido iguales?
Mi principal evolución como artista se ha centrado, sin duda, en la composición. Al escuchar mis primeras canciones, me doy cuenta de que estaba tan fascinado con clásicos como Muddy Waters, Willie Dixon y Sonny Boy que mi personalidad no se reflejaba en ellas. Mantuve esa admiración por los grandes, pero he intentado contar mis propias historias a mi manera.
¿Cómo ha influido tu experiencia con la «época dorada» del blues en tu forma de componer e interpretar hoy?
Esa primera pregunta me lleva directamente a la siguiente. Sigo siendo muy respetuoso con la tradición, pero esa tradición ya no se limita al Chicago de los 50. Cuando me mudé a Nueva Orleans, mi forma de pensar cambió por completo. Podía respetar la música que amo, pero a la vez incorporar muchos otros estilos, instrumentos y enfoques. Además, mi tiempo con Levon Helm me enseñó lo mismo.
¿Qué dirías que caracteriza a tu nuevo álbum (Blue Collar, 2026) en comparación con los anteriores? ¿Tienes alguna anécdota interesante sobre la creación de ese disco?
Curiosamente, Blue Collar es el disco más ligero y alegre que he hecho en mucho tiempo. La temática sigue girando en torno a mis experiencias, pero mi perspectiva ha cambiado un poco. Las cosas me van bien (por fin), y creo que se nota en comparación con mis últimos discos. En cuanto al título Blue Collar… soy un tipo de clase trabajadora. Trabajo duro, disfruto de la vida al máximo, y siempre ha sido así. En la Infantería de Marina, durante mi tiempo con Levon y en mi carrera como policía federal; nada del otro mundo, simplemente es mi forma de vida.
¿Cómo abordas el proceso de composición? ¿Hay algún tema o emoción en particular que suelas explorar en tu música?
Compongo a partir de mis experiencias. He vivido una vida intensa, así que tengo una gran variedad de ideas para plasmar. Tocar con una leyenda del rock and roll durante 7 años, ir a la guerra como marine, perder la voz por nódulos pulmonares no una, sino dos veces, ser policía, divorciarme, tener hijos, etc. Algunas cosas no fueron nada divertidas mientras las vivía, pero me han convertido en el hombre que soy y me han brindado una perspectiva única para componer.
¿Qué mantiene la pasión de un músico a lo largo de los años? ¿Cómo influye tu ciudad natal (Nueva York) en tu música?
Suelo recurrir a la música cuando necesito inspiración. He escuchado «Hard Again» de Muddy Waters miles de veces. Ese álbum y la interpretación (en particular la de James Cotton) son la razón por la que me enamoré de esta maravillosa música y, con el paso de los años, me recuerda la suerte que tengo de poder tocarla.
¡De verdad, soy un afortunado! Saber esto se traduce en pasión al tocar, componer y grabar. He podido vivir mi sueño. Levon Helm, James Cotton, Hubert Sumlin, Bobby Keys… no solo tuve la oportunidad de tocar con estos grandes, sino que, lo que es más importante, pude llamarlos amigos.
En cuanto a Nueva York, se trataba más bien de crecer en mi hogar. Era un verdadero hogar musical. Mis padres escuchaban de todo, desde ópera hasta Springsteen, y desde Beethoven hasta Muddy Waters.
¿Cómo puede una banda o un músico convertir el blues en un género musical comercial y popular para el público actual?
Sé honesto y sé tú mismo. Creo que eso se nota. Seguir las tendencias o priorizar el estilo sobre la sustancia es aburrido, y la mayoría de la gente lo sabe. Si eres bueno y tocas con el corazón, la gente lo percibe, ¡sobre todo en vivo! La música es universal. ¡Especialmente el blues!
Has trabajado en muchos entornos diferentes, desde clubes y bares hasta festivales al aire libre por todo Estados Unidos. ¿Cómo te desenvuelves entre estos diferentes mundos y las escenas locales?
De nuevo, esa respuesta nos lleva directamente a esta pregunta. En un club, mi repertorio es bastante ecléctico. Toco clásicos de Levon y algo de música tradicional de Nueva Orleans, pero ya sea en un club pequeño o en un gran festival, mi música original constituye casi todo el set.
Si no creyera que es lo suficientemente buena como para conectar con el público sin importar el tamaño, estaría en el negocio equivocado. A veces, si el presupuesto lo permite, incluyo instrumentos de viento, pero el espectáculo es el mismo. ¡Toca con sinceridad y pasión, y a la gente le encantará!
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Entrevista con Kenny Brown: Saludos desde Mississippi. Fotos por Deke V Rivers & Adam Smith.
Kenny Brown empezó a escuchar a Otha Turner, Napoleon Strickland y otros músicos que tocaban en picnics al otro lado de la calle de su casa cuando tenía siete años. Brown fue aprendiz de Mississippi Joe Callicott, quien se mudó a la casa de al lado en Nesbit, Mississippi, desde los 12 hasta los 15 años, cuando Callicott falleció, alrededor de 1971, Brown empezó a tocar con otros dos músicos. Johnny Woods fue su compañero ocasional hasta su muerte en 1990. Más constante fue el aprendizaje de Brown con R. L. Burnside, quien lo consideraba su «hijo adoptivo».
A principios de los setenta, comenzaron a tocar en su región y se mantuvieron como dueto durante treinta años, a veces acompañados por Calvin Jackson en la batería. En sus grabaciones, Brown colaboró con R.L. Burnside, Junior Kimbrough, Asie Payton, CeDell Davis, Paul «Wine» Jones, Frank Frost, T-Model Ford, Dale Hawkins, Mojo Bufford, Jessie Mae Hemphill, The North Mississippi Allstars, Jojo Herman y Cyndi Lauper.
¿Cómo ha influido la música en tu visión del mundo? ¿Qué significa el blues para ti?
La música ha formado parte de mi vida desde que tengo memoria, así que supongo que ha influido en cada uno de mis aspectos. Me ha llevado por todo el mundo, conociendo gente de muchas culturas diferentes, conectándonos a través de la música. El blues siempre ha estado presente. Creo que a veces se malinterpreta el blues como música triste, cuando en realidad ayuda a superar la tristeza.
¿Cómo describirías tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre técnica y sentimiento?
Me han influenciado muchísimas formas de música y artistas diferentes, así que supongo que mi sonido es una combinación de todo eso. Mi filosofía es intentar tocar lo mejor que pueda y ayudar a la gente a ser más feliz. Siempre estoy aprendiendo, pero simplemente toco con el corazón. A veces, creo que tocaba mejor cuando tenía menos conocimientos que ahora.
¿Por qué crees que el blues de Mississippi sigue generando muchos fieles seguidores?
Creo que es porque sale del corazón y del alma.
¿Qué encuentros han sido las experiencias más importantes para ti?
Cuando Joe Callicutt se mudó a la casa de al lado cuando tenía 10 años, conocerlo y aprender de él fue un momento muy especial. Luego, conocer a R.L. Burnside y Johnny Woods después de la muerte de Joe definitivamente me encaminó hacia el camino que estoy recorriendo. Hay muchas otras personas que me influyeron o me dieron una oportunidad; la lista es muy larga.
¿Hay algún recuerdo de conciertos, jam sessions, presentaciones o sesiones de estudio que te gustaría compartir con nosotros?
¡Tantos conciertos y sesiones! Todos los chicos de Fat Possum. Dale Hawkins era genial. Las sesiones con Robert Finley fueron mágicas; entramos sin tener ni idea de lo que íbamos a hacer y teníamos 5 o 6 canciones en pocas horas. Lo mismo con The Black Keys. Sabía que Hank Williams era un gran artista country, pero hasta que lo conocí mejor, no tenía ni idea de que fuera tan buena persona y que le apasionara tanto el blues.
¿Qué es lo que más echas de menos del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Muchos bares de blues han desaparecido, lo cual es bastante triste. En Mississippi, solía haber muchos picnics; por eso mi esposa (Sara) y yo creamos el North Mississippi Hill Country Picnic, donde nos centramos en artistas y música de esta zona. Espero que más jóvenes se interesen por el blues y la música auténtica, y se alejen de tanta música electrónica, con IA y rap. A veces, al ver la edad del público, parece que existe el peligro de que las multitudes desaparezcan.
¿Cuál es el impacto del blues en las implicaciones socioculturales? ¿Cómo te gustaría que tu música influyera en la gente?
El blues es, en realidad, música alegre. Es muy raro ver violencia o altercados en un concierto o festival de blues, a diferencia de otros tipos de espectáculos. Ojalá la música eleve la vibración de la humanidad.
¿Cómo puede una banda o un músico convertir el blues en un género musical comercial y popular para el público actual?
Eso se ha hecho desde siempre. Todos, desde Elvis Presley en adelante, lo han hecho, incluso antes. La música country, o la música country de sus inicios, es blues, solo que con un ritmo diferente. El blues es sin duda la base de gran parte de la música moderna, o al menos, esa es mi opinión.
