Mike Kappus: El capullo de la música
Entrevista con Mike Kappus: El capullo de la música.
Fotos por Rosebud Agency Archive, John Glenn, Henry Diltz, Lynn Goldfinger Abram, Jay Blakesberg, Jana Lilian Kaiser, Jane Richey, Carol Scott / Todos los derechos reservados ©.
Mike Kappus ha sido el tipo de manager y agente de giras que cualquier músico desearía, y el mundo del blues está lleno de músicos que desearían haber sido representados por The Rosebud Agency. El ejemplo que dio guiando carreras, consiguiendo trabajos, consiguiendo contratos discográficos y defendiendo los derechos de los artistas con dedicación y empuje lo convirtió en uno de los hombres más respetados en la industria.
A lo largo de los años trabajó con Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Willie Dixon, Freddie King, John Lee Hooker, Robert Cray, John Hammond, J.J. Cale, George Thorogood, Albert Collins, Pops y Mavis Staples, Ben Harper, Ruthie Foster y muchos otros. A finales de 2013, Kappus, ganador de múltiples premios Keeping the Blues Alive, cerró el negocio de giras de Rosebud, pero continúa con su trabajo de manager, así como su servicio a organizaciones sin fines de lucro. Kappus ha ayudado a organizaciones ambientales, educativas, de derechos humanos e interculturales con su trabajo voluntario.
¿Qué significa el blues para ti?
Es muy real, ¿sabes? Es muy orgánico, creo, y no suele ser exagerado ni sobreproducido ni nada por el estilo. Vi una banda llamada Short Stuff cuando vivía en mi ciudad natal, Eau Claire, Wisconsin, al norte de Wisconsin. El armonicista y cantante Jim Liban y el tecladista y cantante Junior Brantley eran los miembros clave de la banda.
Después de una sesión, me acerqué al tecladista y le dije: «¡Genial!». Simplemente no podía creerlo; me dejó atónito, me impactó de maravilla, con más sentimiento que cualquier otra cosa que hubiera escuchado antes. Tenía unos 20 años. Pero en esta ciudad, nuestra radio era principalmente Top 40 y country, y la verdad es que nunca había escuchado blues, así que me impactó.
También diría que no me interesa solo el blues; no soy solo blues. Trabajé con Charlie Watts, con los Blind Boys of Alabama, con Los Lobos, con Mavis Staples, con todo tipo de gente que no es bluesera. No creo que todo el blues sea genial solo por tener ese nombre. Creo que es algo redundante, poco creativo y poco original, pero bien hecho, es simplemente, ya sabes, es lo auténtico, es un sentimiento auténtico.
¿Cuáles son tus esperanzas y tus temores sobre el futuro de la música?
Mi temor respecto al blues es que no hay un público joven emergente. Durante un tiempo, no hubo suficientes jóvenes artistas negros de blues. Creo que eso se ha abordado ahora, de hecho, no por ninguna campaña ni nada; simplemente hay jóvenes artistas negros de blues emergentes que se interesan por el blues, y eso es genial. No creo que haya tanto público joven, tantos fans jóvenes, negros o blancos. Voy a diferentes conciertos de blues con frecuencia; De hecho, esta noche y mañana veré conciertos de blues en ‘Biscuits and Blues’ aquí en San Francisco.
Pero es un público muy mayor; está envejeciendo mucho.
Así que existe el temor de que desaparezca aún más de lo que ha hecho, y la esperanza de que haya más jóvenes que aprendan sobre el origen de tantos otros tipos de música que les gustan —del blues— y que respeten el blues y lo reconozcan como una forma de arte genuina. No estoy en contra de la música nueva, ni mucho menos; escucho casi al 100% música nueva.
Creo que mucha de ella está sobreproducida en cuanto a grabaciones. El mes pasado fueron los Grammy, y los Grammy han sido así durante mucho tiempo: con una producción muy intensa para atraer a un público amplio y ofrecer un espectáculo. Así que me gusta más la presentación orgánica, aunque no llega tan bien a ese público joven y orientado a las tendencias.
“Agencia Rosebud”, ¿cuál es la historia detrás del nombre? ¿Por qué lo elegiste?
¿Conoces la película “Ciudadano Kane”? Al final, muere y su última palabra es “Rosebud”; y todos intentan descifrar qué significaba eso para él. Al principio de la película, se ve al protagonista como un niño feliz bajando una colina nevada en su trineo. Más tarde se convierte en un empresario y político muy exitoso, pero la película da a entender que su última palabra, Rosebud (el nombre en su trineo), parece indicar que era más feliz como un niño alegre, sin el peso de las responsabilidades.
Así que iba en coche con una amiga por Milwaukee, adonde me había mudado después de crecer en el norte de Wisconsin, y ya era agente de giras. Empecé a pensar en todas las responsabilidades que tenía (que eran solo una fracción de lo que luego se convertirían). Entonces, recordando antes de los 13 años, cuando empecé a trabajar, cuando crecí en un entorno rural, sobre todo en verano, yendo a pescar, a nadar o a hacer senderismo por el bosque, me identifiqué con «Ciudadano Kane», recordando sus días bajando la colina en su trineo.
Pensé: si alguna vez tengo una empresa, la llamaré «Rosebud». No era mi intención fundar una empresa. No quería fundar una, pero me mudé a San Francisco para unirme a una, Keystone Music Agency, y no me pagaron. Siguieron poniendo excusas durante más de dos meses. Un día llegué al trabajo y me cortaron el teléfono porque tampoco habían pagado la factura, y esto fue antes del fax, del correo electrónico, de las computadoras.
Así que eso era todo: el teléfono era la herramienta para hacer negocios. Así que simplemente tenía que hacer algo diferente. Volví a mi pequeño apartamento y llamé a los artistas con los que había estado trabajando para ver si seguirían conmigo si encontraba otro trabajo o montaba mi propia compañía. Estaban John Hiatt, a quien representaba en ese momento, Eddie Harris, quien me presentó a esta gente en Keystone, y Michael Bloomfield; los llamé.
Le había reservado algunos conciertos en Keystone y había hablado brevemente con él en conciertos, pero en realidad no habíamos hablado mucho. Hablamos durante 45 minutos y me dijo: «Eres el agente más lógico con el que he hablado. Lo haré todo contigo«. Así que fue mi primer fichaje el primer día de Rosebud. Y también fiché a Anthony Braxton, con quien había estado trabajando un tiempo en esta compañía, y lo contraté, pero la verdad es que no duró mucho. Teníamos ideas diferentes sobre el negocio.
Rosebud y Mike Kappus son nombres legendarios en la industria del blues. ¿Por qué crees que el legado de Mike Kappus sigue generando muchos fieles seguidores? ¿Qué ha caracterizado tu filosofía?
Ante todo, me alegra saber que sientes que el legado continúa, porque no tengo una idea objetiva de lo que la gente piensa de mí. Me alegra saber que todavía significa algo. Tuvimos mucha suerte de poder conectar con numerosos artistas que tuvieron mucho éxito. Por ejemplo, vi a amigos míos que estaban en bandas con las que trabajé.
Una banda en particular con la que trabajé, en un momento dado, consiguió un manager. Yo solo era su agente de giras, y ese manager los puso en contacto con la agencia William Morris para que los contrataran. Me dijeron: «Gracias por todo lo que has hecho por nosotros, pero ahora vamos a competir con Elton John y Led Zeppelin. Es principios de los 70». Unas semanas después me llamaron para preguntarme si podía conseguirles algún trabajo, lo que fuera. Hemos estado con William Morris y no nos han conseguido ni un solo trabajo, ni uno solo.
Claro, William Morris tiene grandes estrellas y les va bien con muchos artistas diferentes. Pero hay tantos artistas allí, y este grupo no vendía muchos discos ni nada, así que se perdieron en la confusión y no consiguieron ningún trabajo.
También vi otra situación trabajando en una pequeña agencia para otra persona, y uno de los otros agentes se entusiasmaba con una banda y les contaba todo lo que podía hacer por ellos. Y luego, unos meses después, era otra banda, y así sucesivamente. Y se te acaba el tiempo. No puedes cumplir todas esas promesas. El tiempo del día es limitado.
Cuando fundé Rosebud, una de mis principales preocupaciones era mantenerme pequeño para que nadie se perdiera en la confusión, nadie se olvidara por estar centrado en uno o unos pocos artistas de renombre, para darles a todos la atención que necesitan. Creo que eso fue de gran ayuda. John Lee Hooker no tenía esa atención antes. Ni siquiera tenía un agente en particular trabajando con él. Varios agentes diferentes tenían su número de teléfono y lo llamaban si podían conseguirle un trabajo, pero nadie tenía ese compromiso de tiempo completo para hacer de su carrera un éxito que sentí que era necesario con todos.
Sentía que mi trabajo para estos artistas no era solo sobre su carrera, sino asegurarme de que pudieran llevar pan a la mesa familiar: que soy responsable de sus ingresos. Esa es una gran responsabilidad que tomé muy en serio. Creo que mucha gente no lo hace. Creo que les gusta el dinero que pueden ganar, y si el artista no está ganando dinero, se centrarán más en los artistas que sí lo están haciendo, en lugar de intentar cambiarlo. En fin, creo que fue la creencia en el artista y limitar el número de artistas para que cada uno recibiera la atención que necesitaba. Creo que esas son dos cosas que nos hicieron diferentes de una agencia más grande y menos personal.
A los 75 años, ¿qué es la felicidad para Mike? ¿Cuál crees que es la clave para una vida plena?
Bueno, no puedo generalizar sobre cómo vivir la vida. He cometido muchos errores y he tenido oportunidades que otros no han tenido. Ya sabes, la gente, amigos míos y otras personas que aprecian lo que he hecho, hablan de lo duro que trabajé, y trabajé entre 80 y 100 horas a la semana durante los 37 años que tuve Rosebud, y antes y después de Rosebud también trabajé muchas horas. También sé que hay otras personas que pueden trabajar igual de duro y quizás no tener las mismas oportunidades que yo. Tuve la suerte y me sentí agradecido de tener muchas oportunidades.
Debido a mi política de no contratar a demasiados artistas, de hecho rechazamos entre 1,000 y 1,500 artistas cada año que podríamos haber contratado, y muchos de ellos eran más importantes que algunos de los artistas que sí representamos. Pero cuando me comprometí, no lo abandoné porque hubiera otro más exitoso que quisiera que lo contratáramos. Ahora, me dedico un poco a la jardinería. No tanto como mi amigo Elvin Bishop, que es un gran jardinero. Mi esposa y yo salimos casi todas las noches al cine, a conciertos y a otros eventos. Vimos una película japonesa esta semana. Voy a ver espectáculos esta noche y mañana y conozco a los artistas, lo cual es realmente genial.
Ahora que estoy prácticamente fuera del negocio de representar artistas, ya no soy alguien con quien la gente quiera ser amiga solo porque piense que podría ayudar a su carrera. Seguir teniendo tantos artistas como amigos, incluso cuando es menos probable que pueda ayudar a sus carreras, es realmente satisfactorio. Lo aprecio porque creo que siempre he puesto a los músicos en un pedestal. Siempre he apreciado mucho a los grandes músicos por lo que hacen. Así que, ya sabes, los amigos, muchos de muchos trabajos anteriores, son lo más importante para mí.
Como en verano, vamos a los partidos de béisbol, más por la amistad que por el partido, porque te sientas con un amigo durante dos horas y media o tres y tienes que hablar del partido, pero también tienes tiempo de sobra para hablar de todo lo demás, estrechar lazos y pasarlo bien juntos. En los últimos años, he ido a partidos de béisbol con un amigo porque conseguí dos entradas estupendas gracias a un amigo. Pero pensé que sería genial que algunos de estos amigos pudieran conocerse.
Así que este año es mi cuarto año alquilando una suite en el Oracle Park de los Gigantes de San Francisco e invitando a 30 personas (muchos son músicos y otros no) a reunirnos en una gran sala para disfrutar del partido, pasar tiempo juntos y hacer nuevos amigos. Creo que es un momento muy agradable para todos.
Has conocido a muchos músicos y personalidades geniales. ¿Qué encuentros han sido la experiencia más importante para ti y cuál fue el mejor consejo que te dieron?
En primer lugar, están las personas que conocí hace mucho tiempo y con las que he mantenido amistades de toda la vida, como Bonnie Raitt, Elvin Bishop y Mavis Staples, todos queridos amigos a los que adoro y con los que mantengo un contacto constante. Todos los artistas que representé significaron mucho para mí. Todos tienen personalidades diferentes y únicas. Pero, además de las personas que representé, probablemente el más significativo para mí fue Stevie Wonder.
Estaba en la cima de mi incursión en la industria musical en los años 70. En esa época, también me convertí en un gran fan de Stevie Wonder, quien estaba en su mejor momento creativo y de éxito mundial. Tenía sus álbumes y encontré las dos últimas copias raras que no tenía y pagué 80 dólares cada una (y recuerda que esto es en los años 70). Fui a verlo con un amigo la noche en que John Lennon recibió un disparo, el 8 de diciembre de 1980. No sabíamos que le habían disparado. Entramos al estadio y nadie tenía celulares; la noticia salió después de que todos estuviéramos en el estadio.
Stevie comenzó el espectáculo diciendo que se lo dedicaba a alguien especial y que nos contaría más sobre ello más tarde. El momento en que se supo la noticia de Lennon le permitió a Stevie enterarse antes de subir al escenario. Luego dio un espectáculo increíble; al final, salió y habló sobre su campaña para convertir el cumpleaños de Martin Luther King en una fiesta nacional. Dijo: otra gran persona murió esta noche. John Lennon recibió un disparo en la ciudad de Nueva York; fue simplemente increíble.
Luego quiso que todos cantáramos la canción «Feliz cumpleaños», la versión que escribió para Martin Luther King, pero nadie pudo cantar. Todos estábamos en shock. Lo conocí unos años después en el espectáculo estelar de aniversario de Dick Clark’s American Bandstand. Estaba allí con George Thorogood. Caminaba por los pasillos tras bambalinas y Stevie Wonder no había sido anunciado, pero había una puerta de camerino con su nombre. Hablé con un guardia de seguridad afuera y le dije que era un gran fan. Me dijo: «Bueno, vuelve después; quizás puedas conocerlo«.
Así que volví después y el tipo se acordó de mí y me dijo: «Adelante, entra«. Entré y no había nadie más que Stevie. Así que solo estábamos Stevie y yo en la sala; fue muy significativo para mí. Así que hablamos los dos. Él sabía de John Lee Hooker porque John Lee estaba en Detroit cuando Stevie era pequeño y Stevie había ido a su casa. Ese fin de semana, yo también estaba en Los Ángeles para un concierto de Muddy Waters que habíamos reservado en el Roxy.
Así que también hablamos de él y Stevie me dio un gran abrazo y me pidió mi tarjeta y todo. Lo cual para mí fue realmente increíble, porque siempre pensé que era el músico, compositor y productor más completo e increíblemente talentoso, además de un cantante conmovedor y hermoso. Así que ese es el número uno. Sin duda.
En cuanto a consejos, al principio, un amigo me dijo lo importante que era llevar registros exhaustivos, y generalmente lo he hecho bien, pero gran parte de mi aprendizaje se basó en lo que NO se debe hacer, al ver cómo trabajaban algunos de mis primeros jefes.
¿Qué raros son los músicos tras bambalinas?
Todos son humanos. ¡Todos son diferentes! Pero me recuerda algo bastante gracioso. A un muy buen amigo mío, a Jon Paris. Yo representé una banda en la que él estuvo originalmente en Milwaukee hace más de 50 años. Luego se fue a Nueva York y terminó tocando con Bo Diddley y Johnny Winter. Una vez me invitó a ir en autobús con él y Johnny Winter al concierto. Esa noche había llovido.
Llegamos al concierto, estábamos en el autobús y los chicos del equipo salieron a hablar con Johnny. Dijeron: «Johnny, el escenario está en medio de la sala. Hay gente por todas partes. El concierto es circular». Y Johnny dijo: «Oh, oh, mierda. Oh, Dios mío». Se quejaba casi como una niña pequeña. «¿Podemos cancelar? Quizás deberíamos cancelar». Luego volvieron y dijeron que había llovido. Y entonces hay charcos de agua ahí fuera entre el autobús y la puerta del club así que pusimos tablas sobre ellos para que no tengas que caminar en el agua y todo. Sigue lloriqueando. Oh, Dios, no sé. Tal vez deberíamos cancelar. Él sólo está lloriqueando como un niño pequeño llorón.
Entonces el espectáculo está a punto de comenzar. Johnny entra y sube al escenario y grita a todo pulmón, ¡ROCK and ROLL! como si fuera el tipo más macho del mundo. Así que esa es la diferencia más drástica que he visto entre el backstage y el escenario. Pero mucha gente está nerviosa. Algunas personas no lo están. Algunas personas dicen, si no estoy nervioso, hay algo mal.
Pero hay diferencias realmente grandes. Quiero decir, J.J. Cale fue una de mis personas favoritas para trabajar. Trabajé con él 35 años. Era mi mejor amigo. Y no era tan diferente entre bastidores. Su reputación se la ganó por evitar los focos y no preocuparse por el dinero ni la fama. Era mucho más popular en Europa que en Estados Unidos. Pero en mis 35 años con él, solo hizo una gira por Europa. Rechazó ofertas de Europa, Japón y Australia. Simplemente no le gustaba volar y no le importaba el dinero.
Cuando grabó el disco Road To Escondido con Eric Clapton, querían que estuviera de gira con Eric y promocionara el disco. Lo rechazó porque no le gusta mucho ser el centro de atención. No le gustan los grandes estadios ni nada de eso. Así que dijo que no. Y le dijeron: «Bueno, ¿y si solo vas al suroeste y te conseguimos un autobús propio y todo?«, pero lo rechazó. Y finalmente le dijeron: «¿Y si solo tocas en San Diego?». Estaba empezando a rechazarlo. Y normalmente no intento cambiar de opinión. Pero le dije: «John, vamos. Ponte serio«. Todo lo que Eric ha hecho por ti, al menos puedes conducir 72 kilómetros hasta San Diego y presentarte con él. Y lo hizo.
Y estaba de mal humor durante el camino, como diciendo: «Eric no me necesita. Se vende solo. No sé por qué hacemos esto«. Pero luego, en el escenario, hay una foto suya que solía tener en su página de Facebook con Eric. Porque nunca había visto una foto de él sonriendo tanto, ni dentro ni fuera del escenario. De alguna manera, hacer música en el escenario lo hacía todo bien.
Siempre he sentido que es un gran desafío para los músicos que pueden estar pasando por un divorcio o al borde de lo que podría ser un divorcio, pelearse con su pareja por teléfono ese día, tal vez incluso media hora antes de subir al escenario. O pueden estar enfermos. Pero suben al escenario y necesitan intentar animar al público, emocionarlo y hacer que se sienta bien, cuando tal vez estén pasando por un gran dolor, personalmente. Siempre admiro a los artistas cuando son capaces de hacer eso, y generalmente lo hacen.
Casi 55 años de carrera, ¿qué te gustaría conservar? ¿Y qué te gustaría olvidar?
He tenido interacciones con gente corrupta, básicamente. Y que causó problemas muy graves. No quiero que eso me arruine la vida. Es como John Lee Hooker y B.B. King. Parece que se aprovecharon de todos los primeros artistas de blues. Escuché a Diddley y Chuck Berry ser de los más expresivos y resentidos con las compañías discográficas que los trataban mal y no cumplían con los acuerdos, especialmente en lo que respecta al salario. Había estado cerca de John Lee Hooker cuando lo entrevistaron, y de alguna manera intentaban sacarle su enojo hacia los blancos, que lo criticaron. Dijo: «Yo estaba en Vee-Jay Records, dirigida por negros, y a mí también me criticaron». No quería dejarse llevar por la negatividad. Creo que John Lee prácticamente lo dijo en voz alta, y creo que B.B. King sentía lo mismo.
Se quemaron mucho con sellos discográficos, promotores, y quizás managers, agentes y abogados también. Y especialmente con John Lee y muchos otros artistas que no sabían leer. Simplemente no iban a dejar que eso arruinara su vida actual. Siento lo mismo sobre los aspectos negativos y positivos, realmente trato de enfocarme en lo positivo.
Siento que he sido extremadamente afortunado en mi carrera, al trabajar con la gente con la que lo he hecho. Cada vez que trabajaba con alguien, se abrían más puertas. Eric Clapton, recuerdo tener unos 20 años, y salió la historia del álbum Eric Clapton. Estaba sentado con un amigo mirando la contraportada, pensando en este ícono intocable, y luego terminé trabajando mucho con él, de gira por Estados Unidos, Europa y Japón con Robert Cray como telonero de Eric. Y con JJ Cale en el estudio.
Luego, cuando Cale murió y Eric quería hacer un álbum tributo, me llamaba regularmente para compartir ideas y luego estar en el estudio durante la grabación. De niño, pensaba que era un ícono intocable al que tendría suerte de verlo en concierto, y mucho menos de hablar con él. Y ahora me pregunta qué artistas podrían apreciar a Cale para rendirle homenaje y a cuáles evitar, o qué canciones para qué artistas. Ha sido increíble. Soy un tipo del norte de Wisconsin que tuvo una suerte tras otra, y trabajé muy duro. Creo que ya lo dije antes: mucha gente trabaja muy duro y no tiene suerte. Yo trabajé duro, pero también tuve suerte.
Saori, tu esposa, siempre ha sido una parte importante de tu vida. ¿Qué has aprendido de ti mismo gracias a Saori?
He aprendido mucho de ella. Trabajaba en una empresa de informática en Japón, a principios de los 80, así que tenía una gran ventaja en ese mundo, que desconozco. Me intimida un poco. Siempre puede ayudarme con cualquier problema informático. He aprendido mucho sobre Japón; lo he visitado más de 30 veces, a veces por negocios, antes de conocerla. Es un lugar increíble con gente increíble.
Hay algunas tradiciones japonesas que no son tan conocidas y ella me las ha enseñado. Nuestros gustos musicales difieren, pero hay áreas en las que coincidimos. Ella era cantante en Japón y le apasiona la música, así que aprendimos más sobre la música y los artistas favoritos de cada uno. Es difícil expresarlo con palabras, pero han pasado 40 años juntos y ha sido realmente bueno. Mejor que nunca, de hecho.
¿Qué recuerdo del gran J.J. Cale te hace sonreír?
Era mi mejor amigo. Lo adoraba, literalmente. Hablamos hasta el final. Estaba muy débil por problemas cardíacos, pero no quería que nadie le prestara demasiada atención ni se preocupara demasiado por él. Así que yo hablaba con él y luego le contaba a su hermana lo que me había dicho para ponerla al día. Luego ella hablaba con él, quizá una semana después, y me ponía al día. Pero si alguno de nosotros lo llamaba demasiado, él pensaba: «No te preocupes por mí, estoy bien». No quería ser el centro de atención, no quería demasiada atención.
El último día que pasé con él, fui a visitarlo y ni siquiera recuerdo si teníamos algún asunto en particular que tratar. Hablamos unas seis horas, principalmente él hablando, lo cual me pareció bien porque escuchaba historias increíbles de su pasado y todo eso. Desarrollamos una amistad muy, muy buena. Era un poco ermitaño, no salía con nadie, no le importaba ir a los eventos ni nada por el estilo. No fue a los Grammy ni siquiera cuando ganó uno. Muy poca gente tenía su número de teléfono.
Una vez estaba con su hermana y su esposa y les dijo: «Ustedes dos y Mike son los únicos tres que pueden venir sin invitación». Así que era muy duro. Ese último día hablamos como seis horas y habría seguido, pero tenía que tomar un avión. Así que me estaba despidiendo y él me acompañó hasta mi coche, que estaba al otro lado de su casa, y me estaba despidiendo. Me dieron ganas de decirle que lo quería y darle un fuerte abrazo. Pero no era de los que se dejan llevar por las emociones, como decimos aquí. Creo que se habría sentido muy incómodo, así que no hice ni dije nada.
Respecto a tu pregunta sobre qué me haría sonreír, hubo muchas cosas. Fue el artista más sensible con el que he trabajado. Iba al supermercado a comprar zanahorias y nueces para los animales salvajes de su jardín y luego los observaba comer. Era un hombre tranquilo de casa.
Rick Hall, John Hammond, Jerry Wexler, Tom Dowd, Chess Brothers y muchos otros. ¿Quién fue tu productor favorito?
No tengo mucha experiencia produciendo discos ni comparando productores, pero te diré con quién fue mi favorito, y eso está en mi pequeño círculo de experiencia. Fue Ry Cooder. En el mundo en el que trabajaba, no me dedicaba tanto al R&B, sobre todo al principio, ni al rock, por el que Tom Dowd hizo tanto.
Les tengo un gran respeto a todos. Hablé un poco con Jerry Wexler hacia el final; mantuvimos una buena relación. Escribió las notas para un álbum de John Hammond del que fui productor ejecutivo. Así que tuvimos varias conversaciones sobre eso y sobre algunas conexiones posteriores. Pero Ry Cooder fue realmente mi favorito.
Trabajamos con él y con John Lee Hooker, y creo que tenía el instinto y el conocimiento adecuados para ese tipo de música. Él mismo era un gran artista, y luego verlo trabajar con otros. Hicimos una sesión con John Lee Hooker, con Johnny Johnson, Nick Lowe al bajo y Ry. Hicieron una toma y no quedó exactamente como Ry quería. Les hizo un breve comentario a los cantantes con los que siempre trabajaba sobre cómo hacerlo. Hubo una especie de telepatía entre ellos. Lo conocían bien, él los conocía bien. La siguiente vez fue perfecto. Tenía una sensibilidad increíble. Lo apreciaba mucho como productor. Así que, cuando conseguí un contrato discográfico con Pop Staples, le pedí a Ry Cooder que produjera varias de las canciones de ese disco, y él produjo todo el siguiente, que ganó un Grammy. En resumen, Ry Cooder.
Tus clientes eran algunos de los grandes veteranos. Albert Collins, Captain Beefheart, John Lee Hooker, Willie Dixon, Muddy Waters, ¿cuál es la mejor opción de la nueva generación?
Me gustaba «Kingfish» Ingram. Lo conocí desde el principio; su madre se encargaba de su negocio, y yo ya había dejado Rosebud. Lo disfrutaba mucho y me ofrecí a ayudarlo gratis, a ser asesor, consultor o lo que fuera gratis. Creo que había cierta desconfianza, quizá aún mayor porque les ofrecía ayuda gratuita. Quizás se preguntaban: «¿Cuál es el truco?». Pero se lo ofrecí, y quizá su madre simplemente no quería que se notara que no podía hacerlo todo sola.
Pero él era uno. Conseguí un contrato discográfico con un chico y, de hecho, me envió un mensaje antes de tu llamada. De hecho, es J.P. Soars. Me cae muy bien. John Callahan, un amigo mío que era manager de gira, un tipo genial, muy sensato y con mucho conocimiento, me llamó una vez. Estaba en Memphis en los Blues Music Awards y me decía: «Ah, ¿sabes? J.P. Soars va a tocar allí y si tienes oportunidad, deberías ir a verlo». Más tarde, cruzaba un gran salón y había una banda tras otra tocando en el escenario, y creo, como ya mencioné, que muchos blues son demasiado parecidos. Caminaba de espaldas al escenario y escuché esta música y pensé: «Esto sí que es algo único y especial».
Me senté con unos amigos y les pregunté: «¿Quién es este tipo?». Y me dijeron: «J.P. Soars». Después hablé con él y le ofrecí consultoría gratuita, algo que sigo haciendo, y le conseguí un contrato discográfico, que tampoco fue por adelantado, pero cubrió todos los gastos. Era para Little Village Foundation Records. Generalmente graban a los artistas en los estudios Greaseland de Kid Anderson. La discográfica no le cobra nada al artista por eso. Contratan a un publicista para promocionar el álbum. Les dan mil CD gratis. Es casi como una subvención. El artista no le debe nada a la discográfica después de que la discográfica paga todo esto. Y si el artista vende un disco por $15, se queda con los $15. Punto. 100%. Ningún dinero regresa a la fundación en absoluto. Absolutamente nada. La fundación se mantiene completamente con donaciones.
Por suerte, tienen algunas personas que han hecho contribuciones significativas. Les traje a un par de personas. Les traje a Kevin Burt. Está muy influenciado por Aaron Neville y Bill Withers en particular. También le ayudé a encontrar un agente. Y he intentado ayudar a encontrar a todas las personas adecuadas para JP Soars. Y he traído varios otros proyectos a Little Village, incluyendo Casey Van Beek y The Tulsa Groove, y produje un disco de palabra hablada para LVF de Betty Reid Soskin, de 100 años, entre otras colaboraciones. La organización fue fundada por Jim Pugh, ex miembro de The Robert Cray Band cuando yo los representaba.
