Steve Hill – Will Wilde – Tommy Castro
Columnas vertebrales del blues en todo el mundo. Entrevistas con Steve Hill, Will Wild y Tommy Castro
Steve Hill: Enganchado de una cuerda del blues rock. (Fotos por Jean-Sébastien Désilets)
Considerado ampliamente como uno de los guitarristas más prolíficos de Canadá, Steve Hill nunca ha dejado de ofrecer actuaciones tremendamente ambiciosas y álbumes originales satisfactorios. Aclamado dondequiera que vaya, el guitarrista, cantante, baterista, armonicista, compositor y consumado productor es una fuerza musical a tener en cuenta.
Celebró su 25° año como artista discográfico con el lanzamiento de Dear Illusion en 2022. Con muchos álbumes de canciones originales a su nombre, ha explorado todo, desde el rock, el country, el folk y todo tipo de música, sin dejar de fusionarlo todo con su primer amor, el blues. Ha lanzado su nuevo álbum de estudio, Hanging On A String en noviembre de 2024 a través de No Label Records.
¿Cómo ha influido el blues y la música de raíces en tu visión del mundo y en los viajes que has hecho?
Bueno, me gusta pensar que si a alguien le gusta el blues y la música de raíces, esa persona probablemente tenga algún conocimiento de historia o al menos esté acostumbrada a escuchar historias de otra época. Eso siempre es bueno, ya que la historia tiene una forma de repetirse.
¿Cómo describes tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿De dónde viene tu impulso creativo?
Mi sonido es una mezcla de blues, rock and roll, country, folk y todo lo que he escuchado hasta ahora que me ha influenciado. Es un crisol de culturas. Escucho música todo el tiempo.
Desde Robert Johnson hasta Black Sabbath, Waylon Jennings, Miles Davis, The Bee Gees, Grateful Dead… en mi mente, todo está conectado. Hay 3 acordes básicos en cualquier estilo y son los mismos. La armonía es armonía, sin importar el género o de dónde venga. Siempre he tenido esta urgencia de crear algo. Incluso antes de tocar música, solía dibujar. Solo necesito expresarme y algunas cosas son más fáciles de decir a través del arte.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Confía en ti mismo. No importa lo que digan.
Si pudieras cambiar una cosa en el mundo de la música que se pudiera convertir en realidad, ¿qué sería?
Pondría fin a Spotify y a todos los servicios de streaming y crearía un nuevo modelo de negocio, uno en el que los artistas y no los multimillonarios y las corporaciones obtengan la parte justa del dinero.
¿Cuáles fueron las razones por las que comenzaste a experimentar como ‘one-man-band’ y en el sonido acústico?
Simplemente sucedió. Hace 11 años, saqué un álbum llamado Whiplash Love. Fue un fracaso. El sello discográfico simplemente no lo promocionó. Los conciertos eran raros y necesitaba encontrar una manera de seguir adelante, ya que no podía seguir pagando a la banda y seguir ganándome la vida. Decidí tener un proyecto paralelo y hacer conciertos como solista en lugares más pequeños. Soy dueño de un estudio de grabación, así que grabé material como solista, toqué en vivo desde el principio y publiqué Solo Recordings Volume 1 en mi propio sello.
¡Vendió más que los 6 álbumes que había hecho antes y le dio un gran impulso a mi carrera! He hecho más de 1,000 shows con esta fórmula desde entonces.
¿Cómo crees que has crecido como artista desde que empezaste a hacer música? ¿Qué ha permanecido igual en tu proceso de creación musical?
¡He crecido de muchas maneras en los 35 años que llevo haciendo música! Empecé como guitarrista y terminé convirtiéndome en cantante, compositor, multiinstrumentista, productor, hombre de negocios… Sigo considerándome un guitarrista, ante todo. Lo único que se mantuvo igual es la alegría que me da tocar la guitarra. Eso nunca desaparece.
¿Cuál es el equilibrio en la música entre la habilidad técnica y el alma/emociones? ¿Qué esperas que la gente siga obteniendo de tu música y canciones?
¡Puedes tener una gran técnica y no tener alma, y puedes tener mucha alma y no tener sentido del tiempo y ser sordo a los tonos! Lo que realmente importa es el efecto que tu música tiene en el público y eso tiene que ver con un poco de ambas cosas. Necesitas cierto grado de técnica para dejarte llevar con tu instrumento o con tu canto para que el público sienta algo.
Si tienes dificultades técnicas, tu mente estará centrada en la ejecución. Si quieres que el público sienta algo, primero tienes que estar en el momento. Si estás pensando en dónde deben ir tus dedos y estás contando el tiempo, no estás en el momento. Tienes que dejarte llevar y para ello tienes que dominar tu oficio.
Tienes un proyecto más. ¿Cómo surgió esa idea? ¿Tienes alguna historia interesante sobre la realización del nuevo álbum «Hanging On A String» (2024)?
Este proyecto no lo esperaba y es bastante inusual para mí. Un amigo mío, Brian Loudenslager, tiene una empresa de micrófonos llamada Lauten Audio en California. Me contrató hace años para hacer algunas demostraciones en la feria NAMM y en Sweetwater, en Indiana. Durante años me había estado diciendo que debería ir a Los Ángeles y grabar un álbum con su amigo, Darrell Thorp, ganador de 10 premios Grammy como ingeniero del año. ¡Supongo que se cansó de esperar y lo hizo posible! Alquiló el Estudio 606 y contrató a Darrell para producir y mezclar el álbum. Es un disco de One-Man Band en el que toco todo al mismo tiempo. Ya lo he hecho en el pasado, pero esto es un nivel completamente nuevo.
¿Quiénes son algunos de tus artistas favoritos o, mejor dicho, qué músicos han seguido inspirándote a ti y a tu música? ¿Cuál es la fuerza impulsora detrás de tu continuo apoyo a tu música?
¡Tengo muchas influencias que van desde Robert Johnson hasta Hendrix, Waylon Jennings, Judas Priest y The Beach Boys! Me encanta todo tipo de música, pero creo que soy mejor tocando blues-rock que cualquier otra cosa, así que trato de ajustarme a eso en estos días. Soy un gran fan de Jerry García y del hecho de que nunca dejó de practicar todos los días, sin importar lo que pasara. Tengo mucho respeto por eso. Trabajo duro para intentar dar lo mejor de mí cada noche. Siempre puedes mejorar, siempre hay algo nuevo que aprender y cuanto más aprendes, más ganas tienes de mejorar. ¿Sabes? Siempre te das cuenta de lo poco que sabes.
¿Cómo te preparas para tus grabaciones y actuaciones para mantener tu resistencia espiritual y musical?
Tocar todos los días ayuda mucho. Cantar un poco cada día también. Dejé de fumar hace 10 años, lo mejor que he hecho en mi vida. Ya no tomo drogas y casi no bebo ahora. Solía ser un problema. Ya no. Ahora soy demasiado mayor para eso, las resacas son demasiado dolorosas y contraproducentes.
A medida que te haces mayor, puede que no tengas la energía de la juventud, pero puedes aprender a no desperdiciarla y a centrarla en lo que importa. Si estoy de gira, todo mi enfoque está en dar lo mejor de mí durante esas dos horas que estoy en el escenario. Hay mucha disciplina involucrada.
¿Qué momento cambió más tu vida? ¿Cuáles han sido los momentos más destacados de tu vida y de tu carrera hasta ahora?
Es difícil de decir… Estoy muy contento con el nuevo álbum. Para mí, es lo mejor que he hecho en mi vida. Ha habido muchos momentos destacados hasta ahora, pero siempre miro hacia el futuro. Intento no pensar demasiado en el pasado. Ha habido grandes conciertos abriendo para Ray Charles, B.B. King, ZZ Top, Metallica y muchos otros.
Por alguna razón, no es en esos lugares donde normalmente doy lo mejor de mí. Recuerdo una noche en la que me sentí en mi mejor momento, en Sherbrooke, Quebec. Creo que fue el 28 de diciembre de 2002. Algunas personas me dicen que el mejor concierto que han visto de mí fue el pasado agosto en Trois-Rivières y tengo que decir que fue bastante bueno.
¿Qué estás haciendo para mantener tu música relevante hoy, para desarrollarla y presentarla a la nueva generación?
¡No mucho! Solo trato de hacer mi música lo mejor que puedo. No cambio mi sonido para las nuevas generaciones, ni para las más antiguas. Intento ser lo más activo que puedo en las redes sociales para poder llegar a los fans y conseguir nuevos, pero musicalmente hago lo que hago.
¿Qué es lo que más echas de menos hoy en día del blues del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro de este género?
La música era nueva en aquel entonces. Creo que hoy en día, la mayoría de las veces solo hay imitadores. No todos, por supuesto, pero me gustaría que hubiera más originales en la escena del blues. Por otra parte, cuando el blues se vuelve demasiado original o diferente, la gente suele dejar de llamarlo blues.
Will Wilde: El blues sigue vivo. (Fotos por Philip James)
Will Wilde es un artista a tener en cuenta, un armonicista fenomenal con una voz que está a la altura. El intenso estilo de Will con la armónica le roba protagonismo a la guitarra de blues rock tradicional, con un sonido que le debe tanto a Gary Moore como a Sonny Boy Williamson. Will proviene de una familia de músicos. Su padre es un ávido fanático de la música, su abuelo fue un pianista de jazz y blues en tiempos de la guerra y su hermana, Dani Wilde, es una aclamada cantante y guitarrista de blues por derecho propio.
Will ganó popularidad en YouTube con sus alucinantes versiones de solos de guitarra de rock clásico en armónica, como Free Bird de Lynyrd Skynyrd, que acumuló más de 3.5 millones de visitas. Estos videos llamaron la atención de la leyenda de la guitarra de blues rock Walter Trout, quien lo invitó a tocar en su álbum Broken, que llegó al número uno en la lista de álbumes de blues de Billboard. Para devolver el favor, Walter tocó la guitarra en la canción principal y el primer sencillo del próximo álbum de Will, ‘The Blues Is Still Alive’, que se lanzará el 28 de febrero de 2025, a través de VizzTone Records.
¿Cómo ha influido la música blues y rock en tu visión del mundo? ¿Qué momento cambió más tu vida?
Mi primer recuerdo del blues es cuando escuché una compilación de Chess Records que mi padre solía poner cuando yo era un niño pequeño. Tenía canciones de Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Chuck Berry, etc. La canción que más me llamó la atención fue “Help Me” de Sonny Boy Williamson. Siempre había algo en esa canción que resonaba en mí y eso fue lo que me inspiró a tocar la armónica.
¿Cómo describes tu sonido, tu filosofía musical y tu repertorio? ¿Cuál es el equilibrio en la música entre la técnica (habilidades) y el alma/emociones?
Alguien una vez describió mi forma de tocar la armónica como una mezcla de Sonny Boy Williamson y Gary Moore. Creo que es una descripción bastante buena. Las canciones tienen todas sus raíces en el blues; la mayoría de las canciones del nuevo álbum tienen 12 compases, pero toco con más intensidad rockera que la mayoría de los demás armonicistas. Mi planteamiento con este álbum es similar al que adoptarían Gary Moore, Walter Trout o Jeff Healey en un álbum de blues. La gente suele confundir mi armónica con una guitarra principal. Vocalmente, mi mayor influencia es Paul Rodgers (Free/Bad Company).
Para mí, el alma y la emoción siempre están por encima de la técnica. En el blues, en particular, hay que “hablar en serio”, de lo contrario, no dice nada. Por supuesto, he trabajado en mi técnica y velocidad, etc., pero cuando estoy grabando o actuando no pienso en eso, solo intento canalizar mis emociones en la música.
Actualmente tienes un lanzamiento con Walter Trout. ¿Cómo surgió esa relación? ¿Tienes alguna historia interesante sobre la creación del nuevo álbum Blues is Still Alive?
Walter es increíble. Conozco su música desde que tenía unos 10 años y tenía un CD llamado The Ultimate Blues Collection con su canción “Sweet as a Flower”. Lo conocí por primera vez hace unos años cuando abrí para él en Worthing. Me escuchó tocar desde el backstage y me invitó a tocar para acompañarlo en su actuación. Estuve con él un par de veces más después de eso cuando estaba de gira por el Reino Unido, una vez en el Islington Assembly Hall en Londres y otra en The 1865 en Southampton.
Después del espectáculo en Southampton me preguntó si me gustaría tocar en su nuevo disco, así que puse un poco de armónica en su canción «Bleed» de su más reciente álbum Broken. Le dije que estaba a punto de hacer un nuevo álbum y se ofreció a tocar en él, así que escribí la canción «Blues is Still Alive» para que la tocara. Esta terminó siendo la canción principal del nuevo álbum. Trata sobre cómo el blues es tan relevante hoy como lo ha sido siempre.
¿Por qué crees que la música de blues del Reino Unido sigue generando un público fiel desde 1960?
Es parte de nuestra historia, así que creo que siempre habrá seguidores aquí mientras haya artistas que la toquen.
¿Qué es lo que más echas de menos de la música del pasado? ¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Creo que mucha música actual, especialmente la música pop, carece del alma y la dinámica del pasado. Creo que esto se debe simplemente a que ahora todo está autoajustado y cuantificado. Las baterías suelen estar programadas y muchos de los sonidos están sintetizados o sampleados, por lo que se pierde el elemento humano.
Creo que es por eso por lo que la mayoría de las canciones no me emocionan de la misma manera. Incluso los mejores cantantes pop están autoajustados hoy en día simplemente porque ese es el sonido que la gente está acostumbrada a escuchar, todo tiene que ser «perfecto».
Espero que formas más orgánicas de música como el rock y el blues tengan un resurgimiento en la popularidad, ya no se escuchan bandas en las listas de éxitos, creo que habrá una reacción negativa y que eventualmente volverá a aparecer.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
Creo que es importante ser fiel a uno mismo y no intentar complacer a todo el mundo. ¡No se puede complacer a todo el mundo! Así que simplemente haz la música que te guste y que te resulte auténtica y que, con suerte, a otras personas también les guste. Creo que es importante que, como artista, mantengas el control creativo y no te apresures a firmar contratos discográficos o de representación; en el pasado, estuve atado a un contrato que me limitaba mucho y me destrozaba el alma.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues? ¿Cuál es el papel de la música blues en la sociedad actual?
El blues expresa toda la gama de emociones humanas y siempre ha estado arraigado en luchas personales y desafíos sociales, por lo que siempre será relevante. Creo que, como artista de blues, es importante abrazar la herencia del género, pero también encontrar tu propia voz dentro de él y aportar algo nuevo.
¿Qué experiencias de tu vida te hacen ser un BUEN músico?
Cualquier experiencia de la vida puede contribuir a la música de un artista. La música puede estar relacionada con cualquier emoción que experimentes, ya sea felicidad o tristeza.
Algunos estilos musicales pueden ser modas, pero el blues siempre está presente. ¿Por qué crees que es así?
Creo que el blues es una música muy “honesta”. Es pura y simple. La mayoría del blues tiende a ser sobre el amor (y su pérdida), o el dinero (¡y la falta de é!) y esas son cosas con las que todo el mundo puede, y siempre podrá, identificarse.
¿Qué piensas del BLUES del Reino Unido y qué tan cerca está del BLUES de Estados Unidos?
La escena del blues británico hoy en día es en gran medida una escena de «Blues Rock», y parece estar dominada por actuaciones de guitarras de tríos potentes. Gran parte parece girar en torno a la guitarra y no tanto a la voz o la canción. Hay algunas bandas geniales, pero en general, prefiero la escena del blues de los Estados Unidos.
La vida es más que solo música, ¿hay algún otro campo que tenga influencia en tu vida y tu música?
Me gusta viajar y explorar diferentes países y culturas. Acabo de regresar de visitar la India, lo cual fue increíble. Mis otros pasatiempos son levantar pesas y andar en motocicleta (aunque ya no lo hago mucho después de romperme el cuello y la espalda en un accidente en 2019). Soy un poco adicto al vinilo, tengo un montón de discos viejos y equipos de alta fidelidad antiguos. Además de tocar con mi banda, enseño armónica a través de mis cursos en línea, dirijo un canal de YouTube y vendo armónicas Wilde-Tuned, por lo que no me queda tiempo para mucho más.
Tommy Castro: Cerca del hueso del blues. (Fotos por Dragan Tasic)
Agradecimientos a Tommy Castro & Marc Lipkin (Alligator Records)
El primer lanzamiento de Alligator del nuevo año es Closer To The Bone (disponible a partir del 7 de febrero de 2025), de uno de los artistas más emotivos, populares y duraderos de la música de blues y raíces: Tommy Castro. Respaldado por su ardiente y funky banda, The Painkillers. Tommy es famoso en todo el mundo como un ardiente guitarrista y un cantante ultra soul. Su carrera como intérprete abarca más de cuatro décadas, con 17 álbumes y miles de conciertos y fanáticos fieles en su haber.
Castro es el líder que toca la guitarra y canta soul del telepáticamente ajustado y salvajemente estridente Tommy Castro & The Painkillers. En Closer To The Bone (el octavo lanzamiento de Castro con Alligator), Castro y sus Painkillers (el bajista Randy McDonald, el tecladista Mike Emerson y el baterista Bowen Brown), mezclan nuevos originales de Tommy (Ain’t Worth The Heartache, Can’t Catch A Break, Crazy Woman Blues) con canciones interpretadas originalmente por muchos de los amigos e ídolos de Castro.
Ha publicado 17 álbumes a lo largo de sus cuatro décadas de carrera como músico profesional. Cada disco tiene su propio sonido y estilo individual, que abarca desde el R&B con instrumentos de viento hasta el blues y el soul más intensos y el rock ‘n’ roll más despojado de todo. Este nuevo álbum fue producido por el maestro de la guitarra y mago del estudio Christoffer «Kid» Andersen, en su ahora famoso Greaseland Studio en San José, California. Canción tras canción, Tommy Castro & The Painkillers ofrecen una interpretación cruda e inspirada.
¿Cómo ha influido el blues en tu visión del mundo? ¿Qué momento cambió más tu vida musical?
En mi caso, el blues me ha llevado a muchos lugares del mundo, por lo que he experimentado varias culturas. Como humanos, todos somos iguales.
¿Cómo crees que has crecido como artista y qué ha permanecido igual en tu proceso de creación musical? ¿Cuál es el equilibrio entre la técnica y el alma en la música?
He crecido mucho. Cuando comencé mi carrera tenía mucho que aprender, pero tenía un contrato discográfico y un montón de conciertos. Siento que con el tiempo he ido creciendo en mi arte. Hoy en día soy más auténtico. Para mí, siempre será más alma que técnica.
¿Por qué crees que Alligator Records sigue generando un público tan fiel?
¡Artistas y productos de calidad! Nadie tiene más experiencia que Alligator en lo que respecta al blues y la música de raíces.
¿Tienes alguna historia interesante sobre la creación del nuevo álbum Closer To The Bone?
Trabajé principalmente en Greaseland con Kid Andersen, y cada paso del camino fue interesante. ¡También nos reímos mucho! ¡Era difícil trabajar porque nos la pasamos tan bien!
¿Qué caracteriza la filosofía y el repertorio de Closer To The Bone? ¿Por qué elegiste “Woke Up And Smelled The Coffee” (una canción escrita por Chris Cain) como primer sencillo?
Es un disco que siempre quise hacer. Un disco de blues de verdad, como los hubieran hecho en su día. Aquí no soy el tipo contemporáneo, ni el tipo rockero, ni el tipo soul. Este es el lado más bluesero de mí.
Sé que con estas canciones estoy en mi lado más auténtico. No son los artistas obvios de los que la gente suele hacer versiones, y eso fue definitivamente a propósito. Siempre me gustó la canción. Como han pasado casi 40 años desde que la grabó, pensé en hacer mi propia versión. La gente hace versiones de B.B. King y Buddy Guy, ¿por qué no de Chris Cain? Es un artista tan distinguido como cualquiera que haya tocado blues.
¿Qué es lo que más echas de menos hoy en día del blues del pasado?
¡Espacio entre las notas!
¿Cuáles son tus esperanzas y temores para el futuro?
Espero que los jóvenes encuentren esta música como lo hicieron en los años 60.
¿Cuáles son algunas de las lecciones más importantes que has aprendido de tu experiencia en el mundo de la música?
No hay una manera fácil de hacer esto. Nadie me debe una carrera. Tengo que forjarla para mí y para la gente que trabaja conmigo. Por cierto, Randy Mc Donald, todavía está conmigo y es una gran ayuda para mí en la gestión del negocio.
¿Por qué es importante preservar y difundir el blues?
Porque es la mejor música en mi opinión. ¡Debe preservarse para las generaciones futuras!
¿Cuál es el papel de la música en la sociedad actual?
Es difícil de decir, pero no me gustaría vivir en un mundo sin música.
¿Qué estás haciendo para mantener tu música relevante hoy, para desarrollarla y presentarla a la nueva generación?
Escribo canciones desde el corazón. Escribo sobre la vida. Mi más reciente lanzamiento es más un tributo al blues tradicional del pasado. Así que es un poco diferente para mí.
